미누친 갤러리의 다채로운 추상 미술의 기쁨
뉴욕의 Mnuchin 갤러리에서는 현재 1939년부터 2018년까지의 다채로운 추상 미술을 기념하는 단체전 색채의 기쁨을 선보이고 있습니다. 이 전시는 예술가들이 색채를 내용이자 개념으로 활용하는 다양한 방식을 독특하게 엿볼 수 있는 기회를 제공합니다. 전시에는 갤러리가 대표하는 역사적으로 중요한 예술가들인 알렉산더 칼더, 조안 미첼, 마크 로스코, 모리스 루이스, 샘 길리엄의 작품과 함께 헬렌 프랭켄탈러, 알마 토마스, 케네스 놀랜드, 잭 부시 같은 20세기 선구자 예술가들의 작품도 포함되어 있습니다. 또한 로라 오웬스, 션 스컬리 같은 중요한 현대 작가들과 사라 크라우너, 나틀리 프로보스티 같은 신진 작가들의 작품도 전시되어 있습니다. 뉴욕 시민들에게 이 전시는 Mnuchin 공간을 다시 방문할 완벽한 기회가 될 수 있습니다. 2016년 뉴욕 매거진의 미술 평론가 제리 솔츠는 “왜 나는 더 이상 Mnuchin 갤러리에 가지 않는가”라는 제목의 비판 글을 발표했습니다. 그는 갤러리 소유주 로버트 Mnuchin의 아들 스티븐 Mnuchin이 당시 대통령 후보 도널드 트럼프의 선거 자금 담당으로 임명된 것을 이유로 들었습니다. 그 글이 나온 이후 스티븐 Mnuchin은 미국 재무장관으로 임명되었습니다. 예술과는 무관하고 이념과 관련된 이유로 솔츠는 독자들에게 아들의 정치적 죄악을 이유로 예술품 판매자인 아버지를 벌하라고 권장했습니다. 이런 조작된 드라마는 터무니없지만, 사회적 압력에 굴복한 사람이라면 누구든 색채의 기쁨을 갤러리에 새롭게 기회를 줄 완벽한 핑계로 여겨야 할 것입니다. 이 전시는 상업 갤러리를 걷는 것보다는 작지만 중요한 박물관의 현대 및 현대미술 섹션을 산책하는 것과 더 가깝습니다. 작품들은 추상 미술이 최고의 상태에서 어떻게 사소한 정치적 문제를 초월하고 이 세상에서 아름답고 의미 있는 것에 대한 새로운 인식의 문을 열 수 있는지를 정확히 보여줍니다.
전략으로서의 색채
색채의 기쁨은 계단 옆 천장에 매달린 겸손한 칼더 모빌로 시작합니다. 빨강, 노랑, 흰색, 회색의 추상 형태들이 우리의 몸과 숨결이 만들어내는 바람에 부드럽게 회전합니다. 칼더는 색채를 사용해 사람들이 “우주에 떠 있는 분리된 몸체의 개념”에 대해 생각하게 했습니다. 이 기발한 색채 형태들은 물리학과 역학 같은 보편적 문제를 숙고하면서 즐거움을 제공합니다. 모빌 너머로는 아치 양쪽에 두 점의 작은 그림이 있습니다. 왼쪽에는 나틀리 프로보스티의 “로드” (2018)가, 오른쪽에는 마크 로스코의 제목 없는 색면화(1959년경)가 있습니다. 두 작품 모두 구조적이고 평면적이며 직사각형입니다. 두 작품은 미묘한 색채 변화를 사용해 관람객을 사색적인 경험으로 초대합니다. 여기서 색채는 내용이라기보다는 내면과의 지각적 만남으로 들어가는 입구 역할을 합니다. 특히 프로보스티의 그림은 미묘한 노랑의 변주를 통해 겉보기에는 비슷해 보이는 것들 사이의 미세한 차이를 드러냅니다—일반화하지 않으면 단색화라고 부를 수 없습니다. 모든 노랑이 같지는 않습니다.
나틀리 프로보스티 - 로드, 2018. 알루미늄 패널 위에 리넨에 유화. 19 x 15 인치 (48.3 x 38.1 cm). © 나틀리 프로보스티. Mnuchin 갤러리 제공
색채를 전략으로 사용해 다른 내용과 소통하는 전시의 다른 작품으로는 모리스 루이스의 “알레프 시리즈 V” (1960), 션 스컬리의 “Landline Green Bolt” (2018), 2006년 로라 오웬스의 제목 없는 그림, 1958년 조안 미첼의 제목 없는 캔버스가 있습니다. 루이스의 그림은 가장자리에서 진동하는 색채 관계로 우리의 시선을 끌지만, 중앙의 색들이 어둠으로 융합되면서 표면에 대한 인식이 더 강해집니다: 바탕칠하지 않은 캔버스가 물감과 하나가 되고, 색과 형태가 서로 하나가 되어 모두가 하나로 녹아듭니다. 스컬리의 그림은 색채를 사용해 붓질과 질감을 고려하게 하며, 물감의 물질적 특성을 감상하도록 초대합니다. 오웬스의 그림은 색채를 감정적 자극제로 사용합니다. 그 즐거운 팔레트는 여성성, 개방성, 자연을 즐기는 작품의 형상적 측면을 반영합니다. 마지막으로 미첼의 격렬한 붓질은 색채가 기분과 동의어가 되어 인간 정신의 내면적 고뇌를 표현하는 방식을 보여줍니다.
션 스컬리 - Landline Green Bolt, 2018. 알루미늄에 유화. 85 x 75 인치 (215.9 x 190.5 cm). © 션 스컬리. Mnuchin 갤러리 제공
공간으로서의 색채
색채의 기쁨의 많은 작품은 색채를 보다 형식적인 의미로 사용하여 시각 공간을 효과적으로 창조하고 구분하는 역할을 보여줍니다. 알마 토마스의 “자연의 붉은 인상” (1968)은 이 개념을 장대한 방식으로 설명합니다. 멀리서 보면 색채가 선형 구조를 선언하며 시각적 건축을 수직 막대로 나눕니다. 가까이서 보면 기둥들이 수많은 유기적 형태로 분열됩니다. 형태와 기둥 사이의 흰 공간은 표면 너머의 세계로 자신을 주장합니다. 비슷한 마법이 잭 부시의 “딸기” (1970)에서도 작동합니다. 거대한 분홍빛 “U” 모양은 그림 제목과 색조를 반향하며, 어두운 얼룩이 있는 연한 분홍 배경은 입체감을 만듭니다. 캔버스 하단의 보색 막대는 공간을 평면화하면서도 눈을 속여 수평선과 기하학적 형태의 움직이는 행진을 동시에 느끼게 합니다.
알마 토마스 - 자연의 붉은 인상, 1968. 캔버스에 아크릴. 51 x 49 1/2 인치 (129.5 x 125.7 cm). © 알마 토마스. Mnuchin 갤러리 제공
전시에서 가장 눈길을 끄는 공간 구성 중에는 헬렌 프랭켄탈러의 “엘버타” (1975), 케네스 놀랜드의 “미스터리스: 아글로우” (2002), 사라 크라우너의 “파도 (우르슐라)” (2014)가 있습니다. 프랭켄탈러는 물들인 그림에서 광활한 개방감을 창조해 눈을 넓고 빛나는 시각 우주로 열어줍니다; 놀랜드는 익숙한 과녁 구성을 통해 공간을 단순화하고 중앙 집중화합니다; 크라우너는 진동하는 생물형 붉은색과 주황색 파도 형태로 공간을 조화로운 불협화음으로 조직합니다. 그러나 가장 깊은 공간 창조는 샘 길리엄의 “대기” (1972)에서 나옵니다. 그의 시그니처 기법인 표면 가장자리 비스듬히 깎기는 색채가 작품의 물리적 경계를 넘어 공간을 창조하게 합니다. 이 그림은 우리가 볼 수 있는 한계를 넘어 무엇이 있는지 궁금하게 만듭니다—이것은 오늘날 우리에게 중요한 문제이며, 아마도 솔츠 씨도 갤러리에 들러 생각해볼 만한 주제일 것입니다. 색채의 기쁨 전시는 2018년 12월 8일까지 관람할 수 있습니다.
대표 이미지: 색채의 기쁨 - 뉴욕 Mnuchin 갤러리 단체전, 2018. © 톰 파월 이미지. Mnuchin 갤러리 제공
필립 Barcio 작성
