Dappere Kleur en Geometrie in het Schilderwerk van Gillian Ayres

De geprezen Britse abstracte kunstenaar Gillian Ayres maakt al bijna 70 jaar professioneel kunst. Sinds ze in 1950 afstudeerde aan de Camberwell School of Art in Londen, is ze nooit afgeweken van haar ene pure passie: schilderen. Zelfs te midden van wereldwijde trends zoals Conceptuele Kunst, Performance Kunst, Land Kunst, Installatie Kunst en Multi-Media Kunst, die allemaal de relevantie van haar werk uitdaagden, bleef Ayres toegewijd aan de eenvoudige stelling om beelden met verf te maken. Haar werk is altijd abstract geweest, hoewel haar stijl voortdurend is geëvolueerd. Wanneer ze wordt gevraagd naar de betekenis van haar oeuvre, of wat de drijfveer was voor een bepaald werk dat ze heeft gemaakt, leidt ze het gesprek af van woorden. “Het is een visuele ervaring,” zegt ze, “geen literaire.”

Een zekere rattigheid

Wanneer ze praat over haar vroege dagen op de kunstacademie, neemt Gillian Ayres een soort sluwe houding aan. Ze herinnert zich dat ze totaal afgeschrikt werd door de onderwijsmethoden van veel van haar professoren. Zij en de andere studenten moesten hele dagen besteden aan dingen zoals het herhaaldelijk tekenen van één lichaamsdeel van een model of het schetsen van één scène voor een café in Londen. Ze beschouwde de herhaling en de onvermoeibare precisie als alledaags. Ze verlangde ernaar om Modernistische en abstracte kunst te ontdekken, en om de soort kunst te creëren die haar levendig, bruisend en vrij zou laten voelen.

Ze beschrijft zichzelf in die dagen als subversief. Echter, ze heeft gezegd: “Het is geen ambitie om tegen de stroom in te gaan. Ik denk niet dat er een verlangen was om subversief te zijn. Ik denk dat je gewoon ratty voelde.” Die ratty-heid werd uiteindelijk gevalideerd in de vroege jaren vijftig toen ze voor het eerst het werk van Jackson Pollock tegenkwam. De foto's die ze zag van hem die op de vloer werkte, verf op een losse, actieve, levende manier hanteerde, inspireerden haar, en ze wist meteen dat ze vrij wilde zijn zoals dat. Tot op de dag van vandaag beschouwt Ayres Pollock als een belangrijke inspiratie; niet dat ze zijn techniek, stijl of het uiterlijk van zijn werk kopieerde, maar eerder dat hij haar een pad toonde naar het doorbreken van de klassieke rommel.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Oil paint and household paint on hardboard. 84 x 60 in. © Gillian Ayres

Een ware roeping

Nieuw gesterkt, besteedde Ayres de jaren vijftig aan het ontwikkelen van een dynamische, levendige abstracte stijl. Maar hoewel het werk haar de respect van andere schilders en in zekere mate het publiek opleverde, waren modernisme en abstractie nog niet breed geaccepteerd in Groot-Brittannië. Ze had een klein aantal schilderijen tentoongesteld en verkocht, maar financieel succes ontglipte haar. Dus accepteerde ze gelukkig toen ze een tijdelijke positie aangeboden kreeg om les te geven aan de Bath Academy of Art, een kunstschool die bekend staat om haar progressieve karakter. Ze bleef uiteindelijk zeven jaar in Bath, verhuisde daarna om 12 jaar les te geven aan de Saint Martin's School of Art, en om de schilderafdeling aan de Winchester School of Art drie jaar te leiden.

Tijdens het lesgeven bleef Ayres haar stijl ontwikkelen. Ze experimenteerde met biomorfe vormen, verkende een scala aan kleurenpaletten en fluctueerde tussen schilderachtige, impasto werken en vlakke oppervlakken. En haar reputatie als rebel groeide, terwijl ze vastberaden pleitte voor schilderkunst, terwijl bijna al haar collega's hun studenten naar andere, meer hedendaagse media leidden. Maar toen, aan het eind van de jaren '70, had ze een moment van helderheid. Na bijna te zijn overleden aan een geval van acute pancreatitis, realiseerde ze zich dat, ondanks haar succes als educator, ze eigenlijk alleen maar wilde schilderen. Ze beëindigde prompt haar academische carrière en verhuisde naar het platteland van Wales om zich fulltime aan haar kunst te wijden.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Oil on canvas. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

Kleur en vorm

Nieuw heringewijd, raakte Ayres ondergedompeld in haar liefde voor verf. Ze was al naar een meer impasto, textuurstijl aan het neigen, en nu werd haar werk nog schilderachtiger, tastbaarder en weelderiger. Ze gebruikte haar blote handen om de verf te manipuleren, zich direct, persoonlijk met de oppervlakken verbindend. Haar schilderijen uit deze tijd lijken op oermenselijke broedplaatsen voor nieuwe kleurrelaties en onvoorstelbare vormen. Ontelbare mogelijkheden barsten voort uit de extatische composities, die op de een of andere manier harmonie bereiken ondanks hun complexiteit.

Het was rond deze tijd dat Ayres zich realiseerde dat ze geen interesse meer had in toon. Ze wilde niets van gedempte tinten of nuances in kleur. Ze wilde intensiteit. En samen met haar focus op levendige, pure kleur, begon ze ook meer te gravitateren naar een figuratievere gebruik van vorm, waarbij ze haar lijnen verharde en grotere velden van kleur haar composities liet bewonen. Een gevoel van kalme zelfvertrouwen kwam naar voren in haar schilderijen, misschien gerelateerd aan een leven dat nu in constante contemplatie van het essentiële werk dat ze voelde geboren te zijn, werd doorgebracht.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olie op doek. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Een nieuwe geometrie

Gedurende de jaren negentig en het begin van de jaren 2000 bleef Ayres zich verder ontwikkelen naar een gevoel van herkenbare vormen in haar composities. Aanwijzingen van natuurlijke objecten verschijnen en verdwijnen, zoals een maan of een zon, een horizonlijn, of een wereldse verzameling vormen die doet denken aan een feest op een tafel of bloemen in een veld. Sommige van haar composities flirten met geometrische vormen en patronen, zelfs als het maar in fragmenten is. Maar het is nog steeds niet zozeer realistische figuren die naar voren zijn gekomen in haar meest recente werken, maar eerder alsof een figuratieve abstracte visuele taal zich heeft geassert, vergelijkbaar met wat zich materialiseerde toen Matisse, in de latere fase van zijn carrière, zijn iconische hard-edge uitsneden ontwikkelde.

Deze visuele taal leent zich bijzonder goed voor het medium van de drukkunst, wat Ayres al lange tijd interesseert. In de afgelopen jaren heeft ze genoten van het maken van afdrukken en houtsneden tijdens de wintermaanden in haar studio. De kleuren in haar afdrukken zijn levendiger en purer dan ooit, waardoor gedurfde relaties ontstaan die het oog schokken met hun dynamische aanwezigheid. Ze verwijst naar het drukproces als iets dat verbindt met de drang om te reproduceren. Maar ondanks de wezenlijk reproductieve kwaliteit, voegt ze vaak handgeschilderde elementen toe aan veel van de afdrukken die ze maakt, waardoor elk kunstwerk uniek is. Deze fusie van mechanische processen en handschilderen resulteert in een gelaagde mix van texturen.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

Grensloze Innovatie

In een tijd waarin technologie en multimedia-praktijken schijnbaar voorop staan in elke kunstbeurs en biënnale, en wanneer openlijk sociale, culturele en politieke werken veel van de aandacht van de media trekken, is het een prestatie dat Gillian Ayres blijft bewijzen abstracte schilderkunst altijd relevant is. Ze heeft de druk van ontelbare trends weerstaan, terwijl ze trouw is gebleven aan haar eenvoudige liefde voor kleur, vorm, oppervlak en verf. In de traditie van de modernistische meesters die haar inspireerden, zoals Picasso, Matisse en Miro, heeft Ayres de waarde van schilderkunst aangetoond door tegelijkertijd te laten zien hoe eenvoudig en hoe gevarieerd het kan zijn.

En toch, ondanks haar eenzijdige liefde voor het medium, zijn haar esthetische visie en haar gewoonten voortdurend geëvolueerd. Ze heeft op verschillende manieren met een scala aan verschillende schildermediums gewerkt, waarbij ze de specifieke eigenschappen van elk medium verkende en omarmde. En door haar praktijk uit te breiden met drukprocessen heeft ze de grenzen van de schilderkunst zoveel mogelijk verlegd. Ze heeft bewezen complex te zijn, en toch heeft ze door de elementen van schilderkunst te reduceren tot kleur, vorm en ruimte meerdere generaties kijkers geleerd hoe ze simpelweg moeten kijken. “Men maakt zich vreselijk zorgen, op een onrustige manier,” zegt ze. “Ik wil iets vinden, en ik wil dat mijn schilderijen opbeurend zijn, maar ik denk niet dat ik weet hoe ik een afbeelding moet afmaken, en ik weet ook niet hoe ik moet beginnen. Mensen willen begrijpen, en ik wou dat ze dat niet deden. Ik wou dat ze gewoon keken.”

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

Uitgelichte afbeelding: Gillian Ayres - Sun Up (detail), 1960. Olieverf op doek. © Gillian Ayres
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio