Dziedzictwo Sir Howarda Hodgkina

Znany brytyjski malarz abstrakcyjny i grafik Howard Hodgkin był jednym z najbardziej uhonorowanych artystów swojego pokolenia. Reprezentował Wielką Brytanię na Biennale w Wenecji w 1984 roku i zdobył Nagrodę Turnera w 1985 roku. W 1976 roku został przyjęty do Najwspanialszego Orderu Imperium Brytyjskiego (CBE); w 1992 roku otrzymał tytuł szlachecki; a w 2003 roku królowa Elżbieta II wprowadziła go do Orderu Towarzyszy Honoru, gdzie dołączył do wąskiego grona zaledwie trzech innych artystów abstrakcyjnych — Henry’ego Moore’a, Victora Pasmore’a i Bridget Riley — którzy otrzymali to samo wyróżnienie. Sława, jaką Hodgkin ostatecznie osiągnął w swojej karierze, kontrastuje wyraźnie z trudnościami, jakie napotkał na początku swojej drogi zawodowej. W 1981 roku Hodgkin stwierdził: „Myślę, że miałem szczęście, bo nie odnosiłem żadnych sukcesów aż do średniego wieku, ale było wiele gorzkich chwil, gdy tak długo nikt nie chciał w ogóle oglądać moich obrazów.” W swoich trzydziestkach był tak przygnębiony odrzuceniem, że rozważał samobójstwo. Jednak zamiast poddać się rozpaczy, ponownie poświęcił się estetycznemu wyrażaniu swojego wnętrza. Im głębiej Hodgkin zagłębiał się w siebie, tym bardziej intuicyjnie rozumiał związek między emocją a formalnymi elementami sztuki, takimi jak kolor i farba; a jego prace stawały się coraz bardziej abstrakcyjne. Pod koniec życia Hodgkin stworzył charakterystyczny dorobek oparty na uproszczonym stylu, który przekazywał surowe uczucia w najprostszy i najbardziej bezpośredni sposób.

Postacie i uczucia

Od dawna toczy się dyskusja, czy powinniśmy nazywać Howarda Hodgkina artystą figuratywnym czy abstrakcyjnym. Jego wczesne prace wyraźnie opierały się na rzeczywistości, przedstawiając postacie w wnętrzach, czasem w sytuacjach społecznych. Jednak w miarę rozwoju kariery zacierał granicę między abstrakcją a figuracją, tworząc obrazy, które znajdowały się na przecięciu obu tych nurtów. Zamiast zajmować się wyłącznie konkretną treścią ze swojego życia, badał, jak formalne elementy, takie jak kolor, wzór i powierzchnia, mogą wywoływać emocjonalne elementy w jego obrazach. Przez kolejne dziesięciolecia jego obrazy zawierały drobne elementy figuratywne ukryte w abstrakcyjnych polach kolorystycznych, kształtach i wzorach. Ale nawet gdy malował coś, co większość widzów uznałaby za czysto abstrakcyjne, Hodgkin sam lubił mówić, że praca ta nadal jest figuratywna, ponieważ wszystko było ściśle związane z trwającą narracją opartą na jego osobistej rzeczywistości.

Hodgkin zaczął pokazywać swoje obrazy w 1950 roku, mając 18 lat, będąc jeszcze studentem. W rzeczywistości jedno z jego najwcześniejszych dzieł, gwaszowe malowidło na desce zatytułowane Memoirs, namalowane gdy miał zaledwie 16 lat, jest przez niektórych fanów uważane za jedno z jego najlepszych. Pierwszą solową wystawę miał w 1962 roku w renomowanej galerii Arthur Tooth & Sons w Londynie. Unikalne połączenie figuracji i abstrakcji, które definiowało prace na tej wystawie, wyróżniało Hodgkina jako artystę wyjątkowego i odważnego. Jednak brytyjska publiczność nie od razu zrozumiała jego twórczość, a wystawa nie odniosła sukcesu komercyjnego. Minęła prawie dekada, zanim widzowie w jego ojczyźnie zaczęli doceniać jego wyjątkowy talent.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gwasz na desce, 8 5/8 x 9 7/8 cali, © Majątek Howarda Hodgkina

Wspomnienia z Indii

Już na wczesnym etapie życia Howard Hodgkin zdał sobie sprawę, że obrazy, które chce malować, są bardziej estetycznymi reliktami jego własnych wspomnień. Jako ktoś, kto szczególnie kochał podróże, wiele z jego najsilniejszych wspomnień dotyczyło spektakularnych krajobrazów i niezwykłych ludzi, których spotkał za granicą. Niektóre z najbardziej udanych grafik, które stworzył, dotyczyły podróży do Indii. W serii sitodruków zatytułowanej Indian Views poruszał temat małych, poziomych okienek typowych dla bocznych ścian pociągów w tym kraju. Obrazy te można odczytywać jako proste pejzaże z linią horyzontu, ale także jako abstrakcyjne pola kolorystyczne.

Oprócz emocjonalnego użycia koloru, jego sitodruki z serii Indian View wyróżniają się także tym, że zawierają archetypiczny estetyczny element ramy, który z czasem stał się dla Hodgkina niezwykle ważny. W wielu swoich abstrakcyjnych obrazach malował prostokątną ramę otaczającą obraz. Później zaczął oprawiać swoje powierzchnie w rzeczywiste drewniane ramy, a następnie malował obraz zarówno na powierzchni, jak i na ramie, łącząc oba elementy. Malowana rama definiowała jego obrazy jako obiekty odporne na zewnętrzne ingerencje i wyjaśniała, że ich znaczenie jest całkowicie zawarte w nich samych.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Sitodruk na papierze, 581 x 780 mm, © Majątek Howarda Hodgkina

Uznanie z zewnątrz

Pomimo początkowego braku zrozumienia ze strony publiczności, Hodgkin kontynuował wystawianie swoich prac i rozwijał swój unikalny styl, tworząc hybrydowe obrazy abstrakcyjno-figuralne oraz rozwijając emocjonalny, kolorowy język wizualny oparty na uczuciach. W 1971 roku został po raz pierwszy zaproszony do wystawienia swoich prac za granicą, w Kolonii w Niemczech. Ta wystawa odniosła sukces, a rok później pokazał swoje prace na wystawie zbiorowej w Paryżu. Rok później po raz pierwszy wystawiał w Stanach Zjednoczonych, w galerii w Nowym Jorku.

Ku jego radości, zagraniczni widzowie mieli zupełnie inne wrażenie z jego twórczości. Po debiucie w Nowym Jorku Hodgkin powiedział: „natychmiast zrozumieli, jakim artystą jestem… reakcja była taka, że poczułem, iż komunikuję się z publicznością. Rzadko czułem to w Anglii.” Być może dzięki temu międzynarodowemu zainteresowaniu, a może dlatego, że brytyjscy widzowie w końcu zrozumieli, co tracili, w ciągu następnych kilku lat reputacja Hodgkina w Wielkiej Brytanii wzrosła. Do 1976 roku otrzymał tytuł CBE i miał swoją pierwszą wystawę retrospektywną w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Oksfordzie.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, olej na drewnie, 33 x 36 cali, © Majątek Howarda Hodgkina

Szkoła Londyńska

Również w 1976 roku Hodgkin otrzymał zaszczyt znalezienia się w grupie brytyjskich artystów związanych z czymś, co nazwano Szkołą Londyńską. Malarz R. B. Kitaj ukuł termin Szkoła Londyńska w eseju katalogowym do wystawy zatytułowanej The Human Clay. Kitaj chciał tym terminem zwrócić uwagę na fakt, że w przeciwieństwie do światowych trendów w kierunku Pop Artu, minimalizmu, sztuki konceptualnej i innych popularnych stylów, grupa utalentowanych brytyjskich artystów pilnie badała współczesne znaczenie postaci ludzkiej w sztuce.

The Human Clay obejmowała prace 48 artystów; wśród nich byli Kitaj i Hodgkin, a także kilku innych, którzy później stali się niezwykle wpływowi na arenie międzynarodowej, takich jak Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore i Lucian Freud. Każdy z nich w tamtym czasie rzeczywiście badał figurację w unikalnie nowoczesny sposób. Jednak większość z nich początkowo odrzucała etykietę Szkoły Londyńskiej, gdy ją usłyszała. Howard Hodgkin również odrzucał tę nazwę, choć miał na wystawie pięć prac, co było drugim najwyższym wynikiem wśród artystów. Mimo to udział w wystawie był dla Hodgkina wsparciem i wielkim publicznym potwierdzeniem jego wysiłków.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, olej na drewnie, 44 1/4 x 50 cali, © Majątek Howarda Hodgkina

Mniej znaczy więcej

Przez całą swoją karierę Hodgkin szukał sposobów, by wyrazić więcej, pokazując mniej, ostatecznie redukując elementy figuratywne w swoich pracach do niemal całkowitego braku. Zbiegało się to z szerszym uznaniem publicznym, które zyskał pod koniec lat 70. Hodgkin przeszedł także przemianę w życiu osobistym. Po 20 latach małżeństwa z żoną Julią, Hodgkin ujawnił, że jest gejem, a Julia otrzymała opiekę nad ich dwoma synami. Jego życie stało się jednocześnie prostsze i bardziej skomplikowane. Choć tytuły jego prac od tego momentu zachowały osobisty charakter narracji, odnosząc się do konkretnych wspomnień, treść jego obrazów stała się znacznie bardziej abstrakcyjna.

Chociaż prawdopodobnie zaprzeczyłby takiemu oskarżeniu, łatwo dostrzec, jak uwolnienie się od osobistego fałszu mogło również uwolnić go od potrzeby nadawania swoim obrazom dwuznaczności, pozwalając mu być bardziej bezpośrednim w wyrażaniu emocji. Niezależnie od tego, czy miało to związek z tą sytuacją, czy nie, w ostatnich dekadach życia Hodgkin znacznie uprościł swój język wizualny. Stał się bardziej biegły w przekazywaniu ekspresyjnego potencjału koloru, pociągnięcia pędzla, powierzchni, kompozycji i farby. W ostatnich latach jego kompozycje były najprostsze, a być może i najgłębsze, zręcznie przekazując jego zasadniczą ideę ulotnej mocy pamięci i emocji.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, olej na drewnie, 31 x 35 cali, © Majątek Howarda Hodgkina

Zdjęcie główne: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (szczegół), 1961-62, olej na płótnie, 34 x 39 cali
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio