ポンピドゥーセンターがキュビズムを新たな視点で捉えた包括的な新展覧会を開催

10月17日、パリのポンピドゥーセンターで65年ぶりに開催される初の大規模キュビズム展がオープンします。キュビズム (1907-1917) は、20世紀の最も影響力のある芸術運動の一つに対する理解を深める試みとして、300点以上の作品を集めています。ほとんどのキュビズム展は、運動の創始者であるパブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックに焦点を当てています。この展覧会も彼らの作品を特集していますが、その限られた範囲を超えています。まず、ポール・セザンヌやポール・ゴーギャンのめったに展示されない作品、そしてピカソに影響を与えた伝統的なアフリカ美術の例を検証します。次に、ピカソとブラックを取り巻くアーティストたちの銀河を探求し、彼らの発見を取り入れ、それをさらに多くの異なる立場に拡張しました。絵画だけでなく、1914年にピカソが制作した段ボール製のギターのアッサンブラージュなど、最も有名なキュビズム彫刻の例も展示されています。最後に、アメデオ・モディリアーニ、コンスタンティン・ブランクーシ、ピート・モンドリアンのようなアーティストの作品を通じてキュビズムの遺産を見ます。この野心的な展覧会の目標は、観客にこの重要な運動の歴史のより広い概要を提供することです。しかし、彼らが実際に達成したことは、もう少し深いものです。彼らは希望に満ちた展覧会を組織し、私たちが同時代のアイデアを受け入れ、過去の天才の上にあからさまに築くことを奨励しています。

視点の変化

キュビズムの説明は多岐にわたります。ある人はそれを世界を描くための幾何学的な方法だと説明します。別の人は、動きを示すことで芸術に第四の次元を導入する方法だと呼びます。また、日常生活に見られる形や形状の抽象的な還元だと言う人もいます。私が今まで聞いた中で最も良い説明は、キュビズムは視点を再検討しようとした試みだったということです。ルネサンス以来、西洋美術は視覚芸術に関して特定のルールに従っていました—リアリズム、受け入れられる内容、そして視点に関するルールです。絵画は深さ、視点、その他の錯覚的な手法を取り入れることで、生活を模倣することが期待されていました。しかし、1800年代を通じて、これらのルールは挑戦されました。印象派は主題に関するルールに挑戦し、光だけをテーマにした作品を作りました。分割主義者は実験的なブラシマークを使用して、色が現実に存在するのか、それとも脳内でのみ解釈されるのかという疑問を提起しました。ポスト印象派は神秘主義、象徴主義、精神性を受け入れ、色や空間のような形式的要素がそれ自体で内容として追求する価値があることを証明しました。

ポール・ゴーギャン - 神秘的であれ、1890年。ポリクロームの菩提樹の木のレリーフ、73 x 95 x 5 cm。オルセー美術館、パリ。© RMN-グラン・パレ（オルセー美術館） / トニー・ケレック

キュビズムは、この混合に現実が人間の目によって非常に異なって知覚されるという考えを加えました。私たちが何かを見るとき、それは平坦で完全に静止しているわけではありません。世界は常に動いており、私たちもその中を常に移動しています。私たちは異なる角度からそれの一部を見ています。光は常に変化しています。世界は断片に分かれており、その中には目に見えないものもありますが、それらが存在することは知っています。キュビズムは、現実の断片を再構成して単一の構成に示そうとします。それは、複数の同時的な視点から世界を分析し、生命の複雑さを示すために解体します。キュビズム (1907-1917)は、この点において少なくとも、セザンヌがピカソやブラックよりもはるかに先を行っていたことを示しています。展示の中で最も初期の作品の一つは、セザンヌの絵画「キッチンのテーブル」（1890）です。前景のテーブルからバスケット、椅子、皿に至るまで、絵の中のすべてのアイテムは微妙に異なる視点から示されています。この作品では視点の同時性が達成されており、ピカソとブラックが同じアイデアに到達する18年前に、明確にプロトキュビストであると宣言されています。

ポール・セザンヌ - キッチンテーブル。（バスケットのある静物）、1888-1890年頃。油彩、65 x 81.5 cm。オルセー美術館、パリ。© RMN-グラン・パレ（オルセー美術館） / エルヴェ・ルヴァンドスキー

借りる技術

キュビズム（1907-1917）の最も新鮮な側面の一つは、これらのアーティストが互いに自由に借用した事実を恥じることがないということです。私たちは時に独創性に非常に重きを置き、アーティストに大胆な革新を求めます。この展覧会は、革新が時には他者の成果を基にして小さな一歩を踏み出すことに過ぎないことを示しています。私たちは、ピカソに直接インスパイアを与えたアフリカのマスクの一つである「マスク・クルー」（コートジボワール）を見ます。顔は四分割され、目は不均衡で、特徴は影と光の幾何学的な領域に分かれています。ピカソの近くの二つの絵画—「ゲルトルード・スタインの肖像」（1905-1906）と1907年の自画像—は、ピカソがアフリカのマスクの視覚言語をどれほど正確に模倣したかを示しています。しかし、彼がこれらの形式的な側面を解剖し、次のステップを踏み出し、「パンと果物の入ったコンポティエをテーブルに」（1908-1909）のような絵画で空間の中の物体を解体するアイデアを使用し、「アンブロワーズ・ヴォラールの肖像」（1910）のような作品でキャラクターの見えない側面を明らかにしたことがわかります。

パブロ・ピカソ - ゲルトルード・スタインの肖像、1905-1906年。油彩、100 x 81.3 cm。メトロポリタン美術館、ニューヨーク。© メトロポリタン美術館、ディスト RMN-グラン・パレ / MMAの画像。© ピカソ相続 2018

展覧会が進むにつれて、私たちはソニア・ドローニーがどのようにピカソの幾何学的な言語を借りたのかを見ることができます。物理的な世界を探求するためではなく、形を使って色の関係の形而上的な可能性を探求するためです。ピート・モンドリアンがキュビズムの幾何学的側面をどのように借りたのかも見ることができますが、現実を複雑にしたピカソとは異なり、モンドリアンは幾何学を使って世界を最も基本的な要素に単純化しました。フアン・グリスのようなアーティストがキュビズムから借りて、よりグラフィックな芸術スタイルを創造し、それがポスターアーティストにインスピレーションを与えたことも見て取れます。また、合成キュビズムのコラージュがダダイストたち、特にフランシス・ピカビアにどのようにインスピレーションを与えたのかも見えます。さらに、フェルナン・レジェによるいわゆる「チュービスト」作品が、ポップアートの先駆けとなったキュビズムスタイルの微妙な変化を示しています。この影響の進展に恥じることはありません。むしろその逆です。思慮深いキュレーションは、他者のアイデアを基に構築することの純粋な喜びを思い出させてくれます。これらのアーティストの誰もが想像力に欠けているとは言えません。逆に、キュビズム (1907-1917)は、時には想像力が助けを求めるときにさらに実を結ぶことを証明しています。

特集画像：パブロ・ピカソ - ギター、パリ、1914年1月-2月。金属と鉄の板、77.5 x 35 x 19.3 cm。ニューヨーク近代美術館。© 2018。デジタル画像、ニューヨーク近代美術館/スカラ、フィレンツェ。© ピカソ相続 2018
フィリップ Barcio による