타이포그래피 예술의 추상적 성격
문명이 계속되기 위해서는 특정한 환상이 유지되어야 합니다. 예를 들어, 현대 화폐는 본질적인 가치가 없습니다. 우리는 사회를 신뢰할 수 있는 방식으로 구성하기 위해 돈의 가치라는 환상을 유지합니다. 언어 또한 추상적입니다. 소리와 기호는 우리가 합의한 의미를 가집니다. 타이포그래피 예술은 예술가들이 우리 문화에 내재된 이러한 추상성을 탐구하는 한 방법입니다. 이는 글로 된 언어를 평소의 맥락에서 벗어나 기묘한 방식으로, 또는 예상치 못한 미적 요소와 병치하여 제시함으로써 의미 있는 것과 의미 없는 것에 대한 우리의 통념에 도전합니다. 입체파에서 다다이즘, 개념미술, 팝아트에 이르기까지, 타이포그래피 예술은 100년 이상 글자 기호의 사용을 탐구해 왔습니다. 이는 우리가 언어를 인식하는 경계와 가능성을 확장하고, 언어가 무엇인지 그리고 무엇을 이룰 수 있는지에 대한 우리의 믿음을 넓혔습니다.
입체파 타이포그래피 예술
현대주의 타이포그래피 예술의 초기 사례 중 하나는 파블로 피카소가 1912년에 만든 Still Life with Chair Caning입니다. 이 상징적인 작품은 피카소의 첫 번째 콜라주로도 여겨지며, 합성 입체파의 시작을 알립니다. 이 작품은 카페 테이블 표면을 연상시키며, 음료잔, 파이프, 신문, 카페 의자 등 여러 요소를 포함하고 있습니다. 입체파 발전에 중요한 역할을 했을 뿐 아니라, 타이포그래피 추상 이해의 열쇠이기도 합니다. 작품에는 “JOU”라는 세 글자가 그려져 있는데, 프랑스어로는 “게임”을 뜻할 수 있습니다. 또는 JOU는 당시 파리에서 가장 널리 읽히던 신문 이름인 “Le Journal”의 일부일 수도 있습니다.
Still Life with Chair Caning의 이미지가 신문을 암시하는 만큼, 피카소가 Le Journal을 참조했을 가능성이 큽니다. 그러나 이 글자는 시각적 또는 개념적 놀이를 암시하는 장난스러운 표현일 수도 있습니다. 또 다른 가능성은 이러한 해석의 혼란 자체가 피카소가 뉴스 매체와 그 보도의 의미와 의도를 혼동시키는 경향에 대해 의도적으로 던진 메시지일 수 있다는 점입니다. 어쨌든 중요한 것은 피카소의 의도를 규명하는 것이 아니라, 명확하지 않음을 인정하는 것입니다. 작품의 타이포그래피 요소의 의미에 관한 모든 질문은 현대주의 타이포그래피 추상의 탄생을 대표하는 것으로 볼 수 있습니다.
프란시스 피카비아 - 다메! 1920년 3월, 파리, 정기간행물 Dadaphone 7호 표지 일러스트
다다 예술과 타이포그래피
입체파가 등장한 직후, 문명의 부조리에 맞서 싸운 예술가 집단인 다다이스트가 나타났습니다. 다다이스트들은 시각 매체로서 콜라주를 많이 사용했으며, 작품에 추상적인 타이포그래피 요소를 자주 포함시켰습니다. 프란시스 피카비아는 타이포그래피를 사용한 가장 유명한 다다이스트 중 한 명입니다. 그는 사실주의 화가, 시인, 타이포그래피 전문가로서, 글자의 목적이 소통임을 잘 알았지만, 다다 작품에서는 기묘하고 부조리한 글자 구성을 만들어 매우 다양한 해석이 가능하거나 무의미한 글자로도 받아들여질 수 있게 했습니다.
1920년 다다이스트 정기간행물 Dadaphone의 표지로 피카비아가 만든 작품 “다메!”를 생각해 보십시오. 이 이미지는 나선형의 추상화된 이미지와 여러 텍스트 영역을 포함합니다. 텍스트 전체 번역은 “너무 많이 마신 살은 나폴리 소고기,” “정통 똥 속의 손,” “그녀의 침대를 수선하다,” “여인의 도개교”입니다. 단어들의 의미는 나선형의 의미만큼이나 불분명합니다. 이 이미지는 나사를 나타내는 것일까요? 색종이처럼 장난스러운 것일까요? 기계적 진보의 이미지일까요? 절망이나 진보의 메시지일까요? 텍스트는 의미를 명확히 하지 않고, 피카비아가 언어 매체가 달성해야 한다고 이해한 명료성과는 정반대인 추상성을 더합니다.
재스퍼 존스와 타이포그래피
1950년대 화가 재스퍼 존스는 상징적인 문화 기호를 추상적으로 사용하여 명성을 얻었습니다. 그는 미국 국기와 표적 같은 상징적 형태를 차용해, 그것들을 의미 있는 기호가 아닌 추상적 형태로 재구성하여 문화적 의미에서 분리했습니다. 존스는 자신의 작품 의미나 목적을 설명하지 않고, 관람자가 해석하여 “완성”하도록 의도했습니다.
조셉 코수스 - 하나와 세 개의 의자, 1965년, © 2017 조셉 코수스 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕시
존스는 영어 알파벳과 아라비아 숫자를 다수의 작품에 자주 사용했습니다. 그는 이러한 타이포그래피 요소를 명확한 의미 없이 표면, 질감, 입체감, 회화성 같은 형식적 특성에 더 중점을 둔 그림의 주제로 사용했습니다. 또한 색깔 이름 같은 단어를 그림에 포함시키고, 다른 색과 병치하여 단어의 의미를 혼란스럽게 만들었습니다. 이러한 타이포그래피 작품들은 타이포그래피가 소통 도구인지, 아니면 기하학적 추상화가들이 원, 정사각형, 십자, 삼각형을 그렸듯이 추상적으로 사용할 수 있는 형태의 집합인지에 대한 의문을 제기했습니다.
앤디 워홀 - 캠벨 수프 캔, 1962년, 합성 고분자 물감, cm x 41 cm, 뉴욕 현대미술관, © 2017 앤디 워홀 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕시
개념미술, 팝아트와 타이포그래피
존스의 작품은 앤디 워홀에게 영향을 주었으며, 워홀은 상징적이고 타이포그래피적 요소를 결합한 작품으로 유명합니다. 워홀이 1962년에 만든 캠벨 수프 캔은 당시 캠벨 회사가 제공하던 32가지 수프 종류를 각각 나타내는 32개의 별도 판화로 구성되었습니다. 이 작품들은 평면적이고 기계적으로 제작되었으며, 주제는 겉보기에는 무관한 것이었습니다. 텍스트는 상업적 브랜드 외에는 아무것도 전달하지 않았습니다. 워홀은 타이포그래피 이미지를 추상적으로 사용함으로써 소비 문화와 예술의 의미 혹은 무의미함에 대한 질문을 제기했습니다.
재스퍼 존스는 조셉 코수스 같은 개념미술가에게도 영향을 주었습니다. 코수스는 1965년에 만든 유명한 작품 하나와 세 개의 의자에서 타이포그래피를 세 요소 중 하나로 사용했습니다. 이 작품에서 코수스는 의자의 사진, 실제 나무 의자, 의자에 대한 서면 설명을 함께 제시했습니다. 작품은 이 세 요소가 의자 자체가 아니라 의자라는 개념을 나타낸다고 제안했습니다. 실제 의자만 기능적이었고, 사진과 타이포그래피 설명은 모두 추상이었습니다.
게릴라 걸스 - 여성들이 메트로폴리탄 미술관에 들어가기 위해 꼭 벌거벗어야 하나요? 1989년, 종이에 실크스크린, 280x710mm, © 게릴라 걸스
형태와 그려진 글자
오늘날 예술가들은 종종 글자를 사용하며, 많은 경우 글자를 있는 그대로 읽고 이해하도록 의도합니다. 예를 들어, 여성 예술가 집단인 게릴라 걸스는 비추상적 타이포그래피 메시지를 사회 정의 예술의 필수 요소로 사용합니다.
예술에서의 타이포그래피 추상 사용은 명확한 목표가 없는 다른 사회 정의 임무에 참여합니다. 타이포그래피 추상을 통해 예술가들은 특정 문화적 이상 하나를 문제 삼는 것이 아니라, 소통이라는 개념 전체를 질문합니다. 사회가 복잡해질수록 타이포그래피 사용은 대중에게 더 혼란을 주는 경우가 많으며, 숨겨진 메시지를 해독하는 관람자들은 공공연한 비밀을 공유합니다. 추상 타이포그래피 예술은 글자 언어의 가치와 객관성을 의문시하며, 우리가 더 직관적인 방식으로 전달할 수 있는 더 본질적인 무언가가 잃어버려지고 있는지 묻습니다.
대표 이미지: 파블로 피카소 - Still Life with Chair Caning, 1912년, 유화 및 혼합 매체, 11 2/5 × 14 3/5 인치, 파리 국립 피카소 미술관, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, 뉴욕 사진: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕시
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 제공
