타이포그래피 예술의 추상적 성격
문명이 지속되기 위해서는 특정한 환상이 유지되어야 합니다. 예를 들어, 현대 화폐는 본질적인 가치를 가지고 있지 않습니다. 우리는 사회를 신뢰할 수 있는 방식으로 구조화하기 위해 돈의 가치를 유지하는 환상을 지킵니다. 언어 또한 추상적입니다. 소리와 기호는 우리가 의미한다고 합의한 대로 의미를 가집니다. 타이포그래피 아트는 예술가들이 우리 문화에 내재된 이러한 추상성을 탐구하는 한 가지 방법입니다. 이는 우리가 의미 있다고 받아들인 것과 의미가 없다고 여기는 것에 대한 우리의 수용된 아이디어에 도전하며, 일반적인 맥락에서 벗어난 방식으로, 기이한 방식으로, 또는 비정상적이거나 예상치 못한 미적 대응물과 나란히 배치하여 서면 언어를 제시합니다. 입체파에서 다다, 개념 미술, 팝 아트에 이르기까지, 타이포그래피 아트는 100년 이상 서면 기호의 사용을 조사해 왔습니다. 이는 우리가 언어를 어떻게 인식하는지, 그리고 언어가 무엇을 성취할 수 있다고 믿는지의 경계와 가능성을 확장해 왔습니다.
입체파 타이포그래피 아트
모더니스트 타이포그래피 아트의 첫 번째 예 중 하나는 파블로 피카소의 의자 엮기와 함께한 정물로, 1912년에 만들어졌습니다. 이 상징적인 작품은 피카소의 첫 번째 콜라주로 간주되며, 합성 큐비즘의 시작을 알립니다. 이 작품은 카페 테이블의 표면을 연상시키며, 음료수 잔, 파이프, 신문, 카페 의자 등 여러 요소를 포함하고 있습니다. 큐비즘의 발전에 중요한 것 외에도, 타이포그래픽 추상화를 이해하는 데에도 중요한 열쇠입니다. 이 작품에는 "JOU"라는 단어를 나타내는 것처럼 보이는 세 개의 페인팅된 글자가 포함되어 있으며, 프랑스어로 "게임"으로 번역될 수 있습니다. 또는 JOU는 이 작품이 만들어졌을 당시 파리에서 가장 많이 읽힌 신문의 이름인 "Le Journal"의 일부일 수 있습니다.
의자 엮기와 정물의 이미지가 신문을 암시하고 있기 때문에, 피카소는 쉽게 르 쟈르날을 언급하려 했을 수 있다. 하지만 그 텍스트는 시각적 또는 개념적 게임에 대한 장난스러운 고개 끄덕임일 수도 있다. 또 다른 가능성은 이러한 해석 간의 혼란이 피카소가 뉴스 미디어에 대해 의미와 의도를 혼동하는 경향에 대해 의도적으로 내놓은 발언일 수 있다는 것이다. 어쨌든, 요점은 피카소의 의도를 식별하는 것이 아니다. 요점은 명확성의 부족을 인정하는 것이다. 작품의 타이포그래픽 요소의 의미에 대한 전체 질문은 그것을 현대주의 타이포그래픽 추상화의 탄생을 대표하는 것으로 식별한다.
프란시스 피카비아 - 다메! 정기간행물 다다폰 7호, 파리, 1920년 3월의 표지 일러스트
다다 예술과 타이포그래피
입체파의 부상 직후, 다다이스트라는 그룹의 예술가들이 등장하여 그들의 문명의 부조리에 맞서 싸웠습니다. 다다이스트들은 시각 매체로서 콜라주에 크게 의존하였고, 그들의 작품에는 많은 추상적인 타이포그래픽 참조가 포함되었습니다. 프란시스 피카비아는 타이포그래피를 사용한 가장 유명한 다다이스트 중 한 명이었습니다. 그는 전문적인 사실주의 화가, 시인, 타이포그래퍼로 훈련받았으며, 글쓰기의 목적이 의사소통이라는 것을 잘 알고 있었습니다. 그럼에도 불구하고 그는 그의 다다이스트 작품에서 기이하고 부조리한 글쓰기 구성을 만들어내기 위해 많은 노력을 기울였으며, 이는 매우 다양한 방식으로 해석될 수 있거나 심지어는 헛소리로 받아들여질 수도 있었습니다.
1920년 다다이스트 정기간행물인 다다폰을 위해 피카비아가 만든 표지를 고려해 보십시오. 이 이미지는 “Dame!”라는 제목을 가지고 있습니다. 나선형의 추상화된 이미지와 여러 개의 텍스트 영역이 포함되어 있습니다. 텍스트의 전체 번역은 다음과 같습니다: “너무 많이 마신 살은 나폴리 소고기다,” “정통적인 똥 속의 손,” “침대를 수선하다,” “여인의 도개교.” 이 단어들의 의미는 나선형의 의미만큼이나 불분명합니다. 이 이미지는 나사를 나타내는 것일까요? 아니면 색종이처럼 장난스러운 것일까요? 기계적 발전의 이미지일까요? 절망이나 발전의 메시지일까요? 텍스트는 의미를 명확히 하는 데 아무런 도움이 되지 않으며, 피카비아가 언어를 매체로 이해한 바와는 반대로 명확성을 달성하는 대신 추상화의 수준을 더합니다.
