ポンピドゥーセンターがキュビズムを新たな視点で捉えた包括的な新展覧会を開催
10月17日、パリで65年ぶりとなる最初の大規模なキュビスム展がポンピドゥー・センターで開幕します。キュビスム（1907-1917）は、20世紀で最も影響力のある美術運動の一つについての理解を深めるために、300点以上の作品を集めています。多くのキュビスム展は運動の創始者であるパブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックに焦点を当てますが、この展覧会は彼らの作品も取り上げつつ、その枠をはるかに超えています。まず、めったに展示されないポール・セザンヌやポール・ゴーギャンの作品、そしてピカソに影響を与えた伝統的なアフリカ美術の例を検証します。次に、ピカソとブラックを取り巻く多くの芸術家たちの世界を探り、彼らが発見を受け継ぎ、複数の異なる立場へと発展させた様子を示します。絵画だけでなく、1914年にピカソが制作した段ボール製のギターの組み立て作品など、キュビスム彫刻の最も有名な例も展示されます。最後に、アメデオ・モディリアーニ、コンスタンティン・ブランクーシ、ピート・モンドリアンなどの作品を通じてキュビスムの遺産を見ます。キュレーターによれば、この野心的な展覧会の目的は、この重要な運動の歴史をより広く観客に提供することにあります。しかし、彼らが実際に成し遂げたことはそれ以上のものです。彼らは希望に満ちた展覧会を組み立て、私たちに同時代の人々の考えを受け入れ、過去の天才の上に遠慮なく築き上げることを促しています。
視点の変化
キュビスムにはさまざまな説明があります。ある人はそれを世界を幾何学的に描く方法と説明し、またある人は動きを示すことで芸術に第四の次元を導入する方法と呼びます。さらに別の人は、日常生活に見られる形や形態を抽象的に単純化したものだと言います。私がこれまでに聞いた中で最も良い説明は、キュビスムは視点を再検討しようとする試みだったというものです。ルネサンス以来、西洋美術は写実性、許容される内容、視点に関する特定の規則に従ってきました。絵画は奥行きや遠近法、その他の錯覚的な手法を用いて現実を模倣することが期待されていました。しかし19世紀を通じて、これらの規則は挑戦されました。印象派は主題に関する規則に挑み、光だけをテーマにした作品を作りました。分割派は実験的な筆致を用いて、色が実際に存在するのか、それとも脳が解釈しているだけなのかという疑問を投げかけました。ポスト印象派は神秘主義、象徴主義、精神性を受け入れ、色や空間のような形式的要素自体が内容として追求に値することを証明しました。
ポール・ゴーギャン - Soyez mystérieuses, 1890年。多色彩の菩提樹の木彫浮彫、73 x 95 x 5 cm。オルセー美術館、パリ。© RMN-グラン・パレ（オルセー美術館）/ トニー・ケレック
キュビスムはこの混合に、現実は人間の目に通常の芸術表現とはまったく異なって知覚されるという考えを加えました。私たちが何かを見るとき、それは平坦で完全に静止しているわけではありません。世界は常に動いており、私たちもその中を動いています。私たちは異なる角度からその断片を見ています。光は絶えず変化しています。世界は見えない部分も含めて断片に分かれていますが、それが存在することは知っています。キュビスムは現実の断片を再構成して一つの構成に見せようとします。複数の同時的な視点から世界を分析し、生命の複雑さを解体して示します。キュビスム（1907-1917）は、この点において少なくともセザンヌがピカソやブラックよりもはるかに先を行っていたことを示しています。展覧会の最も初期の作品の一つはセザンヌの絵画「台所のテーブル」（1890年）です。前景のテーブルからかごや椅子、皿に至るまで、絵の中のすべての物は微妙に異なる視点から描かれています。この作品では視点の同時性が達成されており、ピカソとブラックが同じ考えに至る18年前に明確に原キュビスム的であることを宣言しています。
ポール・セザンヌ - 台所のテーブル（かごのある静物）、1888-1890年頃。油彩、65 x 81.5 cm。オルセー美術館、パリ。© RMN-グラン・パレ（オルセー美術館）/ エルヴェ・ルワンドフスキ
借用の技法
キュビスム（1907-1917）の最も新鮮な側面の一つは、これらの芸術家たちが互いに自由に借用し合った事実を隠さないことです。私たちは時に独創性を過度に重視し、芸術家に大胆な革新を求めがちです。この展覧会は、革新とは時に他者の成果を基にしてわずかに前進することに過ぎないことを示しています。コートジボワールの「マスク・クルー」は、ピカソに直接影響を与えたアフリカの仮面の一つです。顔は四分割され、目はバランスを欠き、特徴は幾何学的な影と光の領域に分かれています。近くに展示されたピカソの「ガートルード・スタインの肖像」（1905-1906年）と1907年の自画像は、ピカソがアフリカの仮面の視覚言語をどれほど正確に模倣したかを示しています。しかしその後、彼はこれらの形式的側面を解体し、「果物のあるパンとコンポートのあるテーブル」（1908-1909年）のような絵画で空間の中の物体を分解し、「アンブロワーズ・ヴォラールの肖像」（1910年）のような作品で見えない性格の側面を明らかにする次の段階へと進みました。
パブロ・ピカソ - ガートルード・スタインの肖像、1905-1906年。油彩、100 x 81.3 cm。メトロポリタン美術館、ニューヨーク。© メトロポリタン美術館、RMN-グラン・パレ配布 / MMA画像。© ピカソ継承 2018
展覧会が進むにつれて、ソニア・ドローネーがピカソの幾何学的言語を借用し、物理的世界を探求するのではなく、色彩関係の形而上学的可能性を探るために形を用いたことがわかります。ピート・モンドリアンもキュビスムの幾何学的側面を借用しましたが、ピカソが現実を複雑にしたのに対し、モンドリアンは幾何学を用いて世界を最も基本的な要素に単純化しました。フアン・グリスのような芸術家はキュビスムから借用してよりグラフィックな芸術様式を生み出し、ポスター作家に影響を与えました。また、合成キュビスムのコラージュはダダイズムのフランシス・ピカビアのような作家に刺激を与えました。さらに、フェルナン・レジェのいわゆる「チュービスト」作品は、キュビスム様式の微妙な変化を示し、ポップアートの先駆けとなりました。美しいことに、この影響の連鎖に恥じることはありません。むしろその逆です。思慮深いキュレーションは、他者の考えを基に築き上げる喜びを思い出させてくれます。これらの芸術家の誰も想像力に欠けていたとは言えません。むしろ、キュビスム（1907-1917）は、時に想像力は助けを求めることでより豊かになることを証明しています。
表紙画像：パブロ・ピカソ - ギター、パリ、1914年1-2月。金属板と鉄、77.5 x 35 x 19.3 cm。ニューヨーク近代美術館。© 2018。デジタル画像、ニューヨーク近代美術館/スカラ、フィレンツェ。© ピカソ継承 2018
フィリップ・Barcioによる
