미누친 갤러리의 다채로운 추상 미술의 기쁨
뉴욕의 Mnuchin Gallery에서는 현재 The Joy of Color라는 다채로운 추상 미술의 축하 전시회를 열고 있습니다. 이 전시는 1939년부터 2018년까지의 작품들을 통해 예술가들이 색상을 내용과 개념으로 어떻게 활용하는지를 독특하게 엿볼 수 있는 기회를 제공합니다. 이 전시에는 Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis, Sam Gilliam과 같은 갤러리가 대표하는 역사적으로 중요한 예술가들의 작품이 포함되어 있으며, Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland, Jack Bush와 같은 20세기 개척자 예술가들의 작품도 함께 전시됩니다. 또한 Laura Owens, Sean Scully와 같은 중요한 현대 예술가들의 작품과 Sarah Crowner, Nathlie Provosty와 같은 상대적으로 신진 예술가들의 작품도 포함되어 있습니다. 일부 뉴요커들에게 이 전시는 Mnuchin 공간으로 돌아갈 완벽한 기회를 제공할 수 있습니다. 2016년, 뉴욕 매거진의 미술 비평가 Jerry Saltz는 “왜 나는 더 이상 Mnuchin Gallery에 가지 않을 것인가”라는 제목의 비판 글을 발표했습니다. 그는 갤러리 소유주 Robert Mnuchin의 아들인 Steven Mnuchin이 당시 대통령 후보인 Donald Trump의 캠페인 재정 책임자로 임명된 것을 이유로 들었습니다. 그 글이 발표된 이후, Steven Mnuchin은 미국 재무부 장관으로 임명되었습니다. 예술과는 아무런 관련이 없는 이유, 그리고 이념과 관련된 이유로 Saltz는 독자들에게 아들의 정치적 죄악에 대해 예술을 판매하는 아버지를 처벌하라고 권장했습니다. 이러한 조작된 드라마는 터무니없지만, 사회적 압력에 굴복한 사람들은 The Joy of Color를 갤러리에 새로운 기회를 줄 완벽한 핑계로 삼아야 합니다. 이 전시는 상업 갤러리를 걷는 것보다 작은 그러나 중요한 박물관의 현대 및 현대 섹션을 걷는 것과 더 유사합니다. 이 작품은 최고의 추상 미술이 어떻게 사소한 정치적 문제를 초월하고 이 세상에서 아름답고 의미 있는 것에 대한 새로운 인식의 문을 여는 능력을 가지고 있는지를 정확히 보여줍니다.
전략으로서의 색상
색의 기쁨은 계단 옆 천장에서 매달린 겸손한 칼더 모빌로 시작합니다. 빨강, 노랑, 흰색, 회색의 추상 형태가 우리의 몸과 숨이 만들어내는 바람에 부드럽게 회전합니다. 칼더는 사람들에게 “우주에서 떠 있는 분리된 몸의 개념”에 대해 생각하게 하기 위해 색을 사용했습니다. 이 기발한 색깔의 형태는 물리학과 기계와 같은 보편적인 문제를 숙고하는 동안 즐거움을 제공합니다. 모빌 너머에는 아치형 입구 양쪽에 두 개의 작은 그림이 있습니다. 왼쪽에는 나슬리 프로보스티의 “로드”(2018)가 있습니다. 오른쪽에는 마크 로스코의 제목 없는 색면이 있습니다, 약 1959년. 두 구성 모두 구조적이고 평면적이며 직사각형입니다. 두 작품 모두 색의 미세한 변화를 사용하여 관객을 사색적인 경험으로 초대합니다. 여기서 색은 내용이라기보다는 우리의 내면과의 지각적 만남으로의 진입점입니다. 특히 프로보스티의 그림은 미세한 노란색 변화를 통해 겉보기에는 비슷한 것들 사이의 미묘한 차이를 드러냅니다—일반화하지 않으면 우리는 그것을 단색이라고 부를 수 없습니다. 모든 노란색이 같은 것은 아닙니다.