재스퍼 존스와 타이포그래피
1950년대에 화가 재스퍼 존스는 상징적인 문화 기호를 추상적으로 사용하여 두각을 나타냈으며, 종종 타이포그래픽 기호를 포함했습니다. 존스는 미국 국기와 표적과 같은 상징적 형태를 차용하여, 그것들을 의미 있는 기호가 아닌 추상적 형태로 재맥락화하는 방식으로 탐구했습니다. 그는 자신의 작품의 의미나 목적을 설명하는 것을 피했으며, 관객이 "완성된" 즉, 해석할 수 있도록 의도했다고 밝혔습니다.
조셉 코수스 - 하나와 세 개의 의자, 1965, © 2017 조셉 코수스 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕시
존스는 그의 많은 작품에서 영어 알파벳과 아라비아 숫자를 유명하게 통합했습니다. 그는 이러한 타이포그래픽 요소들을 표면, 질감, 차원성 및 화가의 특성과 같은 형식적 특성에 더 중점을 두는 것처럼 보이는 그림의 의미 없는 주제로 사용했습니다. 그는 또한 색상의 이름과 같은 단어를 통합하여 그것들을 그려 넣고, 다른 색상과 나란히 배치하여 단어의 의미를 혼란스럽게 했습니다. 이러한 타이포그래픽 작품은 타이포그래피가 의사소통을 위한 도구인지, 아니면 기하학적 추상주의자들이 원, 정사각형, 십자 및 삼각형을 그린 것처럼 추상적으로 사용할 수 있는 형태의 집합인지에 대한 도전이었습니다.
앤디 워홀 - 캠벨 수프 캔, 1962, 합성 폴리머 페인트, cm x 41 cm, 현대 미술관, 뉴욕시, © 2017 앤디 워홀 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕시
개념 미술, 팝 아트 및 타이포그래피
존의 작업은 앤디 워홀에게 영향을 미쳤으며, 그는 자신의 작품에서 상징적이고 타이포그래픽 요소를 유명하게 결합했습니다. 워홀의 캠벨 수프 캔은 1962년에 제작되었으며, 당시 캠벨 회사가 제공한 32가지 수프 중 하나를 나타내는 32개의 개별 프린트로 구성되어 있었습니다. 이 작품들은 평면적이고 기계적으로 제작되었으며, 겉보기에는 무관한 주제를 활용했습니다. 텍스트는 상업적 브랜딩 외에는 아무것도 전달하지 않았습니다. 이러한 추상화된 타이포그래픽 이미지를 사용함으로써, 워홀은 소비 문화와 예술의 의미 또는 무의미성에 대한 질문을 제기했습니다.
재스퍼 존스는 조셉 코수스와 같은 개념 예술가들에게도 영향을 미쳤습니다. 코수스는 1965년에 제작된 그의 유명한 작품 하나와 세 개의 의자에서 타이포그래피를 3분의 1로 사용했습니다. 이 작품에서 코수스는 의자의 사진, 실제 나무 의자, 그리고 의자에 대한 서면 설명을 함께 제시했습니다. 이 작품은 세 가지 요소가 의자를 나타내는 것이 아니라 의자의 개념을 나타낸다고 제안했습니다. 세 가지 항목 중 오직 하나만이 의자로서 기능했습니다. 사진과 타이포그래픽 설명은 모두 추상적이었습니다.
게릴라 걸스 - 여성이 메트 뮤지엄에 들어가려면 벌거벗어야 하나요? 1989, 종이에 스크린 프린트, 280x710mm, © 게릴라 걸스
형태와 그려진 단어
오늘날의 예술가들은 종종 텍스트를 사용하며, 많은 경우 그것이 문자 그대로 받아들여지고 읽히고 이해되기를 의도합니다. 예를 들어, 여성 예술가들의 집단인 게릴라 걸스는 비추상적인 타이포그래픽 메시지를 그들의 사회 정의 예술의 필수적인 부분으로 사용합니다.
예술에서 타이포그래피의 추상적 사용은 명확한 목표 없이 다른 사회 정의 사명에 참여합니다. 타이포그래픽 추상을 통해 예술가들은 특정 문화적 이상을 문제 삼고 있는 것이 아닙니다. 그들은 의사소통의 전체 개념을 질문하고 있습니다. 우리의 사회가 더욱 복잡해짐에 따라, 타이포그래피의 사용은 종종 대중에게 더 많은 혼란을 초래하며, 숨겨진 메시지를 해석하는 법을 배운 관객들은 명백한 곳에서 비밀을 공유합니다. 추상 타이포그래피 예술은 서면 언어의 가치와 객관성에 의문을 제기하며, 우리가 더 직관적인 방식으로 전달할 수 있는 더 본질적인 것이 잃어버리고 있는지 질문합니다.
특집 이미지: 파블로 피카소 - 의자 엮기와 정물, 1912, 유화 및 혼합 매체, 11 2/5 × 14 3/5 인치, 뮤제 내셔널 피카소, 파리, 국립 박물관 연합 / 아트 리소스, NY 사진: R.G. 오헤다 / 피카소, 파블로 (1881-1973) © 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕시
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
