네오 표현주의 내에서의 추상 찾기

신표현주의 연구는 토끼굴 속으로 빠져드는 것과 같습니다. 20세기 후반의 이 미술 운동에 대한 수많은 해설이 존재합니다. 각각은 종종 모순되는 관점에서 다르게 보이며, 신표현주의가 진정 무엇인지, 혹은 무엇이었는지에 대해 합의가 없는 듯합니다. 어떤 이들은 독일에서 시작되었다고 하고, 또 다른 이들은 이탈리아, 미국에서 시작되었다고 말합니다. 어떤 이는 1960년대에 시작되었다고 하고, 또 다른 이는 1970년대라고 합니다. 어떤 이는 독일 표현주의와 추상 표현주의의 자연스러운 연장선이라고 부르고, 또 다른 이는 미니멀리즘에 대한 반작용이라고 합니다. 또 다른 이들은 신표현주의가 진정한 미술 운동이 아니라 미술 시장의 발명품이라고 주장하기도 합니다. 거의 모든 사람이 동의하는 한 가지는 신표현주의가 우리가 흔히 포스트모더니즘이라 부르는 시기가 도래하기 전 마지막으로 측정 가능한 세계적 미술 운동 중 하나였다는 점입니다. 그 시기에 예술적 다원주의가 자리 잡았고 모든 지식과 의미가 주관적으로 여겨지게 되었습니다. 그 모든 것을 제쳐두고, 우리가 신표현주의에 매료되는 이유는 순전히 그 예술 자체에 있습니다. 그 연상적 추상적 특성과 그 가치에 대한 의문을 넘어선 지속성에 있습니다.

미술 운동에 관한 진실

신표현주의가 미술 시장의 발명품이라는 생각에 대해, 우리는 그것이 다른 어떤 미술 운동만큼이나 실제였다는 점을 분명히 하고자 합니다. 미술사에 관한 재미있는 논쟁 중 하나는 이른바 미술 운동들이 실제로 존재했는가 하는 문제입니다. 운동 신화는 특정 시기에 중요한 예술가들이 모두 한 가지 유형의 미술을 만들었고, 그 시기에 그 유형의 미술을 만들지 않은 예술가는 무의미하다고 여겨졌다는 주장입니다. 그리고 특정 시기에 특정 미술 양식만 학계와 시장에서 인기를 끌었을 수는 있지만, 그 틈새를 넘어 현실 세계를 살펴보면 언제나 어디서나 다양한 유형의 미술이 지속적으로 창작되어 왔다는 것을 쉽게 알 수 있습니다.

그럼에도 불구하고 우리는 미술사를 운동으로 나누는데, 바실리 칸딘스키와 카지미르 말레비치가 추상을 발명하지 않았고, 잭슨 폴록이 스플래터 페인팅을 발명하지 않았으며, 폴 빌로가 최초의 단색 2차원 표면을 그리지 않았고, 줄리안 슈나벨이 최초로 깨진 접시 모자이크를 만든 예술가가 아니었다는 것을 증명할 수 있습니다. 예술가들은 수천 년 동안 그런 기법들을 사용해 왔습니다. 하지만 어느 순간 그것들이 새롭게 중요해졌습니다. 어떤 비평가, 큐레이터, 교사, 미술 판매자, 혹은 미술 수집가가 그 예술가 중 한 명이 그 시대에 특이하게 중요한 일을 하고 있음을 인식하고 그 위치를 설명하고 이름 붙였습니다. 완전히 새로워서가 아니라, 그 순간 그것이 사람들의 정체성과 의미 탐색에 도움이 될 수 있을 것처럼 보였기 때문입니다.

줄리안 슈나벨 - 검을 든 푸른 누드, 1979년, 유화, 접시, 본도, 나무 위에, 96 x 108 인치, © 2018 줄리안 슈나벨

신표현주의 정의

신표현주의 작품이 그 시대에 새롭게 중요하게 여겨진 정확한 특성은 설명하기 어렵습니다. 이 운동과 관련된 경향은 여러 나라에서 동시에 나타났고, 참여한 각 예술가는 뚜렷이 개인적인 스타일을 지녔습니다. 어떤 이는 더 추상적이었고, 다른 이는 극사실적이었습니다. 미국에서는 장 미셸 바스키아, 필립 거스턴, 줄리안 슈나벨 같은 다양한 예술가들이 이 운동을 대표했습니다. 이탈리아에서는 트란사방가르디아라는 이름으로 알려졌으며, 엔조 쿠키, 밈모 팔라디노, 프란체스코 클레멘테 같은 예술가들이 포함되었습니다. 프랑스에서는 피규라시옹 리브르라 불리며, 레미 블랑샤르, 에르베 디 로사, 프랑수아 부아롱 등이 있었습니다.

하지만 가장 영향력 있는 신표현주의자는 독일 출신입니다. 화가 게오르크 바젤리츠는 이 운동의 아버지로 여겨지며, 그의 작품을 통해 신표현주의 스타일의 특징으로 여겨지는 것들을 알 수 있습니다. 그 특징들은 현실 세계의 직접적 표현으로의 회귀, 전통적 구성 이론의 거부, 표현주의적 형상과 추상적 제스처 기법의 결합, 원시적 미학, 갈망과 불안의 표현에 집중, 그리고 예술에서 이야기 전달의 재수용을 포함합니다.

장 미셸 바스키아 - 타락한 천사, 1981년, 아크릴 및 혼합 매체, 캔버스 위, © 2018 장 미셸 바스키아 유산

신표현주의의 뿌리

신표현주의라는 이름은 세기 전환기 독일 표현주의 화가들인 에드바르 뭉크와 빈센트 반 고흐가 받아들인 형상과 물감 사용에 관련됩니다. 이 예술가들은 왜곡된 이미지, 원시적 화법, 비현실적 색채가 특징인 화풍을 발전시켰습니다. 현실을 모방하는 그림을 만들기보다는 독일 표현주의자들은 인간 존재에 관한 더 깊은 무언가, 즉 내면적이고 감정적이며 심리적이고 보편적이며 추상적인 것을 표현하려 했습니다.

20세기 초 다리 위 사람의 모습을 보여주기보다는 에드바르 뭉크의 절규는 산업 시대의 새벽에 대한 공포, 불안, 혼란을 표현합니다. 바젤리츠, 슈나벨, 거스턴 같은 신표현주의 예술가들은 비슷한 접근을 시도했지만 훨씬 다른 시대에 맞게 그것을 적용했습니다. 그들은 세계화, 기술, 우주 여행, 끊임없는 전쟁, 도시화, 끝없는 사회 갈등, 인구 폭발, 그리고 소음 가득하고 과잉 자극된 문화 속에서 개인의 무의미함에 대한 불안과 공포를 표현했습니다.

필립 거스턴 - 침대에 누운 화가, 1973년, 캔버스에 유화, 59 5/8" x 8' 8 1/4", 151.4 x 264.8 cm, MoMA 소장, 에드워드 R. 브로이다 기증, © 2018 필립 거스턴 유산

신표현주의 내의 추상

신표현주의 이미지가 종종 형상적이기 때문에 추상의 원천으로 쉽게 간과될 수 있습니다. 하지만 신표현주의가 남긴 가장 큰 유산 중 하나는 추상 미술이 무엇일 수 있는지에 대한 우리의 이해를 확장했다는 점입니다. 독일 표현주의 화가 에른스트 루트비히 키르히너는 표현주의자가 무엇인지 이렇게 설명했습니다. “자신을 창작하게 하는 것을 직접적이고 정직하게 표현하는 사람은 우리 중 하나다.” 구체미술과 같은 일부 추상 미술 운동은 직접적이려고 했지만, 대부분 초기 추상 미술은 열려 있거나 모호한 입장을 지향했습니다. 신표현주의는 열려 있으면서도 직접적일 수 있었습니다. 광범위한 주제와 기법을 포함했고, 형상도 추상으로 읽힐 수 있음을 증명했습니다.

신표현주의 작품이 전달하는 가장 흔한 추상적 개념 중 하나는 근대가 고대와 무너져 합쳐진다는 생각입니다. 원시주의 요소가 현대 상징과 결합되어 과거와 미래를 동시에 향하는 끌림을 나타냅니다. 이탈리아 트란사방가르디아 예술가 밈모 팔라디노의 그림 코르도바에서는 고대 미술, 표현주의 미술, 추상에 대한 참조로 가득 찬 답답하고 기묘한 공간에서 두 인물이 씨름하는 모습을 볼 수 있습니다. 이 그림은 추상 기하학적 형태, 색면, 단색 참조를 포함하여 과거 신화에 둘러싸여 시간에 갇혀 싸울 수밖에 없는 감각을 전달합니다.

밈모 팔라디노 - 코르도바, 1984년, 캔버스에 유화, 300.0 x 400.0 cm, 뉴사우스웨일스 미술관 소장, © 밈모 팔라디노

연상을 통한 추상

신표현주의 화가들이 추상을 활용한 가장 효과적인 방법 중 하나는 연상의 사용이었습니다. 본질적으로 연상은 우리의 마음이 비선형적으로 한 생각에서 다른 생각으로 이어지게 하여 개인적이고 예측 불가능한 아이디어가 떠오르게 하는 것입니다. 삶에서 무작위 연상은 무수한 감각 경험에 의해 언제든지 일어날 수 있습니다.

신표현주의 화가들은 연상 추상을 사용하여 그들의 예술과 더 깊은 상호작용에 대한 힌트를 제공했습니다. 그들의 이미지를 볼 때 색, 질감, 형태, 이미지, 상징에 의해 연상이 촉발되어 작품 속에 서사적 또는 신화적 참조를 만듭니다. 연상 추상은 추상으로 간주되기 위해 작품이 비객관적이어야 한다는 개념을 제거합니다. 그것은 추상의 개념을 확장하며, 심지어 대부분 사실적인 이미지도 추상으로 인식될 수 있는 연상을 일으킬 수 있음을 보여줍니다.

이야기의 끝

모더니즘의 탄생을 되돌아보면, 어떤 사람들은 초기 모더니스트들의 사고방식이 다소 고풍스럽다고 말할지도 모릅니다. 예술가들이 세상을 새롭게 만들 수 있다는 생각은 다소 이상적이고 순진해 보입니다. 하지만 모더니스트들은 역사의 서사를 믿었고, 이전에 시도되지 않은 방식으로 세상을 바꿀 수 있다고 믿었습니다. 또한 새로움과 변화가 반드시 더 나은 세상을 만든다고 믿었습니다. 역사가 선형적이고 논리적이며 점진적으로 발전할 수 있다는 그 포괄적 서사가 모더니즘과 그 일부가 된 모든 미술 운동을 이끌었습니다.

많은 사람들은 신표현주의를 그 이야기의 끝으로 봅니다. 그것은 이전 여러 운동의 측면을 결합했습니다. 추상과 형상을 결합했고, 엄격히 새로움을 추구하기보다는 과거를 재조명했습니다. 그리고 현재와 과거 사이에 사실상 거의 차이가 없다는 설득력 있는 주장을 제시했습니다. 그것은 모더니즘과 관련된 모든 구분과 진보가 거짓일 수 있음을 보여주었습니다. 모든 예술은 직접적이고, 모든 예술은 표현적이며, 모든 예술은 본질적으로 추상적임을 가르쳤습니다. 따라서 모더니즘의 작업을 마무리했습니다. 오늘날 미술계에서 볼 수 있는 다원주의와 모든 미술 운동과 미학적 입장이 동시에 존재하고 모든 시대에 동등하게 중요할 수 있다는 생각의 길을 열었습니다.

대표 이미지: 게오르크 바젤리츠 - 브뤼케 합창단 (부분), 1983년, 캔버스에 유화, © 게오르크 바젤리츠
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성