Nathlie Provosty - Lode, 2018. 리넨에 유화, 알루미늄 패널. 19 x 15 인치 (48.3 x 38.1 cm). © Nathlie Provosty. 제공: Mnuchin Gallery
전시의 다른 그림들 중 색상을 전략으로 사용하여 다른 유형의 내용을 다루는 작품으로는 모리스 루이스의 "알레프 시리즈 V"(1960), 숀 스컬리의 "랜드라인 그린 볼트"(2018), 2006년 로라 오웬스의 제목 없는 그림, 그리고 1958년 조안 미첼의 제목 없는 캔버스가 있다. 루이스의 그림은 가장자리를 둘러싼 진동하는 색상 관계로 우리의 시선을 끌지만, 색상이 중앙에서 어둠으로 융합되면서 우리는 표면에 더 주목하게 된다: 프라이밍되지 않은 캔버스는 색상과 형태가 서로 하나가 되는 것처럼 페인트와 하나가 된다 - 모든 것이 하나로 녹아든다. 스컬리의 그림은 색상을 사용하여 붓질과 질감에 대한 고려를 하도록 우리를 초대하며, 페인트의 물질적 특성을 감상하도록 초대한다. 오웬스의 그림은 색상을 감정적 촉매로 사용한다. 그 경쾌한 팔레트는 여성성, 개방성, 자연의 즐거움을 담고 있는 작품의 형상적 측면을 반영한다. 마지막으로, 미첼 캔버스의 격렬한 붓 자국은 색상이 기분과 동의어가 될 수 있음을 보여주며, 인간 정신의 가장 깊은 고뇌를 표현한다.
Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. 알루미늄에 유화. 85 x 75 인치 (215.9 x 190.5 cm). © Sean Scully. 제공: Mnuchin Gallery
공간으로서의 색상
색의 기쁨에 있는 많은 그림들은 색상을 보다 형식적인 의미로 사용하여 색상이 시각적 공간의 효과적인 창조자이자 구분자로 나타나는 모습을 보여줍니다. 알마 토마스의 "자연의 붉은 인상"(1968)은 이 개념에 대한 서사적인 설명을 제공합니다. 멀리서 보면 색상은 선형 구조를 선언하며, 시각적 건축을 수직 막대로 나눕니다. 가까이에서 살펴보면 기둥은 수많은 유기적 형태로 부서집니다. 형태와 기둥 사이의 흰 공간은 표면 너머의 세계로 assert됩니다. 잭 부시의 "딸기"(1970)에서도 유사한 마법이 작용하고 있습니다. 거대한 분홍색 "U" 모양은 그림의 제목과 색조가 일치하며, 어두운 얼룩이 있는 밝은 분홍색 배경은 차원감을 형성합니다. 캔버스 하단의 보색 바는 공간을 평평하게 만들고 눈을 속여 수평선과 기하학적 형태의 동적인 행렬을 감지하게 합니다.
알마 토마스 - 자연의 붉은 인상, 1968. 아크릴화. 51 x 49 1/2 인치 (129.5 x 125.7 cm). © 알마 토마스. 제공: 무누친 갤러리
전시에서 가장 눈에 띄는 공간 구성 중 일부는 헬렌 프랭켄탈러의 "엘버타" (1975), 케네스 놀랜드의 "미스터리: 아글로우" (2002), 그리고 사라 크라우너의 "더 웨이브 (우르술라)" (2014)이다. 프랭켄탈러는 그녀의 스웩 스테인 회화에서 광대한 개방감을 창조하여 눈을 광활하고 빛나는 시각적 우주로 열어준다; 놀랜드는 그의 익숙한 과녁 구성을 통해 공간을 단순화하고 중앙 집중화하여 반대의 효과를 얻는다; 크라우너는 진동하는 생물형의 빨간색과 주황색 파형으로 공간을 조화로운 불협화음으로 조직한다. 그러나 공간의 가장 심오한 창조는 샘 길리엄의 "아트모스피어" (1972) 덕분이다. 그의 표면 가장자리를 비스듬히 깎는 독특한 기법은 색상이 작품의 물리적 경계를 넘어 공간을 창조할 수 있게 한다. 이 그림은 우리가 볼 수 있는 한계 너머에 무엇이 있는지 궁금하게 만든다—이 시대에 우리에게 중요한 문제이며, 아마도 심지어 미스터 솔츠도 갤러리에 들러서 고려해보고 싶어할 것이다. 색의 기쁨은 2018년 12월 8일까지 전시된다.
특집 이미지: 색의 기쁨 - 2018년 뉴욕 Mnuchin Gallery에서 열린 그룹 전시. © Tom Powel Imaging. Mnuchin Gallery 제공.
필립 Barcio
