Centre Pompidou tar et nytt blikk på kubismen i en omfattende ny utstilling

Den 17. oktober åpner den første store kubistutstillingen i Paris på 65 år ved Centre Pompidou. Kubismen (1907-1917) samler over 300 verk i et forsøk på å utvide vår forståelse av en av de mest innflytelsesrike kunstretningene på 1900-tallet. De fleste kubistutstillinger fokuserer på bevegelsens grunnleggere: Pablo Picasso og Georges Braque. Denne utstillingen setter også søkelys på deres arbeid, men går langt utover dette begrensede perspektivet. Den begynner med å undersøke sjelden viste verk av Paul Cézanne og Paul Gauguin sammen med eksempler på tradisjonell afrikansk kunst som påvirket Picasso. Deretter utforskes kunstnergalleriet rundt Picasso og Braque, som tok deres oppdagelser og utvidet dem til flere andre distinkte retninger. Ikke bare malerier er inkludert, men noen av de mest kjente eksemplene på kubistisk skulptur vises også, som pappgitaren Picasso laget i 1914. Til slutt ser vi kubismens arv gjennom verk av kunstnere som Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi og Piet Mondrian. Ifølge kuratorene er målet med denne ambisiøse utstillingen å tilby publikum en bredere oversikt over historien til denne viktige bevegelsen. Men det de faktisk har oppnådd går litt dypere. De har satt sammen en håpefull utstilling, en som oppmuntrer oss til å omfavne ideene til våre samtidige og uhemmet bygge videre på fortidens geni.

Et skifte i perspektiv

Det finnes mange ulike forklaringer på kubismen. Noen beskriver det som en geometrisk måte å male verden på. Andre kaller det en måte å introdusere den fjerde dimensjonen i kunsten ved å vise bevegelse. Atter andre sier det var en abstrakt reduksjon av former og figurer funnet i hverdagslivet. Den beste forklaringen jeg noen gang har hørt er at kubismen var et forsøk på å revurdere perspektivet. Siden renessansen har vestlig kunst vært styrt av bestemte regler når det gjelder billedkunst – regler om realisme, akseptabelt innhold og perspektiv. Malerier skulle etterligne livet ved å omfavne dybde, perspektiv og andre illusoriske virkemidler. Gjennom 1800-tallet ble imidlertid disse reglene utfordret. Impresjonistene utfordret reglene om motivvalg og laget verk som utelukkende handlet om lys. Divisjonistene brukte eksperimentelle penselstrøk for å stille spørsmål ved om farge eksisterer i virkeligheten eller bare tolkes i hjernen. Postimpresjonistene omfavnet mystikk, symbolikk og åndelighet, og viste at formale elementer som farge og rom i seg selv kunne være verdt å utforske som innhold.

Paul Gauguin - Soyez mystérieuses, 1890. Polykromt lavrelieff i lindetre, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Kubismen tilføyde denne blandingen ideen om at virkeligheten oppfattes svært annerledes av det menneskelige øyet enn hvordan den vanligvis fremstilles i kunsten. Når vi ser noe, ser vi det ikke flatet ut og helt stille. Verden er alltid i bevegelse, og vi beveger oss alltid gjennom den. Vi ser biter og deler av den fra ulike vinkler. Lyset endrer seg konstant. Verden er brutt opp i biter og deler – noen av dem usynlige, men vi vet at de er der. Kubismen forsøker å vise fragmentene av virkeligheten satt sammen til en enkelt komposisjon. Den analyserer verden fra flere samtidige perspektiver, og dekonstruerer livet for å vise dets kompleksitet. Kubismen (1907-1917) viser hvordan Cézanne, i det minste i denne sammenhengen, var langt foran Picasso og Braque. Et av de tidligste verkene i utstillingen er Cézannes maleri «La Table de cuisine» (1890). Fra bordet i forgrunnen til kurver, stoler og fat, vises hvert element i bildet fra et subtilt forskjellig synspunkt. Samtidighet av perspektiver oppnås i dette verket, og erklærer det som tydelig proto-kubistisk 18 år før Picasso og Braque kom til samme idé.

Paul Cézanne - La Table de cuisine. (Stilleben med kurv), ca. 1888-1890. Oljemaleri på lerret, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Kunsten å låne

En av de mest forfriskende sidene ved Kubismen (1907-1917) er at den ikke viker unna det faktum at disse kunstnerne fritt lånte fra hverandre. Vi legger noen ganger stor vekt på originalitet og krever at kunstnere skal innovere vilt. Denne utstillingen viser at innovasjon noen ganger bare betyr å ta et lite skritt fremover ved å bygge videre på andres prestasjoner. Vi ser «Masque krou» fra Elfenbenskysten, en av de afrikanske maskene som direkte inspirerte Picasso. Ansiktet er delt inn i fire deler; øynene er ubalanserte; trekkene er delt opp i geometriske områder av skygge og lys. To nærliggende malerier av Picasso – «Portrait de Gertrude Stein» (1905-1906) og hans selvportrett fra 1907 – viser hvordan Picasso nøyaktig imiterte det visuelle språket til den afrikanske masken. Men så ser vi hvordan han dissekerte disse formale aspektene og tok neste steg, ved å bruke ideene til å dekonstruere objekter i rommet i malerier som «Pains et compotier aux fruits sur une table» (1908-1909), og for å avsløre de usette sidene ved karakter i verk som «Portrait d’Ambroise Vollard» (1910).

Pablo Picasso - Portrait de Gertrude Stein, 1905-1906. Oljemaleri på lerret, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / bilde av MMA. © Succession Picasso 2018

Etter hvert som utstillingen skrider frem, ser vi hvordan Sonia Delaunay lånte Picassos geometriske språk – ikke for å utforske den fysiske verden, men for å bruke formene til å utforske fargers metafysiske potensial. Vi ser hvordan Piet Mondrian også lånte de geometriske aspektene ved kubismen, men i motsetning til Picasso som kompliserte virkeligheten, brukte Mondrian geometri for å forenkle verden til dens mest grunnleggende elementer. Vi ser hvordan kunstnere som Juan Gris lånte fra kubismen for å skape en mer grafisk kunststil, som senere inspirerte plakatkunstnere. Og vi ser hvordan kollasjene fra syntetisk kubisme inspirerte dadaister som Francis Picabia. Vi ser også såkalte «tubistiske» verk av Fernand Léger, som illustrerer en nyansert endring av kubiststilen som ble en forløper for popkunst. Vakkert nok er det ingen skam i denne utviklingen av påvirkninger. Tvert imot. Den gjennomtenkte kurateringen minner oss om den rene gleden ved å bygge videre på andres ideer. Ingen ville si at noen av disse kunstnerne manglet fantasi. Tvert imot viser Kubismen (1907-1917) at fantasi noen ganger er enda mer fruktbar når den ber om hjelp.

Utvalgt bilde: Pablo Picasso - Guitare, Paris, januar-februar 1914. Metallplate og jern, 77,5 x 35 x 19,3 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018. Digitalt bilde, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Firenze. © Succession Picasso 2018
Av Phillip Barcio