Dappere Kleur en Geometrie in het Schilderwerk van Gillian Ayres

De befaamde Britse abstracte kunstenares Gillian Ayres maakt al bijna 70 jaar professioneel kunst. Sinds haar afstuderen aan de Camberwell School of Art in Londen in 1950, is ze nooit afgeweken van haar ene pure passie: schilderen. Zelfs te midden van wereldwijde stromingen zoals Conceptuele Kunst, Performancekunst, Landkunst, Installatiekunst en Multimedia-kunst, die elk de relevantie van haar werk ter discussie stelden, bleef Ayres toegewijd aan het eenvoudige uitgangspunt om beelden te maken met verf. Haar werk is altijd abstract geweest, hoewel haar stijl voortdurend is geëvolueerd. Wanneer haar wordt gevraagd naar de betekenis van haar oeuvre, of wat de drijfveer was voor een bepaald werk dat ze heeft gemaakt, leidt ze het gesprek weg van woorden. “Het is een visuele ervaring,” zegt ze, “geen literaire.”

Een Bepaalde Onrust

Als ze praat over haar vroege dagen op de kunstacademie, neemt Gillian Ayres een soort sluwe blik aan. Ze herinnert zich dat ze totaal afknapte op de lesmethoden van veel van haar docenten. Zij en de andere studenten moesten hele dagen besteden aan zaken zoals het herhaaldelijk tekenen van één lichaamsdeel van een model of het schetsen van een tafereel voor een Londens café. Ze ervoer de herhaling en onvermoeibare precisie als alledaags. Ze verlangde ernaar om de Moderne en abstracte kunst te ontdekken, en om het soort kunst te maken dat haar levendig, bruisend en vrij zou doen voelen.

Ze beschrijft zichzelf in die tijd als opstandig. Toch heeft ze gezegd: “Het is geen ambitie om tegen de stroom in te gaan. Ik denk niet dat er een verlangen was om opstandig te zijn. Ik denk dat men zich gewoon onrustig voelde.” Die onrust werd uiteindelijk bevestigd in het begin van de jaren 1950 toen ze voor het eerst het werk van Jackson Pollock ontmoette. De beelden die ze zag van hem terwijl hij op de vloer werkte, de verf op een losse, actieve, levende manier hanteerde, inspireerden haar, en ze wist meteen dat ze zo vrij wilde zijn. Tot op de dag van vandaag beschouwt Ayres Pollock als een grote inspiratie; niet omdat ze zijn techniek, stijl of het uiterlijk van zijn werk kopieerde, maar omdat hij haar een weg toonde om uit de klassieke chaos te breken.

Gillian Ayres - Distillatie, 1957. Olieverf en huishoudverf op hardboard. 84 x 60 inch. © Gillian Ayres

Een Ware Roeping

Nieuw vertrouwen kreeg Ayres in de jaren 1950, waarin ze een dynamische, levendige abstracte stijl ontwikkelde. Hoewel het werk haar het respect van andere schilders opleverde, en in beperkte mate van het publiek, waren modernisme en abstractie in Groot-Brittannië nog niet breed geaccepteerd. Ze had een klein aantal schilderijen geëxposeerd en verkocht, maar financieel succes ontbrak. Dus accepteerde ze met plezier een tijdelijke baan als docent aan de Bath Academy of Art, een kunstschool die bekend stond als vooruitstrevend. Ze bleef uiteindelijk zeven jaar aan Bath, daarna doceerde ze twaalf jaar aan de Saint Martin's School of Art en was ze drie jaar hoofd van de schilderafdeling aan de Winchester School of Art.

Tijdens het lesgeven bleef Ayres haar stijl ontwikkelen. Ze experimenteerde met biomorfe vormen, verkende verschillende kleurenpaletten en wisselde af tussen schilderachtige, impasto-werken en vlakke oppervlakken. Haar reputatie als rebel groeide, terwijl ze standvastig pleitte voor schilderen, terwijl bijna al haar collega’s hun studenten naar andere, meer hedendaagse media stuurden. Maar eind jaren 1970 kreeg ze een helder moment. Na bijna te zijn gestorven aan een acute alvleesklierontsteking, realiseerde ze zich dat ondanks haar succes als docent, ze eigenlijk alleen maar wilde schilderen. Ze beëindigde haar academische loopbaan en verhuisde naar het platteland van Wales om zich volledig aan haar kunst te wijden.

Gillian Ayres - Lokroep, 1963. Olie op doek. 152,4 x 152,4 cm. © Gillian Ayres

Kleur en Vorm

Nieuw toegewijd raakte Ayres volledig ondergedompeld in haar liefde voor verf. Ze was al geneigd naar een meer impasto, getextureerde stijl, en nu werd haar werk nog schilderachtiger, tastbaarder en weelderiger. Ze gebruikte haar blote handen om de verf te bewerken, waardoor ze direct en persoonlijk contact had met de oppervlakken. Haar schilderijen uit deze tijd lijken wel oeroude broedplaatsen voor nieuwe kleurrelaties en onvoorstelbare vormen. Ontelbare mogelijkheden barstten los uit de extatische composities, die ondanks hun complexiteit toch harmonie bereikten.

Rond deze tijd realiseerde Ayres zich dat ze geen interesse meer had in toon. Ze wilde niets van gedempte tinten of kleurnuances. Ze wilde intensiteit. En naast haar focus op levendige, pure kleur, begon ze ook meer naar een figuratief gebruik van vorm te neigen, verstevigde haar lijnen en liet grotere vlakken kleur haar composities vullen. Een gevoel van kalme zelfverzekerdheid kwam naar voren in haar schilderijen, wellicht gerelateerd aan een leven dat nu werd doorgebracht in voortdurende overdenking van het essentiële werk waarvan ze voelde dat ze het geboren was om te doen.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olie op doek. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Een Nieuwe Meetkunde

Gedurende de jaren 1990 en vroege jaren 2000 bleef Ayres zich verder ontwikkelen naar een gevoel van herkenbare vormen in haar composities. Hints van natuurlijke voorwerpen verschijnen en verdwijnen, zoals een maan of een zon, een horizonlijn, of een wereldse verzameling vormen die lijken op een feestmaal op tafel of bloemen in een veld. Sommige van haar composities flirten met geometrische vormen en patronen, al is het maar in fragmenten. Maar het is nog steeds niet zozeer realistische voorstelling die in haar meest recente werken is verschenen, als wel een soort figuratieve abstracte beeldtaal die zich heeft geuit, vergelijkbaar met wat zich voordeed toen Matisse, in de latere fase van zijn carrière, zijn iconische hard-edge knipsels ontwikkelde.

Deze beeldtaal leent zich bijzonder goed voor het medium van de drukkunst, dat Ayres al lang interesseert. In de afgelopen jaren heeft ze genoten van het maken van prenten en houtsneden tijdens de wintermaanden in haar atelier. De kleuren in haar prenten zijn levendiger en puurder dan ooit, en creëren gedurfde relaties die het oog schokken met hun dynamische aanwezigheid. Ze noemt het drukproces iets dat aansluit bij de drang tot vermenigvuldigen. Maar ondanks het wezenlijk reproductieve karakter voegt ze vaak met de hand geschilderde elementen toe aan veel van de prenten die ze maakt, waardoor elk kunstwerk uniek wordt. Deze samensmelting van mechanische processen en handschildering resulteert in een gelaagde mengeling van texturen.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftgrond & aquatint met carborundum (siliciumcarbide) & handschildering op papier. 68,6 x 78,7 cm. © Gillian Ayres

Grenzeloze Vernieuwing

In een tijdperk waarin technologie en multimedia-praktijken de voorgrond lijken te vormen op elke kunstbeurs en biënnale, en wanneer openlijk sociaal, cultureel en politiek werk veel aandacht van de media krijgt, is het een prestatie dat Gillian Ayres blijft bewijzen dat abstract schilderen altijd relevant is. Ze heeft de druk van ontelbare trends weerstaan, terwijl ze trouw bleef aan haar eenvoudige liefde voor kleur, vorm, oppervlak en verf. In de traditie van de modernistische meesters die haar inspireerden, zoals Picasso, Matisse en Miro, heeft Ayres de waarde van schilderen aangetoond door tegelijkertijd te laten zien hoe eenvoudig en hoe gevarieerd het kan zijn.

En toch, ondanks haar eenzijdige liefde voor het medium, zijn haar esthetische visie en haar gewoonten voortdurend vooruitgegaan. Ze heeft op verschillende manieren met uiteenlopende schildermedia gewerkt, waarbij ze de eigenheid van elk medium verkende en omarmde. En door haar praktijk uit te breiden met druktechnieken heeft ze de grenzen van het schilderen telkens opgezocht. Ze heeft bewezen complex te zijn, en toch heeft ze door de elementen van schilderen terug te brengen tot kleur, vorm en ruimte meerdere generaties kijkers geleerd om simpelweg te kijken. “Men maakt zich vreselijk zorgen, op een onrustige manier,” zegt ze. “Ik wil iets vinden, en ik wil dat mijn schilderijen opbeurend zijn, maar ik denk niet dat ik weet hoe ik een schilderij moet afmaken, en ik weet ook niet hoe ik moet beginnen. Mensen willen begrijpen, en ik wou dat ze dat niet deden. Ik wou dat ze gewoon keken.”

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftgrond & aquatint met carborundum (siliciumcarbide) & handschildering op papier. 55,9 x 45,7 cm. © Gillian Ayres

Afbeelding uitgelicht: Gillian Ayres - Sun Up (detail), 1960. Olie op doek. © Gillian Ayres
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio