MoMA em Paris - Hospedado pela Fondation Louis Vuitton
Uma exposição muito elogiada de arte moderna foi inaugurada em Paris esta semana, e está inspirando bastante celebração. Mas talvez também devesse inspirar uma quantidade igual de preocupação. Sendo Moderno: MoMA em Paris apresenta cerca de 200 obras da coleção do Museu de Arte Moderna de Nova York. Realizada no museu Fundação Louis Vuitton, projetado por Frank Gehry, a exposição marca a primeira vez que uma seleção substancial de obras do MoMA é exibida na França. É bastante fácil listar os inúmeros motivos pelos quais esta exposição está sendo saudada como algo maravilhoso para a França, para o MoMA e para a arte moderna em geral. Afinal, a lista de artistas e obras incluídas na mostra abrange toda a história do museu, desde sua fundação em 1929 até hoje. Inclui muitos dos maiores nomes da arte dos últimos 100 anos. Portanto, obviamente, qualquer oportunidade de ver tantas obras influentes e famosas deve ser aproveitada por todos que puderem ir ao local. Mas, por um momento, também devemos olhar seriamente para o motivo pelo qual a mostra está causando ansiedade: nomeadamente, a quantidade impressionante de exageros hiperbólicos sendo divulgados sobre a importância do evento. Os materiais oficiais para a imprensa, que foram reimpressos e citados até a exaustão pela mídia, repetidamente chamam a mostra de “exposição manifesto” e descrevem o MoMA como um dos “museus mais importantes” do mundo. A mostra é rotulada como “inovadora”, “abrangente” e “sem igual”. Repetidas vezes a palavra “mítica” até aparece. E é esse último adjetivo, “mítica”, que parece o mais perigoso, porque é o único sentimento em relação a esta exposição que não pode ser descartado como mera exageração. Mitos são poderosos. E quando se trata de uma exposição dessa magnitude, os mitos que ela tanto cria quanto mantém têm a capacidade de moldar a narrativa global sobre arte por gerações futuras.
Desvendando Esses Adjetivos
O adjetivo mais obviamente ridículo usado para descrever Sendo Moderno: MoMA em Paris é “abrangente”. Especificamente, o kit de imprensa afirma que, “Sendo Moderno: MoMA em Paris é aprimeira exposição abrangente na França da coleção doMuseu de Arte Moderna.” Mas, na verdade, embora a exposição seja de fato substancial — apresenta cerca de 200 objetos — o tamanho atual da coleção completa do MoMA é de cerca de 200.000 objetos. Portanto, esta exposição apresenta aproximadamente um milésimo do que o MoMA possui. É apenas um vislumbre minúsculo dos arquivos completos. Por que chamá-la de abrangente? A resposta pode ser porque o comitê de seleção, que incluiu representantes tanto da Fondation Louis Vuitton quanto do MoMA, acredita que o número minúsculo de itens que escolheram representa plenamente o caráter e a substância dos restantes 199.800 objetos deixados de fora. Mas isso é remotamente verdade?
Olhando a lista de artistas incluídos em MoMA em Paris, de forma alguma parece representar toda a coleção do MoMA. Mais de 75.000 objetos dessa coleção estão arquivados online, então fiz uma busca rápida nesse banco de dados para procurar três artistas que não estão incluídos nesta exposição, mas que considero entre os artistas modernos mais influentes de todos os tempos: Louise Bourgeois, Anni Albers e Helen Frankenthaler. Descobri que o MoMA possui centenas de obras desses três artistas. Mas estranhamente eles não estão incluídos nesta exposição. Fiz outra busca, notando que MoMA em Paris contém obras de alguns poucos dadaístas masculinos. Então verifiquei se os arquivos do MoMA têm alguma obra de dadaístas femininas influentes. Descobri que eles têm mais de uma dúzia de obras de Hannah Höch e Sophie Taeuber Arp, mas apenas seus homólogos masculinos mais conhecidos estão incluídos nesta exposição. Então, podemos dizer que esta exposição é abrangente? De jeito nenhum. O que podemos dizer é que os curadores escolheram a dedo obras de artistas famosos. Mas isso se chama sucesso de público, não uma representação abrangente da história ou da coleção do MoMA.
Bruce Nauman – Humano/Necessidade/Desejo, 1983. Tubulação de néon e fio com armações suspensas de tubo de vidro, 2,39 x 1,79 x 0,65 m. Museu de Arte Moderna, Nova York. Doação de Emily e Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), Nova York
A Dificuldade com a Inovação
O próximo adjetivo do kit de imprensa de MoMA em Paris que precisamos desvendar é “inovadora”. Esta é uma palavra significativa, e que pertence justamente a qualquer conversa sobre arte moderna. Inovação implica originalidade, criatividade, experimentação e, às vezes, até genialidade. Então, essa é a palavra certa para descrever esta exposição? Como já sabemos, os artistas não foram escolhidos porque eram, ou são, os mais criativos, os mais originais, os mais experimentais ou os maiores gênios. Com algumas poucas exceções (como incluir a construtivista brasileira Lygia Clark junto ao conhecido clube dos garotos minimalistas brancos Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly e Frank Stella), os artistas foram escolhidos em grande parte por reconhecimento de nome, ou porque se encaixam na narrativa existente da história da arte moderna. Mas isso não é novidade, claro. É a tática curatorial padrão para retrospectivas históricas abrangentes. E isso é aceitável. Mas não é inovador. Por outro lado, talvez quando a palavra inovadora é usada para descrever esta exposição, ela se refira não à mostra em si, mas às obras.
Se for esse o caso, devemos esperar ver os representantes mais inovadores do modernismo incluídos na exposição. Para analisar se isso acontece, olhe a lista de expressionistas abstratos em exibição. Jackson Pollock está incluído, assim como Willem de Kooning. Mas onde estão os outros? Onde está Louise Nevelson, facilmente a escultora mais inovadora daquela geração? Sua obra está no MoMA. Por que não incluí-la aqui? Onde está Perle Fine? Ou Jay DeFeo? Ou, francamente, se vão incluir a obra de Jackson Pollock, por que não incluir David Alfaro Siqueiros, o famoso muralista mexicano que ministrou o workshop em Nova York (que Pollock frequentou) que introduziu muitos dos métodos que Pollock usou para suas icônicas pinturas de gotejamento e respingos? Ou, para ir além, por que não incluir Janet Sobel, a pintora feminina de respingos que também participou do workshop de Siqueiros, e cujo ateliê Pollock visitou antes de “inovar” sua própria técnica de respingos? Obras tanto de Siqueiros quanto de Sobel estão na coleção do MoMA. A ausência delas aqui demonstra que esta exposição não é sobre inovação. É apenas uma repetição das meias verdades padrão que se passaram por história por gerações.
Rirkrit Tiravanija – Sem título (os dias desta sociedade estão contados / 7 de dezembro de 2012), 2014. Tinta de polímero sintético e jornal sobre linho, 2,21 x 2,14 m. Museu de Arte Moderna, Nova York. Fundo do Comitê de Desenhos e Gravuras, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Esquerda) e Ellsworth Kelly – Cores para uma Grande Parede, 1951. Óleo sobre tela, sessenta e quatro painéis, 2,40 x 2,40 m. Museu de Arte Moderna, Nova York. Doação do artista, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Direita)
O Problema com os Mitos
No geral, o único adjetivo usado para descrever MoMA em Paris que não cheira a exagero é “sem igual”. Esta é realmente a primeira vez que tantas obras do MoMA estão expostas ao mesmo tempo na França. Então, ok, por definição isso é sem igual. (Embora isso não signifique que não seja também genérico.) E a única frase de exagero no kit de imprensa que chega perto de ser verdadeira é que o MoMA é um dos “museus mais importantes” do mundo. Esse comentário é demonstravelmente factual. Que o MoMA é inegavelmente importante pode ser provado de várias maneiras. Podemos medir a influência que a instituição exerce com suas aquisições sobre as outras grandes coleções de arte do mundo. Afinal, quantos vendedores de arte demonstram a colecionadores privados a importância dos artistas que representam referenciando em quais coleções de museus o artista está? (A resposta é todos eles.) E podemos medir o número de visitantes que o MoMA recebe a cada ano (cerca de dois a três milhões). E podemos olhar o orçamento anual do museu (cerca de 150 milhões de dólares) e o salário de seu diretor (2,1 milhões de dólares em 2013). Todos esses indicadores mostram que o MoMA é de fato massivamente influente globalmente e, portanto, importante.
E isso nos leva ao último adjetivo usado em conjunto com esta exposição: “mítica”. A medida máxima do poder é a capacidade de afetar o que as pessoas acreditam ser verdade. O MoMA é poderoso. Ele tem o poder tanto de continuar criando e propagando mitos quanto de corrigir os fatos. Com esta exposição, tanto a Fondation Louis Vuitton quanto o MoMA anunciaram sua intenção de manter o status quo. Sim, as obras em exibição são cheias de grandeza. Mas quanta dessa grandeza tem a ver com valor autêntico, e quanta tem a ver com o esforço persistente de marketing que por gerações promove histórias sobre arte e história que são exageros na melhor das hipóteses, e mentiras descaradas na pior? O que seria verdadeiramente inovador, original e moderno seria montar uma exposição dessa magnitude que tentasse contar a verdade sobre o Modernismo. Mostre-nos quem Picasso copiou. Mostre-nos quem Pollock plagiou. Mostre-nos os artistas indígenas, as artistas mulheres, os artistas não brancos e os artistas sem formação cuelos foram pisoteados pelas superestrelas que todos conhecemos e amamos. Essa seria uma “exposição manifesto” “inovadora”, “abrangente” e verdadeiramente “sem igual” que eu apoiaria.
Imagem em destaque: Yayoi Kusama – Acumulação nº 1, 1962. Tecido acolchoado costurado, tinta e franjas de cadeira 94 x 99,1 x 109,2 cm. Museu de Arte Moderna, Nova York Doação de William B. Jaffe e Evelyn A. J. Hall (por troca), 2012. © 2017 Yayoi Kusama
Todas as imagens cortesia do MoMA e da Fondation Louis Vuitton
Por Phillip Barcio
