Dziedzictwo Sir Howarda Hodgkina

Renomowany brytyjski malarz abstrakcyjny i grafik Howard Hodgkin był jednym z najbardziej odznaczonych artystów swojego pokolenia. Reprezentował Wielką Brytanię na Biennale w Wenecji w 1984 roku i zdobył Nagrodę Turnera w 1985 roku. W 1976 roku został przyjęty do Najdoskonalszego Orderu Imperium Brytyjskiego (CBE); został odznaczony tytułem rycerza w 1992 roku; a w 2003 roku królowa Elżbieta II włączyła go do Orderu Towarzyszy Honorowych, gdzie dołączył do wyselekcjonowanej listy tylko trzech innych artystów abstrakcyjnych — Henry'ego Moore'a, Victora Pasmore'a i Bridget Riley — którzy otrzymali to samo wyróżnienie. Uznawana pozycja, jaką Hodgkin ostatecznie osiągnął w swojej karierze, stoi w wyraźnym kontraście do zmagań jego wczesnego życia zawodowego. W 1981 roku Hodgkin stwierdził: „Myślę, że miałem szczęście, że nie byłem wcale udany, dopóki nie byłem w średnim wieku, ale było wiele gorzkich chwil, które trzeba było przeżyć, gdy tak długo nikt nie wydawał się chcieć patrzeć na moje obrazy.” W swoich latach 30. był tak przygnębiony odrzuceniem, że rozważał samobójstwo. Ale zamiast poddać się rozpaczy, poświęcił się na nowo estetycznemu wyrażeniu swojego wewnętrznego ja. Im bardziej Hodgkin zagłębiał się w siebie, tym bardziej intuicyjnie pojmował związek między emocjami a formalnymi istotami sztuki, takimi jak kolor i farba; a jego prace stawały się coraz bardziej abstrakcyjne. Pod koniec swojego życia Hodgkin stworzył charakterystyczne dzieło oparte na uproszczonym stylu, który komunikował surowe uczucia w najprostszych i najbardziej bezpośrednich terminach.

Figury i Uczucia

Od dawna toczy się debata na temat tego, czy powinniśmy określać Howarda Hodgkina jako artystę figuratywnego czy abstrakcyjnego. Jego wczesne prace były wyraźnie oparte na rzeczywistości, przedstawiając postacie w przestrzeniach wewnętrznych, czasami w okolicznościach społecznych. Jednak w miarę rozwoju jego kariery zatarł granicę między abstrakcją a figuracją, tworząc obrazy, które zamieszkiwały rodzaj przecięcia między tymi dwoma. Zamiast zajmować się wyłącznie konkretną treścią ze swojego życia, badał, w jaki sposób elementy formalne, takie jak kolor, wzór i powierzchnia, mogą wywoływać emocjonalne elementy w jego obrazach. Przez więcej dziesięcioleci jego obrazy zawierały drobne elementy figuratywne osadzone w abstrakcyjnych polach kolorystycznych, kształtach i wzorach. Ale nawet gdy malował coś, co większość widzów uznałaby za czysto abstrakcyjne, sam Hodgkin lubił mówić, że praca ta wciąż była figuratywna, ponieważ wszystko to miało bliski związek z toczącą się narracją, informowaną przez jego osobistą rzeczywistość.

Hodgkin zaczął pokazywać swoje obrazy w 1950 roku w wieku 18 lat, będąc jeszcze studentem. W rzeczywistości jedno z jego najwcześniejszych dzieł, obraz gouache na desce zatytułowany Memoirs, namalowany, gdy miał zaledwie 16 lat, jest uważany przez niektórych fanów za jedno z jego najlepszych. Otrzymał swoją pierwszą wystawę indywidualną w 1962 roku w uznawanej galerii Arthur Tooth & Sons w Londynie. Unikalne połączenie figuracji i abstrakcji, które definiowało prace na tej wystawie, sprawiło, że Hodgkin wyróżniał się jako wyjątkowy i odważny. Jednak brytyjska publiczność nie od razu zrozumiała tę pracę, a wystawa nie odniosła sukcesu komercyjnego. Minęło prawie dziesięć lat, zanim widzowie w jego ojczyźnie zaczęli doceniać jego wyjątkowy talent.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Wspomnienia z Indii

Na początku swojego życia Howard Hodgkin zdał sobie sprawę, że obrazy, które chciał malować, były bardziej jak estetyczne relikty jego własnych wspomnień. Jako osoba, która szczególnie kochała podróżować, wiele z jego najsilniejszych wspomnień dotyczyło spektakularnych krajobrazów i niezwykłych ludzi, których spotkał za granicą. Niektóre z najudanych grafik, które stworzył, dotyczyły podróży, które odbył do Indii. W serii sitodruków, które stworzył pod tytułem Widoki Indii, odniósł się do małych, poziomych okienek, które są powszechne w bokach pociągów w tym kraju. Obrazy te można odczytywać jako proste krajobrazy z liniami horyzontu, ale można je również rozważać jako abstrakcyjne pola kolorów.

Oprócz emocjonalnego użycia koloru, jego Indian View sitodruki są również godne uwagi, ponieważ zawierają archetypowy element estetyczny ramy, który z czasem stał się niezwykle ważny dla Hodgkina. W wielu jego abstrakcyjnych obrazach malował prostokątną ramę otaczającą obraz. Później zaczął oprawiać swoje powierzchnie w rzeczywiste drewniane ramy, a następnie malować obraz zarówno na powierzchni, jak i na ramie, łącząc te dwa elementy. Malowana rama definiowała jego obrazy jako obiekty odporne na zewnętrzne zakłócenia i wyjaśniała, że ich znaczenie jest całkowicie zawarte w nich samych.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Zewnętrzne rozpoznanie

Mimo braku zrozumienia, jakie Hodgkin początkowo otrzymał od publiczności, kontynuował wystawianie i dążył do swojego unikalnego stylu, tworząc hybrydowe obrazy abstrakcyjno-figuralne i rozwijając emocjonalny, kolorowy język wizualny oparty na uczuciach. W 1971 roku po raz pierwszy zaproszono go do wystawienia za granicą, w Kolonii, w Niemczech. Ta wystawa okazała się sukcesem, a w następnym roku wystawił na wystawie zbiorowej w Paryżu. A rok później po raz pierwszy wystawił w Stanach Zjednoczonych, w galerii w Nowym Jorku.

"Ku jego radości, zagraniczni widzowie mieli zupełnie inne wrażenie na temat jego pracy. Po swoim debiucie w Nowym Jorku, Hodgkin powiedział: natychmiast zdali sobie sprawę, jakim artystą jestem... reakcja była taka, że poczułem, iż komunikuję się z publicznością. Rzadko to czułem w Anglii. Być może z powodu tej międzynarodowej uwagi, lub może dlatego, że brytyjscy widzowie po prostu zdali sobie sprawę, czego im brakowało, w ciągu następnych kilku lat Hodgkin zauważył poprawę swojej reputacji w Wielkiej Brytanii. Do 1976 roku otrzymał tytuł CBE i miał swoją pierwszą wystawę retrospektywną w Oxford Museum of Modern Art."

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Szkoła Londyńska

Również w 1976 roku Hodgkin otrzymał zaszczyt bycia włączonym do grupy brytyjskich artystów związanych z czymś, co nazywa się Szkołą Londyńską. Malarz R. B. Kitaj ukuł termin Szkoła Londyńska w eseju katalogowym, który napisał na wystawę zatytułowaną Ludzkie Glina. Kitaj miał na celu zwrócenie uwagi na fakt, że w przeciwieństwie do globalnych trendów w kierunku Pop Art, Minimalizmu, Sztuki Konceptualnej i innych popularnych stylów, grupa utalentowanych brytyjskich artystów pilnie badała nowoczesne znaczenie postaci ludzkiej w sztuce.

"Ludzka glina" obejmowała prace 48 artystów; wśród nich byli Kitaj i Hodgkin, a także kilku innych, którzy później stali się niezwykle wpływowi na arenie międzynarodowej, takich jak Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore i Lucian Freud. Każdy z nich w tym czasie rzeczywiście badał figurację w wyjątkowo nowoczesny sposób. Jednak większość z nich odrzuciła etykietę Szkoły Londyńskiej, gdy po raz pierwszy ją usłyszała. Howard Hodgkin odrzucił tę etykietę, chociaż miał pięć prac na wystawie, co było drugą najwyższą liczbą prac jakiegokolwiek artysty. Bycie częścią wystawy było jednak dla Hodgkina zastrzykiem energii i wielką publiczną walidacją jego wysiłków."

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Mniej znaczy więcej

Przez całą swoją karierę Hodgkin poszukiwał sposobów na wyrażenie więcej, pokazując mniej, ostatecznie redukując elementy figuralne w swojej twórczości do niemal całkowitego zniknięcia. Wraz z szerszym uznaniem publicznym, które zyskał pod koniec lat 70., Hodgkin przeszedł również transformację w swoim życiu osobistym. Po 20 latach małżeństwa z żoną Julią, Hodgkin ujawnił, że jest gejem, a Julię obdarzył opieką nad ich dwoma synami. Jego życie stało się jednocześnie prostsze i bardziej skomplikowane. Choć tytuły jego prac od tego momentu zachowały osobisty narracyjny charakter, za który jego twórczość stała się znana, odnosząc się do konkretnych osobistych wspomnień, treść jego obrazów stała się dramatycznie bardziej abstrakcyjna.

Choć prawdopodobnie zaprzeczyłby takiemu oskarżeniu, łatwo dostrzec, jak uwolnienie się od osobistego fałszu mogło również uwolnić go od potrzeby inwestowania swojej wyobraźni w aluzje, pozwalając mu stać się bardziej bezpośrednim w swoich emocjach. Niezależnie od tego, czy miało to coś wspólnego z tą okolicznością, w ostatnich dekadach swojego życia Hodgkin znacznie uprościł swój język wizualny jak nigdy dotąd. Stał się bardziej biegły w przekazywaniu ekspresyjnego potencjału koloru, pociągnięcia pędzla, powierzchni, kompozycji i farby. W swoich ostatnich latach jego kompozycje były najprostsze, a może i najgłębsze, zręcznie komunikując jego podstawową ideę ulotnej mocy pamięci i emocji.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Obraz wyróżniony: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (szczegół), 1961-62, Olej na płótnie, 34 x 39 cali
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio