MoMA a Parigi - Ospitato dalla Fondation Louis Vuitton

Una mostra di arte moderna molto acclamata ha aperto a Parigi questa settimana, e sta ispirando un notevole fermento. Ma forse dovrebbe ispirare anche una pari quantità di costernazione. Essere Moderni: MoMA a Parigi presenta circa 200 opere della collezione del Museum of Modern Art di New York. Tenuta presso il museo Louis Vuitton progettato da Frank Gehry, la mostra segna la prima volta che una selezione sostanziale di opere del MoMA è stata esposta in Francia. È piuttosto facile elencare le molteplici ragioni per cui questa mostra è considerata una cosa meravigliosa per la Francia, per il MoMA e per l'arte moderna in generale. Dopotutto, l'elenco degli artisti e delle opere incluse nella mostra abbraccia l'intera storia del museo, dalla sua fondazione nel 1929 fino ad oggi. Include molti dei nomi più importanti dell'arte degli ultimi 100 anni. Quindi, ovviamente, ogni opportunità di vedere così tante opere influenti e famose dovrebbe essere colta da chiunque possa recarsi al luogo dell'evento. Ma solo per un momento, dovremmo anche dare un'occhiata seria a perché la mostra sta causando anche ansia: vale a dire, l'enorme quantità di esagerazioni iperboliche diffuse sull'importanza dell'evento. I materiali stampa ufficiali, che sono stati ripubblicati e citati ad nauseam dalla stampa, chiamano ripetutamente la mostra una "mostra manifesto" e descrivono il MoMA come uno dei "musei più importanti" del mondo. La mostra è etichettata come "innovativa", "completa" e "senza pari". Ancora e ancora la parola "mitico" appare persino. E proprio quell'ultimo aggettivo, "mitico", sembra il più pericoloso, perché è il sentimento riguardo a questa mostra che non può essere liquidato come mera esagerazione. I miti sono potenti. E quando si tratta di una mostra di questa grandezza, i miti che essa crea e mantiene hanno la capacità di plasmare la narrativa globale sull'arte per le generazioni a venire.

Disimballa quegli aggettivi

L'aggettivo più ovviamente ridicolo usato per descrivere Being Modern: MoMA in Paris è "completo". In particolare, il kit stampa afferma che, "Being Modern: MoMA in Paris è laprima esposizione completa in Francia della collezione dello Museum of Modern Art." Ma in verità, mentre l'esposizione è effettivamente sostanziale—presenta circa 200 oggetti—la dimensione attuale della collezione completa del MoMA è di circa 200.000 oggetti. Quindi questa esposizione presenta circa un millesimo di ciò che il MoMA possiede. È solo un piccolo scorcio dei pieni archivi. Perché chiamarla completa? La risposta potrebbe essere che il comitato di selezione, che includeva rappresentanti sia della Fondation Louis Vuitton che del MoMA, crede che il numero minuscolo di oggetti scelti rappresenti pienamente il carattere e la sostanza dei rimanenti 199.800 oggetti lasciati indietro. Ma è anche lontanamente vero?

Esaminando l'elenco degli artisti inclusi in MoMA a Parigi, non sembra in alcun modo rappresentativo dell'intera collezione del MoMA. Più di 75.000 oggetti di quella collezione sono archiviati online, quindi ho fatto una rapida ricerca testuale in quel database per cercare tre artisti che non sono inclusi in questa esposizione, ma che considero tra i più influenti artisti moderni di sempre: Louise Bourgeois, Anni Albers e Helen Frankenthaler. Risulta che il MoMA possiede centinaia di opere di questi tre artisti. Ma stranamente non sono inclusi in questa esposizione. Ho fatto un'altra ricerca, notando che MoMA a Parigi contiene opere di un pugno di Dadaisti maschi. Così ho controllato se gli archivi del MoMA avessero opere di qualche influente Dadaista femminile. Risulta che hanno più di una dozzina di opere di Hannah Höch e Sophie Taeuber Arp, ma solo i loro più noti omologhi maschili sono inclusi in questa esposizione. Quindi possiamo dire che questa esposizione è completa? Difficilmente. Quello che possiamo dire è che i curatori hanno selezionato opere di artisti di grande nome. Ma questo si chiama blockbuster, non una rappresentazione completa della storia o della collezione del MoMA.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neon tubing and wire with glass tubing suspension frames, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Emily and Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

La difficoltà con l'innovazione

Il prossimo aggettivo dal MoMA di Parigi che dobbiamo analizzare è "innovativo". Questa è una parola significativa, e che giustamente appartiene a qualsiasi conversazione sull'arte moderna. Innovazione implica originalità, creatività, sperimentazione e a volte anche genio. Quindi, è quella la parola giusta da usare per descrivere questa esposizione? Come già sappiamo, gli artisti non sono stati scelti perché erano, o sono, i più creativi, i più originali, i più sperimentali, o i più grandi geni. Con un numero ridotto di eccezioni (come l'inclusione della costruttivista brasiliana Lygia Clark nel noto club dei ragazzi bianchi minimalisti di Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly e Frank Stella), gli artisti sono stati scelti principalmente per il riconoscimento del nome, o perché si inserivano nella narrativa esistente della storia dell'arte moderna. Ma questo non è nulla di nuovo, ovviamente. È la tattica curatoriale standard per ampie retrospettive storiche. E va bene. Ma non è innovativo. D'altra parte, forse quando la parola innovativo viene usata per descrivere questa esposizione, si riferisce non allo spettacolo stesso, ma al lavoro.

Se è così, dovremmo aspettarci di vedere i rappresentanti più innovativi del modernismo inclusi nell'esposizione. Per analizzare se sia così, guarda l'elenco degli Espressionisti Astratti in mostra. Jackson Pollock è incluso, così come Willem de Kooning. Ma dove sono gli altri? Dov'è Louise Nevelson, facilmente la scultrice più innovativa di quella generazione? Il suo lavoro è al MoMA. Perché non includerlo qui? Dov'è Perle Fine? O Jay DeFeo? O, francamente, se stai per includere il lavoro di Jackson Pollock, perché non includere David Alfaro Siqueiros, il famoso muralista messicano che ha tenuto il workshop a New York City (a cui Pollock ha partecipato) che ha introdotto per la prima volta molti dei metodi che Pollock ha usato per i suoi iconici dipinti a goccia e schizzo. O, per quel che vale, perché non includere Janet Sobel, la pittrice di schizzi che ha anche partecipato al workshop di Siqueiros, e il cui studio Pollock ha visitato prima di "innovare" la sua tecnica di schizzo. Le opere di Siqueiros e Sobel sono nella collezione del MoMA. La loro assenza qui dimostra che questa esposizione non riguarda l'innovazione. È solo una reiterazione delle standard mezze verità che si sono spacciate per storia per generazioni.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Synthetic polymer paint and newspaper on linen, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). The Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Left) and Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Oil on canvas, sixty-four panels, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Right)

Il Problema con i Miti

In generale, l'unico aggettivo usato per descrivere MoMA a Parigi che non puzza di esagerazione è "senza pari". Questa è davvero la prima volta che così tante opere del MoMA sono state esposte contemporaneamente in Francia. Quindi va bene, per definizione è senza pari. (Anche se ciò non significa che non sia anche generico.) E l'unica frase di esagerazione nel kit stampa che si avvicina alla verità è che il MoMA è uno dei "musei più importanti" del mondo. Quel commento è dimostrabilmente fattuale. Che il MoMA sia indiscutibilmente importante può essere provato in molti modi. Possiamo misurare l'influenza che l'istituzione esercita con le sue acquisizioni sulle altre grandi collezioni d'arte nel mondo. Dopotutto, quanti venditori d'arte dimostrano ai collezionisti privati l'importanza degli artisti che rappresentano facendo riferimento a quali collezioni museali l'artista è presente? (La risposta è tutti loro.) E possiamo misurare il numero di visitatori che il MoMA riceve ogni anno (circa due o tre milioni). E possiamo guardare il budget annuale del museo (circa 150 milioni di dollari) e lo stipendio del suo direttore (2,1 milioni di dollari nel 2013). Tutti questi parametri indicano che il MoMA è davvero massicciamente, globalmente influente e quindi importante.

E questo ci porta all'ultimo aggettivo utilizzato in concomitanza con questa esposizione: “mitico.” La misura ultima del potere è la capacità di influenzare ciò che le persone credono sia vero. Il MoMA è potente. Ha il potere di continuare a creare e promuovere miti o di mettere le cose in chiaro. Con questa esposizione, sia la Fondation Louis Vuitton che il MoMA hanno annunciato la loro intenzione di mantenere lo status quo. Sì, le opere in mostra sono piene di grandezza. Ma quanto di quella grandezza ha a che fare con il valore autentico, e quanto ha a che fare con il persistente sforzo di marketing che per generazioni ha promosso storie sull'arte e sulla storia che sono esagerazioni al meglio, e bugie spudorate al peggio? Ciò che sarebbe veramente innovativo, originale e moderno sarebbe allestire un'esposizione di questa magnitudine che tentasse di raccontare la verità sul Modernismo. Mostraci chi Picasso ha copiato. Mostraci chi Pollock ha derubato. Mostraci gli artisti indigeni, le artiste donne, gli artisti non bianchi e gli artisti non formati le cui vite sono state calpestate dalle superstar che tutti conosciamo e amiamo. Quella sarebbe una “esposizione manifesto” “innovativa,” “completa” e veramente “senza pari” a cui potrei dare il mio sostegno.

Immagine in evidenza: Yayoi Kusama – Accumulation No. 1, 1962. Tessuto imbottito cucito, vernice e frange di sedia 37 x 39 x 43″ (94 x 99,1 x 109,2 cm). Il Museum of Modern Art, New York Dono di William B. Jaffe e Evelyn A. J. Hall (per scambio), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Tutte le immagini sono gentilmente fornite da MoMA e Fondation Louis Vuitton

Di Phillip Park