Definerende øyeblikk i historien om abstrakt kunst

Ord kan være så kontroversielle. Vi ønsker bare å diskutere historien om abstrakt kunst. Men den setningen er full av konseptuelle farer. (Hvis historie? Hva er kunst? Hva betyr det å være abstrakt?) For å være presis burde vi kanskje gi denne artikkelen en tittel som, «Definerende øyeblikk i hendelseskjeden som utgjør den allment aksepterte tidslinjen for vestlig sivilisasjon knyttet til objekter og fenomener skapt av selvutnevnte kunstnere som ikke har til hensikt å være representerende for objektiv visuell virkelighet.» Men det er ikke akkurat en klikkvennlig overskrift. (Eller er det?) For å bevare fornuften, la oss i denne artikkelen legge semantikken til side og bare starte helt fra begynnelsen.

Forhistorien til abstrakt kunst

Blant de tidligste merkene fra forhistoriske huleboere var linjer, riper og håndavtrykk. Vår beste tolkning er at de var symbolske. Gjør det dem til de første eksemplene på abstrakt kunst ? Kanskje. Men selv de representasjonelle bildene våre eldgamle forfedre etterlot seg er ikke akkurat fotorealistiske. Det som mangler i våre analyser er en forståelse av hva de tidligste kunstnerne hadde til hensikt. Når vi snakker om abstrakt kunst, mener vi kunst som var spesielt ment å være abstrakt. Siden vi ikke kan vite hva forhistoriske kunstnere ønsket å formidle gjennom sine bilder, kan vi ikke bedømme om det var abstrakt, eller om det i det hele tatt er kunst. Det kan ha hatt nytteformål for alt vi vet. Så vi hopper fremover, langt fremover, til en bedre dokumentert tid, da kunstnernes intensjoner var klarere.

Henri Matisse - Kvinne med hatt, 1905, olje på lerret, 31 3/4 × 23 1/2 tommer, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Før tidlig på 1800-tallet kan det trygt sies at de aller fleste kunstnere mesteparten av tiden ikke hadde luksusen av å bestemme hva de skulle lage. De fleste kunstnere før den romantiske epoken var avhengige av støtte fra religiøse institusjoner eller annen autoritær makt for å overleve. Konger og hellige menn bestemte derfor motivene i de fleste av disse kunstnernes verk. Etter hvert som dette patronatsystemet avtok, dukket andre måter å overleve på opp for kunstnerne. Et gallerisystem vokste frem; uavhengige kunsthandlere begynte å representere kunstneres arbeider; velstående personer og private institusjoner begynte å støtte kunstnere og samle verkene deres. For første gang fikk kunstnerne muligheten til å svare selv på spørsmålet: «Hva vil jeg lage?» Umiddelbart fulgte det neste uunngåelige spørsmålet: «Hvorfor vil jeg lage det?» Svaret på det spørsmålet er en ledende årsak til den senere oppblomstringen av abstrakt kunst, og er kanskje det mest varige begrepet som oppstod i den romantiske epoken; uttrykt av mange tenkere på den tiden, og oppsummert av franskmennene som «L'art pour l'art.» Kunst for kunstens skyld. Eller som forfatteren Edgar Allan Poe uttrykte det i 1850: «…ville vi bare tillate oss å se inn i våre egne sjeler, ville vi straks oppdage at under solen finnes det verken eller kan finnes noe verk mer gjennomført verdig, mer overmåte edelt, enn dette diktet… skrevet utelukkende for diktets skyld.»

Andre Derain - De tørkende seil, 1905, olje på lerret, 82 x 101 cm, © Pushkinmuseet, Moskva

Første inntrykk

Når kunstnerne ble frigjort fra begrensningene av forhåndsbestemt motiv, begynte de også å frigjøre seg fra andre begrensninger. Fra omtrent 1850- til 1870-årene ga den estetiske bevegelsen kunstnere mulighet til å lage kunst utelukkende for estetiske formål, i stedet for å fokusere på motiver knyttet til kultur, samfunn og politikk. Så kom impresjonistene, kunstnere basert i Paris som laget verk med sterkt fokus på gjengivelsen av lysets egenskaper, og startet en destillering av de individuelle estetiske elementene i et kunstverk. På 1880-tallet utviklet maleren Georges Seurat en teknikk for å bygge opp et bilde helt og holdent av små prikker. Denne teknikken, kjent som pointillisme, skapte forvrengte, men likevel representasjonelle bilder. Pointillisme bidro til fremveksten av eksperimentelle penselstrøk og komposisjonsteknikker som antydet en tendens mot abstraksjon. Denne tendensen ble videreutviklet gjennom postimpresjonismen, da kunstnere begynte å eksperimentere med symbolikk og vilkårlig bruk av farge, form og linje.

Alt er subjektivt

På 1900-tallet bidro ekspresjonistene til trenden mot ren abstraksjon med sitt fokus på subjektivitet. Ved å dramatisk forvrenge sine bilder søkte de å presentere et dypt personlig synspunkt, mer representativt for følelser enn for fysisk virkelighet. I denne perioden vokste også fauvistene frem, malere som nesten utelukkende fokuserte på sterke farger og maleriske merker. For fauvistene var motivet underordnet de estetiske komponentene i verket. På dette tidspunktet var fremveksten av ren abstraksjon uunngåelig. Overalt arbeidet kunstnere med symbolske representasjoner av virkeligheten, og strebet etter å formidle ideer og følelser på måter som ikke var knyttet til motiv. De abstrakterte med andre ord. Men hvem var den første som lyktes i å lage et maleri som var rent abstrakt?

Hans Hofmann - Rising Moon, 1965, olje på lerret, privat samling, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Kan den ekte første abstrakte kunstneren vennligst reise seg?

Nesten alle historikere er enige om at det første abstrakte maleriet var Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor), malt i 1910. Bestående av livlig fargede flekker, sirkler, linjer, kruseduller og fargeflater satt sammen på tilsynelatende tilfeldig vis, refererer verket på ingen måte til eksisterende visuelle elementer i den fysiske verden. Konspiratorisk kan vi, bare for moro skyld, anta at Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) ikke var det første rent abstrakte maleriet. Et år tidligere, i 1909, malte den franske avantgardekunstneren Francis Picabia Caoutchouc, et proto-kubistisk verk med uidentifiserbare geometriske former innhyllet i tilsynelatende urelaterte fargeflater. Dette verket synes på ingen måte å representere objektiv visuell virkelighet. Ordet Caoutchouc betyr løst naturlig gummisaft, en referanse til råmaterialet for å lage vulkanisert gummi. Siden vi aldri har analysert de visuelle elementene i uvulkanisert gummi, kan vi ikke si, men kanskje dette maleriet er representativt. Hvem vet? Det vi vet er at Kandinsky var en ivrig kunstteoretiker og produktiv kunstskribent. Han skrev entusiastisk om sin jakt på å skape verdens første rent abstrakte kunstverk. Han snakket åpent om både sin intensjon om å bli grunnleggeren av abstrakt kunst, og sin suksess i å oppnå det. Ingen kan benekte at det var hans intensjon å være den første, uansett om noen før ham ved et uhell slo ham til det.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, olje på lerret, 85 1/4 x 73 1/2 tommer (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Hva Kandinsky definitivt gjorde

Ved å åpent kunngjøre sin intensjon om å lage ren abstrakt kunst, frigjorde Kandinsky kunstnere fra deres avhengighet av referanser til den observerbare verden. Han skilte kunsten fra dens tidligere logikk. Han åpnet feltet for dyp og rask eksperimentering. Han førte til modenhet løftet fra romantikerne, at, som Caspar David Friedrich, den tyske romantiske kunstneren sa, «Kunstnerens følelse er hans lov.»

Wassilly Kandinsky - Komposisjon IV, 1911, olje på lerret, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Tyskland

Verden i krig

Gjennom de påfølgende tiårene eksperimenterte kunstnere vilt med abstraksjon. Mange nye stiler oppsto, påvirket av abstraksjonens kall til frihet, og også av grusomhetene under første verdenskrig og fremveksten av den mekaniske tidsalder. Kubismen påvirket kunstnere til å redusere sitt visuelle språk til dets mest grunnleggende byggesteiner. Futurismen viste livskraften og kraften i linjen. Dadaismen utfordret meningen med kunst, og stadfestet kunstens frihet fra og avvisning av borgerskapet. På 1920-tallet åpnet surrealisme kunstnernes sinn for det underbevisstes kraft. Med sitt fokus på drømmelignende bilder og sin avvisning av bevisst logikk, påvirket den sterkt abstrakte kunstnere til å eksperimentere mer med teknikker, medier og metoder som kunne knytte dem nærmere til deres ubevisste selv.

Wassiliy Kandinsky - Komposisjon 6, 1913, olje på lerret, 76 2/5 × 115 7/10 tommer, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Lag det nytt!

På 1930-tallet regnes den tyskfødte amerikanske maleren Hans Hofmann for å ha spredd til Amerika de grunnleggende filosofiene i det som kom til å bli kjent som modernismen, den siste utgaven av avvisningen av fortidens måter og metoder. Selv en abstrakt maler, oppmuntret Hofmann sine elever fra California til New York til å ta i bruk nye metoder for billedskapning, i søken etter måter å møte og uttrykke angst og undring i et raskt industrialiserende samfunn. I 1934 oppsummerte poeten Ezra Pound modernistenes holdning med sin nå berømte oppfordring til kunstnere: «Lag det nytt!» Pound var en kontroversiell skikkelse, som til slutt flyttet til Italia, hvor han støttet ledende fascistiske skikkelser under andre verdenskrig. Likevel slo hans entusiastiske avvisning av det gamle rot i tankene til abstrakte kunstnere, og førte til kraftige endringer i nær fremtid.

Wasilly Kandinsky - Svart flekk I (detalj), 1912, olje på lerret. 39,4 × 51,2 tommer (100,0 × 130,0 cm), Det russiske museet, St. Petersburg, Russland

En ny renhet

Etter to verdenskriger, en global depresjon, hungersnød, grusomheter og to atomangrep på befolkede byer, kan ikke omfanget av den gjennomsnittlige menneskets angst på midten av 1940-tallet overdrives. Denne angsten ga opphav til ny og utbredt interesse for det relativt unge feltet psykoanalyse. Blant de mange millioner som vendte seg til psykoanalyse i denne tiden var Jackson Pollock , en av de ledende medlemmene i en gruppe kunstnere kjent som abstrakte ekspresjonister. Pollock ble introdusert for psykoanalyse under rehabilitering. Det åpnet hans sinn for den urtidskunnskap som lå låst i hans underbevissthet. Mange av hans samtidige søkte nye måter å knytte seg til den skjulte essensen av sin menneskelighet, og arbeidet for å uttrykke rå, urfølelse gjennom sine malerier. Pollock søkte skjulte bilder, i håp om å kunne knytte seg til noe dypt inne i seg selv, noe renere enn det som hittil var uttrykt gjennom abstrakt kunst. Rundt 1947 banet Pollock vei for sin nå ikoniske dryppeteknikk. Denne teknikken innebar påføring av maling på en flate ved hjelp av krefter som tyngdekraft og bevegelsesmengde, i stedet for direkte kontakt med verktøy på lerret. Ved å omfavne dette nye nivået av fysiskhet, og fullstendig avvise all følelse av gjenkjennelig form, trådte Pollock inn i et nytt rike av ren abstraksjon basert helt på underbevisst intensjon, farge, bevegelse, kraft og styrke.

Wassily Kandinsky - Kandinskys første abstrakte akvarell, 1910, akvarell og indisk blekk og blyant på papir, 19,5 × 25,5 tommer (49,6 × 64,8 cm), Paris, Centre Georges Pompidou

Slutten på begynnelsen

Pollocks arbeid oppfylte på mange måter løftet om abstraksjon: den totale frigjøringen av kunstneren fra begrensningene i estetiske forventninger. Kanskje førte hans innsats også til abstraksjonens logiske sluttpunkt. Pollock satte skarpt fokus på viktigheten av tekstur, materialitet, prosess og ideen om å se et kunstverk ikke som en flate for å formidle kunst, men som en samlet form i seg selv. Selv om dette er reflektert i en urfølelse i Pollocks arbeid, er disse begrepene integrert i arbeidet til minimalistene , som erstattet de abstrakte ekspresjonistene som de mest innflytelsesrike kunstnerne på 1960-tallet. Som Kandinsky var også den ledende medlemmen av minimalistbevegelsen, Donald Clarence Judd, en ivrig kunstteoretiker og forfatter. Selv om han avviste minimalistmerkelappen, ble Judd representant for ideene om å redusere det visuelle språket og rense begrepene form og rom. I stedet for å avvise gjenkjennelige visuelle referanser og objektiv virkelighet, manifesterte minimalistiske kunstnere som Judd, Sol LeWitt, Barcio og Frank Stella formene, fargene, formene og linjene som ofte utforskes i abstrakt kunst, og ga dem fysisk rom på en representativ måte.

Jackson Pollock - Konvergens, 1952, Albright-Knox kunstgalleri, Buffalo, NY, USA

Det nye nye

Historien om abstrakt kunst er historien om kunstneres søken etter frihet. Det betyr i dag at kunstnere er frie til å uttrykke seg på hvilken måte de vil, og utforske hvilken metode som helst som driver dem. Skjønnheten i dagens åpne stil er at en kunstner kan bruke hvilken som helst stil, medium eller metode som fungerer best for å realisere en idé. Selv om minimalismen kan ha satt abstrakt kunst til side på 1970-tallet, har abstraksjon kommet tilbake i mange kunstneres praksis. Samtidskunstnere innen abstrakt maleri drar nytte av den åpne tankegangen til sine forgjengere. Abstraksjon fortsetter å knytte oss til noe som objektiv virkelighet ikke kan forklare; noe dypt inne i oss som strekker seg utover det synlige.

Utvalgt bilde: Wassily Kandinsky - Kandinskys første abstrakte akvarell, 1910, foto via Wikipedia

Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål

Av Phillip Barcio