Färgstark och geometri i målningarna av Gillian Ayres

Den hyllade brittiska abstrakta konstnären Gillian Ayres har arbetat professionellt med konst i nästan 70 år. Sedan hon tog examen från Camberwell School of Art i London 1950 har hon aldrig avvikit från sin enda rena passion: måleri. Även mitt i globala trender som konceptkonst, performancekonst, landkonst, installationskonst och multimedia-konst, som alla ifrågasatte relevansen i hennes verk, förblev Ayres trogen den enkla idén att skapa bilder med färg. Hennes verk har alltid varit abstrakta, även om hennes stil ständigt har utvecklats. När hon får frågan om betydelsen av hennes konstnärskap, eller vad drivkraften var för något särskilt verk hon skapat, styr hon samtalet bort från ord. ”Det är en visuell upplevelse,” säger hon, ”inte en litterär sådan.”

En viss rastlöshet

När Gillian Ayres talar om sina tidiga dagar på konstskolan får hon ett slags listigt uttryck. Hon minns att hon blev fullständigt avskräckt av många av sina lärares undervisningsmetoder. Hon och de andra studenterna var tvungna att tillbringa hela dagar med att exempelvis upprepade gånger rita en kroppsdel på en modell eller skissa en scen framför ett café i London. Hon uppfattade upprepningen och den outtröttliga noggrannheten som vardaglig och tråkig. Hon längtade efter att upptäcka modernistisk och abstrakt konst och att skapa den typ av konst som skulle få henne att känna sig levande, livfull och fri.

Hon beskriver sig själv under den tiden som subversiv. Men hon har sagt, ”Det är inte en ambition att gå emot strömmen. Jag tror inte att det fanns en önskan att vara subversiv. Jag tror man bara kände sig rastlös.” Den rastlösheten bekräftades slutligen i början av 1950-talet när hon för första gången stötte på Jackson Pollocks verk. Bilderna hon såg av honom när han arbetade på golvet, hanterande färg på ett löst, aktivt och levande sätt, inspirerade henne, och hon visste genast att hon ville vara fri på det sättet. Än idag räknar Ayres Pollock som en stor inspirationskälla; inte för att hon kopierade hans teknik, stil eller utseende på hans verk, utan för att han visade henne en väg bort från den klassiska röran.

Gillian Ayres - Destillation, 1957. Oljefärg och hushållsfärg på hårdboard. 84 x 60 tum. © Gillian Ayres

Ett verkligt kall

Nyss stärkt till mod spenderade Ayres 1950-talet med att utveckla en dynamisk, livfull abstrakt stil. Men även om verken gav henne respekt från andra målare och till viss del från allmänheten, var modernismen och abstraktionen ännu inte allmänt accepterade i Storbritannien. Hon hade ställt ut och sålt ett fåtal målningar, men ekonomisk framgång undvek henne. Så hon tog glatt emot när hon erbjöds en tillfällig tjänst som lärare vid Bath Academy of Art, en konstskola känd för att vara progressiv. Hon stannade sedan kvar vid Bath i sju år, flyttade vidare till att föreläsa vid Saint Martin's School of Art i 12 år och blev chef för måleriavdelningen vid Winchester School of Art i tre år.

Under sin tid som lärare fortsatte Ayres att utveckla sin stil. Hon experimenterade med biomorfa former, utforskade olika färgpaletter och växlade mellan måleriska, impasto-verk och släta ytor. Och hennes rykte som rebell växte, då hon envist fortsatte att förespråka måleri när nästan alla hennes kollegor styrde sina studenter mot andra, mer samtida medier. Men i slutet av 1970-talet fick hon en klar insikt. Efter att nästan ha dött av akut bukspottkörtelinflammation insåg hon att trots sin framgång som lärare var det enda hon verkligen ville göra att måla. Hon avslutade snabbt sin akademiska karriär och flyttade till landsbygden i Wales för att ägna sig helt åt sin konst.

Gillian Ayres - Lockelse, 1963. Olja på duk. 152,4 x 152,4 cm. © Gillian Ayres

Färg och form

Nyss återengagerad blev Ayres helt uppslukad av sin kärlek till färg. Hon hade redan börjat luta åt en mer impasto, texturerad stil, och nu blev hennes verk ännu mer måleriska, mer taktila och frodiga. Hon använde sina bara händer för att forma färgen, och skapade en direkt, personlig kontakt med ytorna. Hennes målningar från denna tid verkar som uråldriga grogrunder för nya färgförhållanden och oupptänkta former. Otaliga möjligheter bröt fram ur de extatiska kompositionerna, som på något sätt uppnådde harmoni trots sin komplexitet.

Det var ungefär vid denna tid som Ayres insåg att hon inte längre hade något intresse för ton. Hon ville inte ha dämpade nyanser eller färgskiftningar. Hon ville ha intensitet. Och tillsammans med sitt fokus på livfull, ren färg började hon också luta mot en mer figurativ användning av form, skärpte sina linjer och tillät större fält av färg att fylla hennes kompositioner. En känsla av lugn självsäkerhet växte fram i hennes målningar, kanske kopplad till ett liv nu tillbringat i ständig eftertanke över det väsentliga arbete hon kände sig född att utföra.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olja på duk. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

En ny geometri

Under 1990-talet och tidigt 2000-tal fortsatte Ayres att utvecklas mot en känsla av igenkännbara former i sina kompositioner. Anspelningar på naturliga föremål dyker upp och försvinner, som en måne eller en sol, en horisontlinje eller en världslig samling former likt en fest på ett bord eller blommor på en äng. Några av hennes kompositioner flirtar med geometriska former och mönster, även om det bara är i fragment. Men det är fortfarande inte så mycket realistisk figurativ konst som har vuxit fram i hennes senaste verk, utan snarare att ett figurativt abstrakt bildspråk har gjort sig gällande, likt det som uppstod när Matisse, i senare delen av sin karriär, utvecklade sina ikoniska hard-edge-utskärningar.

Detta bildspråk passar särskilt väl för tryckteknik, som länge intresserat Ayres. Under de senaste åren har hon njutit av att göra tryck och träsnitt under vintermånaderna i sin ateljé. Färgerna i hennes tryck är mer livfulla och rena än någonsin, och skapar djärva relationer som chockerar ögat med sin dynamiska närvaro. Hon kallar tryckprocessen något som kopplar till driften att reproducera. Men trots dess i grunden reproduktiva karaktär tenderar hon att lägga till handmålade inslag i många av de tryck hon gör, vilket gör varje konstverk unikt. Denna sammansmältning av mekaniska processer och handmålning resulterar i en lager-på-lager-blandning av strukturer.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Lyftgrund & akvatint med karborundum (kiselkarbid) & handmålning på papper. 68,6 x 78,7 cm. © Gillian Ayres

Gränslös nyskapande

I en tid då teknik och multimedia-praktiker tycks stå i centrum på varje konstmässa och biennal, och när tydligt sociala, kulturella och politiska verk får mycket av mediernas uppmärksamhet, är det en bedrift att Gillian Ayres fortsatt bevisat att abstrakt måleri alltid är relevant. Hon har stått emot trycket från otaliga trender, samtidigt som hon förblivit trogen sin enkla kärlek till färg, form, yta och färg. I traditionen från de modernistiska mästarna som inspirerade henne, som Picasso, Matisse och Miró, har Ayres visat värdet av måleri genom att samtidigt visa hur enkelt och hur varierat det kan vara.

Och ändå, trots sin envetna kärlek till mediet, har hennes estetiska vision och vanor ständigt utvecklats. Hon har arbetat med olika målerimedier, utforskat och omfamnat varje mediums särart. Och genom att utvidga sin praktik till att omfatta trycktekniker har hon tänjt på måleriets gränser närhelst hon kunnat. Hon har visat sig vara komplex, och ändå har hon genom att reducera måleriets element till färg, form och rum lärt flera generationer betraktare att helt enkelt se. ”Man oroar sig hemskt mycket, på ett rastlöst sätt,” säger hon. ”Jag vill hitta något, och jag vill att mina målningar ska vara upplyftande, men jag tror inte att jag vet hur man avslutar en bild, och jag vet inte heller hur man börjar. Människor vill förstå, och jag önskar att de inte ville det. Jag önskar att de bara skulle titta.”

Gillian Ayres - Finnegans sjö, 2001. Lyftgrund & akvatint med karborundum (kiselkarbid) & handmålning på papper. 55,9 x 45,7 cm. © Gillian Ayres

Framträdande bild: Gillian Ayres - Soluppgång (detalj), 1960. Olja på duk. © Gillian Ayres
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio