Centre Pompidou tar et nytt blikk på kubismen i en omfattende ny utstilling

Den 17. oktober åpner den første store kubistutstillingen i Paris på 65 år ved Centre Pompidou. Kubisme (1907-1917) samler mer enn 300 verk i et forsøk på å utvide vår forståelse av en av de mest innflytelsesrike kunstbevegelsene på 1900-tallet. De fleste kubistutstillinger fokuserer på grunnleggerne av bevegelsen: Pablo Picasso og Georges Braque. Denne utstillingen setter også søkelyset på deres arbeid, men den går langt utover dette begrensede omfanget. Den begynner med å undersøke sjelden utstilte verk av Paul Cézanne og Paul Gauguin sammen med eksempler på tradisjonell afrikansk kunst som påvirket Picasso. Den utforsker deretter galaksen av kunstnere rundt Picasso og Braque, som tok deres oppdagelser og utvidet dem til flere andre distinkte posisjoner. Ikke bare er malerier inkludert, men noen av de mest kjente eksemplene på kubistisk skulptur er også utstilt, som pappgitaren Picasso laget i 1914. Til slutt ser vi arven etter kubismen gjennom verkene til kunstnere som Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi og Piet Mondrian. Ifølge kuratorene er målet med denne ambisiøse utstillingen rett og slett å tilby publikum en bredere oversikt over historien til denne viktige bevegelsen. Men det de faktisk har oppnådd, går litt dypere. De har satt sammen en håpefull utstilling, en som oppfordrer oss til å omfavne ideene til våre samtidige, og uhemmet bygge videre på fortidens geni.

Et skifte i perspektiv

Det finnes mange forskjellige forklaringer på kubisme. Noen beskriver det som en geometrisk måte å male verden på. Andre kaller det en måte å introdusere den fjerde dimensjonen i kunsten ved å vise bevegelse. Andre sier at det var en abstrakt reduksjon av formene og figurene som finnes i hverdagen. Den beste forklaringen jeg noen gang har hørt er at kubisme var et forsøk på å revurdere perspektiv. Siden renessansen har vestlig kunst vært guidet av spesifikke regler når det gjelder visuell kunst—regler om realisme, akseptabelt innhold og perspektiv. Malerier ble forventet å imitere livet ved å omfavne dybde, perspektiv og andre illusoriske verktøy. Gjennom 1800-tallet ble imidlertid disse reglene utfordret. Impresjonistene utfordret reglene om emne, og laget verk som utelukkende handlet om lys. Divisjonistene brukte eksperimentelle penselstrøk for å stille spørsmål ved om farge eksisterer i det virkelige liv eller bare tolkes i hjernen. Postimpresjonistene omfavnet mystikk, symbolisme og spiritualitet, og beviste at formelle elementer som farge og rom kunne i seg selv være verdt å forfølge som innhold.

Paul Gauguin - Vær mystiske, 1890. Polykromt bas-relieff i lindetre, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Kubisme la til denne blandingen ideen om at virkeligheten oppfattes på en helt annen måte av det menneskelige øyet enn hvordan den vanligvis blir fremstilt i kunsten. Når vi ser noe, ser vi det ikke flatt ut og perfekt stille. Verden er alltid i bevegelse, og vi beveger oss alltid gjennom den. Vi ser biter og deler av den fra forskjellige vinkler. Lyset endrer seg konstant. Verden er delt opp i biter og deler—noen av dem er usynlige, men vi vet at de er der. Kubisme forsøker å vise fragmentene av virkeligheten gjenforent i en enkelt komposisjon. Den analyserer verden fra flere samtidige perspektiver, dekonstruerer livet for å vise dets kompleksitet. Kubisme (1907-1917) demonstrerer hvordan, i denne henseende i det minste, Cézanne var langt foran Picasso og Braque. Et av de tidligste verkene i utstillingen er Cézanne-maleriet "La Table de cuisine" (1890). Fra bordet i forgrunnen til kurvene og stolene og tallerkenene, er hvert element i bildet vist fra et subtilt annet synspunkt. Samtidighet av perspektiver oppnås i dette verket, og erklærer det som tydelig proto-kubistisk 18 år før Picasso og Braque kom til den samme ideen.

Paul Cézanne - Kjøkkenbordet. (Stilleben med kurv), ca. 1888-1890. Olje på lerret, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Kunst å låne

En av de mest forfriskende aspektene ved kubismen (1907-1917) er at den ikke skyr unna det faktum at disse kunstnerne lånte fritt fra hverandre. Vi legger noen ganger så stor vekt på originalitet, og krever at kunstnere skal innovere vilt. Denne utstillingen viser at noen ganger betyr innovasjon ganske enkelt å ta et lite skritt fremover basert på prestasjonene til andre. Vi ser "Masque krou," fra Côte d’Ivoire, en av de afrikanske maskene som direkte inspirerte Picasso. Ansiktet er delt opp i kvadranter; øynene er ubalanserte; trekkene er delt opp i geometriske områder av skygge og lys. To nærliggende malerier av Picasso—"Portrait de Gertrude Stein" (1905-1906) og hans selvportrett fra 1907—viser hvor presist Picasso imiterte det visuelle språket til den afrikanske masken. Likevel ser vi hvordan han dissekerte disse formelle aspektene og tok det neste steget, ved å bruke ideene til å dekonstruere objekter i rommet i malerier som "Pains et compotier aux fruits sur une table" (1908-1909), og for å avdekke de usette aspektene av karakter i verk som "Portrait d’Ambroise Vollard" (1910).

Pablo Picasso - Portrett av Gertrude Stein, 1905-1906. Olje på lerret, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / bilde av MMA. © Succession Picasso 2018

Etter hvert som utstillingen fortsetter, ser vi hvordan Sonia Delaunay dermed lånte det geometriske språket til Picasso—ikke for å utforske den fysiske verden, men for å bruke formene til å utforske den metafysiske potensialet i fargeforhold. Vi ser hvordan Piet Mondrian også lånte de geometriske aspektene av kubismen, men i motsetning til Picasso, som kompliserte virkeligheten, brukte Mondrian geometri for å forenkle verden til dens mest grunnleggende elementer. Vi ser hvordan kunstnere som Juan Gris lånte fra kubismen for å skape en mer grafisk kunstnerisk stil, som skulle inspirere plakatkunstnere. Og vi ser hvordan kollasjene av syntetisk kubisme inspirerte Dadaister som Francis Picabia. Vi ser også såkalte "Tubist"-verk av Fernand Léger, som illustrerer en nyansert endring av kubiststilen som ble en forløper for popkunst. Vakkert, det er ingen skam i denne progresjonen av innflytelser. Tvert imot. Den gjennomtenkte kurateringen minner oss om den rene gleden ved å bygge videre på ideene til andre. Ingen ville si at noen av disse kunstnerne manglet fantasi. Tvert imot, Kubisme (1907-1917) beviser at noen ganger er fantasi enda mer fruktbar når den ber om hjelp.

Utvalgt bilde: Pablo Picasso - Gitar, Paris, januar-februar 1914. Metallplate og jern, 77,5 x 35 x 19,3 cm. Museum of Modern Art, New York. © 2018. Digitalt bilde, Museum of Modern Art, New York/Scala, Firenze. © Succession Picasso 2018
Av Phillip Barcio