Quando Georgia O'Keeffe Criou Arte Abstrata

É um desafio, ao interagir com a arte, ignorar os clichês, alegorias e julgamentos que outros depositam nela, e simplesmente abordá-la com a mente aberta. Isso é particularmente difícil com a arte de Georgia O’Keeffe. Em seus 98 anos de vida, O’Keeffe criou uma das obras mais famosas, amadas e instantaneamente reconhecíveis na história da arte americana. Exemplos de seu trabalho estão na maioria dos grandes museus americanos. Suas pinturas, desenhos e esculturas foram analisados por todos os principais críticos do século passado e serviram de base para livros e cursos universitários. E ainda assim, quando se pede para falar sobre a arte de Georgia O’Keeffe, muitos de nós propagamos preguiçosamente uma gama limitada de perspectivas surpreendentemente semelhantes: que O’Keeffe era uma artista decorativa que amava o sudoeste americano; que ela era uma pintora figurativa cujas imagens mais famosas são flores; e que essas pinturas icônicas de flores são, na verdade, imagens secretas de vaginas. Em 2009, o Whitney Museum em Nova York tentou desmentir essas noções desgastadas ao sediar a exposição Georgia O’Keeffe: Abstração. A mostra apresentou 125 obras abstratas de O’Keeffe que, juntas, defendiam a ideia de que essa artista essencial americana foi monumentalmente mal compreendida. Mas, apesar do sucesso da exposição no Whitney e da subsequente reavaliação crítica de seu trabalho, Georgia O’Keeffe ainda é amplamente referida como uma pintora figurativa e ainda carregada de metáforas e clichês sobre sua obra. As pessoas continuam a falar sobre o que suas pinturas representam, em vez de como elas fazem sentir. Se quisermos compreender mais plenamente sua visão e entender sua contribuição indispensável para a arte contemporânea, devemos manter a mente aberta e olhar mais profundamente para o que Georgia O’Keeffe realizou como pioneira da abstração.

Uma Proto-Abstracionista Americana

Seja rastreando até o trabalho de Hilma af Klint, a pintora mística sueca do século XIX, pintores pós-impressionistas como Georges Seurat, ou visionários como Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich, a história moderna da arte abstrata quase sempre é dita ter começado na Europa ou na Rússia. Mas há evidências de que Georgia O’Keeffe, nascida em Wisconsin, merece igual reconhecimento junto a esses inovadores. As primeiras obras abstratas que temos de O’Keeffe foram feitas pelo menos em 1915, o mesmo ano em que Malevich pintou Quadrado Negro e apenas dois anos depois de Kandinsky pintar suas primeiras obras abstratas. Mas sua compreensão intelectual do potencial da abstração para comunicar o desconhecido é a principal razão pela qual O’Keeffe merece crédito igual pela invenção da arte abstrata moderna.

Como Klint, Seurat, Kandinsky e Malevich, O’Keeffe abordava seu trabalho com uma reverência filosófica. Ela entendia a arte como algo mais do que simplesmente a criação de imagens e objetos. A artista a considerava uma via potencial para a expressão de algo mais profundo. Como Kandinsky, O’Keeffe falava sobre a capacidade da música de comunicar profundidades de forma abstrata. Ela disse: “Cantar sempre me pareceu o meio mais perfeito de expressão. É tão espontâneo. E depois de cantar, penso no violino. Como não posso cantar, pinto.” Mas enquanto Kandinsky recorria à abstração na esperança de expressar algo espiritual e universal, O’Keeffe tentava expressar algo mais, você poderia dizer, americano. Ela tentava expressar a si mesma.

Georgia O'Keeffe - Abstração Rosa Branca, 1927 (Esquerda) e Georgia O'Keeffe - Música Rosa e Azul II, 1927 (Direita), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Isso Não São Flores

As primeiras obras abstratas feitas por Georgia O’Keeffe eram composições simples e elegantes feitas com carvão sobre papel. As imagens evocam as formas e padrões biomórficos encontrados na natureza. Mas, em vez de tentar retratar diretamente seu assunto nesses desenhos, ela focava puramente em elementos formais como linha, forma, pincelada, gesto e equilíbrio. Uma das grandes histórias sobre esses desenhos a carvão é que eles poderiam facilmente ter se perdido na história se não fosse pelo ato ardiloso de uma amiga. O’Keeffe compartilhou os desenhos com essa amiga, que então os mostrou, sem permissão, a Alfred Stieglitz, proprietário da Galeria 291 em Manhattan. Stieglitz reconheceu a óbvia beleza e a marcante modernidade dos desenhos e decidiu imediatamente expô-los em seu renomado espaço. E assim começou a carreira profissional de Georgia O’Keeffe.

Pouco depois de expor pela primeira vez com Stieglitz, O’Keeffe mudou-se para Nova York. Durante a próxima década, ela expandiu prolificamente sua exploração da abstração. Continuou fazendo trabalhos que ecoavam os elementos estéticos e composições que percebia na natureza, e foi muito além de seus desenhos iniciais a carvão para desenvolver uma intuição avançada para as relações de cor. Seu uso da cor aumentou muito o poder expressivo de suas pinturas. Mas quanto ao que especificamente ela tentava expressar, é aí que se afirma um mal-entendido comum sobre seu trabalho. Muitas das imagens que ela fez durante esse período parecem nada mais do que fragmentos ampliados de flores. Ou pelo menos parecem falar em conversa direta com as qualidades estéticas das flores. E talvez de fato comuniquem algo que também é comunicado pelas flores. Mas também comunicam algo mais. Como O’Keeffe disse, “Descobri que podia dizer coisas com cores e formas que não conseguia dizer de outra maneira — coisas para as quais não tinha palavras. Tive que criar um equivalente para o que sentia sobre o que estava olhando — não copiá-lo.”

Georgia O'Keeffe - Flor da Vida (Esquerda) e Georgia O'Keeffe - Flor da Vida II (Direita), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Uma Verdadeira Pioneira

Por volta da década de 1930, após uma década e meia focada em imagens abstratas, O’Keeffe começou a explorar uma gama mais ampla de estilos e influências. Pintou figurativamente por vários anos, depois voltou à abstração, depois oscilou entre os dois, frequentemente questionando a diferença entre essas abordagens. Em seus últimos anos, às vezes parecia estar pintando diretamente as paisagens e objetos naturais que cercavam sua casa no Novo México, para onde acabou deixando Nova York. Mas a essência de seu trabalho sempre permaneceu a mesma. Seu objetivo era sempre comunicar um sentimento, capturar como ela se sentia usando a natureza como inspiração, não pintar imagens decorativas da natureza como ela aparecia objetivamente.

Em sua busca ao longo da vida para comunicar sentimentos, O’Keeffe inovou muitas investigações estéticas importantes. Demonstrou interesse em composições abstratas totais, dando igual importância a todas as áreas do plano da imagem, muito antes de Clement Greenburg atribuir essa conquista aos Expressionistas Abstratos. Ela focou na planaridade do plano da imagem muito antes de isso ser uma preocupação para os Abstracionistas Pós-Pintura. Interessou-se pelos poderes transcendentais dos campos abstratos de cor muito antes dos artistas do Campo de Cor explorarem interesses semelhantes. E décadas antes do relativismo pós-moderno se insinuar na arte fina, O’Keeffe compreendeu intuitivamente a ideia de que todos os estilos, todas as abordagens, todas as técnicas e todas as variações dentro da estética são iguais em seu valor potencial e, em última análise, secundários à primazia da expressão honesta de si mesma.

Georgia O'Keeffe - Paisagem Black Mesa, Novo México, Nos Fundos de Mary S II, © The Estate of Georgia O'Keeffe

Aceite as Formalidades

Talvez o que tenha sido mal compreendido sobre a arte de Georgia O’Keeffe seja a mesma coisa que tantas vezes é mal compreendida sobre toda arte: a ideia de que a arte deve possuir atributos definíveis, ou ser útil ou significativa de alguma forma para o público. Somos ensinados a criticar obras de arte com base em gostarmos ou não delas; a pular a fase de descrição, que exige olhar e sentir, apressando-nos para as fases de interpretação e julgamento. Olhamos para uma pintura de O’Keeffe apenas tempo suficiente para ter a impressão de algo que reconhecemos, como o que parece ser uma flor ou uma paisagem, e assim proclamamos O’Keeffe como uma pintora de flores e paisagens. Notamos como certas partes das flores se assemelham a certas partes humanas e assim proclamamos O’Keeffe como uma pintora secreta de insinuações figurativas. O’Keeffe oscila entre abstração e figuração e assim proclamamos que ela responde às forças do mercado ou às expectativas do público. Com base em nossas opiniões pessoais sobre tais coisas, dizemos: “Eu adoro!” ou “Eu odeio!”

Mas esse método de crítica é imaturo. Para entender a arte de Georgia O’Keeffe, ou qualquer arte, mais profundamente, devemos permanecer na fase de descrição, interagindo com a superfície, as cores, os tons, as linhas, as formas e as relações entre esses elementos o máximo possível. Deixe os elementos estéticos formais da obra cantarem. Sinta o ritmo da composição. Sim, O’Keeffe disse famosamente uma vez: “Sinto que há algo inexplorado sobre a mulher que só uma mulher pode explorar.” Mas, em vez de tentar forçar-se a ver uma imagem da feminilidade em suas pinturas, abra-se para como a feminilidade pode ser sentida. O que fez de Georgia O’Keeffe uma pioneira da abstração americana não foi o fato de ela pintar imagens que parecem a América. O que a fez uma pintora da feminilidade não foi o fato de ela pintar imagens que parecem partes do corpo feminino. O que a fez uma pioneira da abstração americana e uma pintora da feminilidade foi que ela pintou as atitudes, impressões e emoções que compunham o que a América e a feminilidade significavam para ela.

Georgia O'Keeffe - Série I, Nº 3, 1918 (Esquerda) e Georgia O'Keeffe - Série 1, Nº 8, 1918 (Direita), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Imagem em destaque: Georgia O'Keeffe - Cinza Azul e Preto, Círculo Rosa (detalhe), 1927, © The Estate of Georgia O'Keeffe
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio