프랑수아 모렐레에게 바치는 헌사: 추상 기하학의 유산

예술가가 세상을 떠날 때마다 한 줄기 빛이 꺼진다. 우리 중 많은 이들이 François Morellet의 작품을 직접 만날 수 있었던 것은 행운이었다고 할 수 있다. 사실 추상 미술 애호가들 사이에서도 모를레의 이름은 프랑스 밖에서는 거의 알려져 있지 않다. 그러나 그는 강력하고, 기묘하며 아름다운 에너지와 빛의 원천이었다. 모를레의 작품은 라벨뿐만 아니라 문화적, 지적 장벽을 초월했다. 다른 어떤 예술가들처럼, 그는 예술적 깊이와 엄격한 기교, 그리고 장난기 어린 유머 감각을 결합했다. 모를레의 빛은 2016년 5월 11일, 그의 고향인 프랑스 쇼레에서 꺼졌다. 그는 90세였다.

François Morellet의 유머

사물은 보이는 것과 다르다. 그것들은 훨씬, 훨씬 더 많은 것을 담고 있으며, 이는 모를레의 많은 작품에서 아름답고 익살스럽게 드러난다. 예를 들어 그의 Geometree 시리즈를 보자. 이 장난스럽고도 깊이 있는 작품들은 회화와 조립의 결합이다. 각 작품에서 모를레는 나뭇가지의 일부를 평면에 연결하고, 그로부터 기하학이 어떻게 확장될 수 있는지를 탐구한다. 과학의 덩굴처럼, 정사각형, 삼각형, 원이 가지의 여러 끝에서 뻗어나가 평평한 우주로 올라간다. 우리 주변에 영원히 존재하는 보이지 않는 기하학을 생각할 때 미소를 짓지 않을 수 없다. 이 작품들은 바로 그 점에 우리의 시선을 집중시킨다.

모를레가 세상을 떠난 이후, 그의 삶과 작품을 되돌아보는 추모 기사가 온라인에 몇 편 올라왔다. 한 기사는 그의 “도발적인 태도와 유머”를 다다이즘과 비교했다. 그러나 그런 비교에는 심각한 오류가 있다. 다다는 좌절과 절망에서 태어났다. 인간을 부조리하게 보았고, 분노로 표현된 냉소적인 관점이었다. 프랑수아 모를레는 작품 제목에서 드러나듯 농담을 하긴 했지만, 그 농담은 부조리가 아니라 빈정대면서도 자기 비하적인 것이었다. 그가 만든 각 작품에 세심한 주의를 기울인 점은 그가 자신의 작품을 접하는 이들을 깊이 배려했음을 보여준다. 그의 재치와 공간에 대한 맥락적 인식은 그가 환경과 그 안에 사는 존재들을 존중하는 사람임을 드러낸다. 모를레는 도발적이고 유머러스했지만, 진실했고 세상에 기쁨을 주는 참여자였다. 그는 다다이스트가 아니었다.

François Morellet - GEOMETREE NO. 51, 1984, 1984년, 나뭇가지가 포함된 캔버스에 아크릴, 200 x 200 cm, 알브라이트-녹스 미술관, 버팔로 © ARS, NY

François Morellet - Seven Corridors, 2015, 발 드 마른 현대미술관

움직임과 형태

그렇다면 모를레는 무엇이었을까, 늦게 피어난 다다이스트가 아니었다면? 대부분의 미술사는 모를레를 운동미술가, 기하학적 추상주의자, 그리고 아마도 초기 미니멀리스트로 분류할 것이다. 그의 작품 일부는 이러한 분류를 쉽게 뒷받침한다. 그러나 모를레는 아이디어의 중요성을 강하게 믿었기에 개념미술가이기도 했다. 또한 네온과 조명을 활용해 전시 공간을 조작한 작업은 빛과 공간 운동과도 밀접하게 연결된다. 또 다른 작품들은 2015년의 Seven Corridors 설치작품처럼 설치미술의 빛나는 대표작이다.

그리고 모를레의 1964년 대표작 관람객에 의해 변형된 물속의 반사는 어떨까? 이 작품에서 그는 기하학적 네온 조각을 만들어 천장에 매달고, 그 아래 검은 물웅덩이를 두었다. 관람객이 물웅덩이의 장치를 조작해 물을 흔들면, 빛의 반사가 변형되었다. 그는 변형된 빛의 반사 이미지를 사진과 영상으로 기록했다. 이 한 작품에서 그는 조각가, 사진가, 빛과 공간 예술가, 설치미술가, 개념미술가, 기하학적 추상주의자, 운동미술가, 그리고 미니멀리스트였다.

그렇다면 모를레는 무엇이었을까? 다중 양식이었을까? 다중 분야였을까? 아마도 그렇다. 그는 2차원, 3차원, 4차원에서 자신을 표현했다. 기하학, 운동, 아이디어, 빛과 공간을 사용했고, 간결하고 최소한의 시각 언어에 의존했다. 그러나 피카소, 이브 클라인, 조안 미로, 조셉 보이스처럼 그는 아예 어떤 라벨도 거부했다고 할 수 있다.

François Morellet - 전화번호부의 홀수와 짝수 번호를 이용한 4,000개의 정사각형 무작위 분포, 1960년, 캔버스에 유화, 103 x 103 cm

François Morellet - 관객 참여형 0° - 90° 두 프레임 대시, 1971년, 흰색 네온관, 스위치

모호함의 유산

모를레가 만든 방대한 양의 정교하고 부인할 수 없이 아름다운 작품들을 돌아보면, “추상 미술가”라는 라벨조차도 심각하게 의문시될 수 있음을 알게 된다. 젊은 시절 모를레는 분명 구상화가에서 벗어나 기하학적 형태와 패턴으로 작업 방향을 바꾸었다.

그러나 네온과 벽 같은 내부 공간을 다루기 시작하면서 그는 전혀 다른 영역에 들어섰다. 그곳에서 그의 예술은 관람객과 개인적이고 촉각적인 방식으로 상호작용했다. 그리고 더 많은 공공미술을 제작하면서 추상이라는 개념은 완전히 사라진 듯하다. 이른바 추상 작품들이 사실은 세상에서 매우 현실적인 자리를 차지했기 때문이다.

모를레의 많은 작품을 통해 우리는 추상과 현실이 이제 하나임을 깨닫게 된다. 그의 Geometree 시리즈에서 보듯, 물리적이고 자연적이며 재현적인 영역이 추상 기하학과 평면 공간의 영역과 매끄럽게 융합된다. 현대 미적 현상 세계는 추상과 구상을 동시에 포괄한다.

그가 의도했는지는 알 수 없지만, 그의 경력 말기에 모를레는 원, 삼각형, 정사각형, 선으로 이루어진 이른바 추상 시각 언어가 나무, 집, 얼굴, 동물, 노을, 언덕의 시각 언어만큼이나 현대 세계의 일부임을 증명했다. 빛과 어둠, 입체감과 평면성, 추상과 구상의 협력적 힘을 보여준 이 점이 모를레가 후대 예술가들에게 남긴 가장 중요한 선물이다. 그의 수수께끼 같은 유산과 유머, 그리고 진실성은 예술이 열린 마음을 유지하고, 너무 심각하게 자신을 여기지 않으며, 자유로울 때 무엇이 될 수 있는지를 우리에게 가르쳐 주었다.

대표 이미지: François Morellet - François Morellet의 관람객에 의해 변형된 물속의 반사 (1964) 스틸컷
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공