Färgstark och geometri i målningarna av Gillian Ayres

Den hyllade brittiska abstrakta konstnären Gillian Ayres har professionellt skapat konst i nästan 70 år. Sedan hon tog examen från Camberwell School of Art i London 1950 har hon aldrig avvikit från sin enda rena passion: måleri. Även mitt i globala trender som konceptkonst, performancekonst, landkonst, installationskonst och multimedia konst, som var och en utmanade relevansen av hennes arbete, förblev Ayres hängiven den enkla propositionen att skapa bilder med färg. Hennes arbete har alltid varit abstrakt, även om hennes stil ständigt har utvecklats. När hon tillfrågas om betydelsen av hennes verk, eller vad som var drivkraften bakom något särskilt verk hon har skapat, omdirigerar hon samtalet bort från ord. “Det är en visuell upplevelse,” säger hon, “inte en litterär.”

En viss Rattiness

När hon pratar om sina tidiga dagar på konstskolan, antar Gillian Ayres en slags listig aspekt. Hon minns att hon var helt avskräckt av undervisningsmetoderna hos många av sina professorer. Hon och de andra studenterna var tvungna att spendera hela dagar fokuserade på saker som att upprepade gånger rita en kroppsdel av en modell eller skissa en scen framför ett café i London. Hon uppfattade upprepningen och den outtröttliga precisionen som vardaglig. Hon längtade efter att upptäcka modernism och abstrakt konst, och att skapa den typ av konst som skulle få henne att känna sig levande, vibrerande och fri.

Hon beskriver sig själv under de åren som subversiv. Men hon har sagt: “Det är ingen ambition att gå emot strömmen. Jag tror inte att det fanns en önskan att vara subversiv. Jag tror att man bara kände sig ruggig.” Denna ruggighet validerades äntligen i början av 1950-talet när hon för första gången stötte på Jackson Pollocks arbete. De bilder hon såg av honom när han arbetade på golvet, hanterade färg på ett löst, aktivt, levande sätt, inspirerade henne, och hon visste genast att hon ville vara fri på det sättet. Än idag räknar Ayres Pollock som en stor inspiration; inte för att hon kopierade hans teknik, stil eller utseendet på hans verk, utan snarare för att han visade henne en väg mot att bryta sig loss från den klassiska röran.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Oil paint and household paint on hardboard. 84 x 60 in. © Gillian Ayres

En sann kallelse

Nyligen stärkt, tillbringade Ayres 1950-talet med att utveckla en dynamisk, livfull abstrakt stil. Men även om verken gav henne respekt från andra målare, och till en liten grad från allmänheten, var modernism och abstraktion fortfarande inte allmänt accepterade i Storbritannien. Hon hade ställt ut och sålt ett litet antal målningar, men ekonomisk framgång undvek henne. Så hon accepterade glatt när hon blev erbjuden en tillfällig tjänst som lärare vid Bath Academy of Art, en konstskola känd för att vara progressiv. Hon stannade kvar i Bath i sju år, innan hon gick vidare för att föreläsa vid Saint Martin's School of Art i 12 år, och leda målaravdelningen vid Winchester School of Art i tre år.

Under undervisningen fortsatte Ayres att utveckla sin stil. Hon experimenterade med biomorfa former, utforskade en rad färgpaletter och växlade mellan måleriska, impasto-verk och platta ytor. Och hennes rykte som en rebell växte, när hon fortsatte att bestämt förespråka för måleri när nästan alla hennes kollegor styrde sina studenter mot andra, mer samtida medier. Men sedan, i slutet av 1970-talet, hade hon ett ögonblick av klarhet. Efter att nästan ha dött av en fall av akut pankreatit insåg hon att trots sin framgång som utbildare, var allt hon egentligen ville göra att måla. Hon avslutade snabbt sin akademiska karriär och flyttade till landsbygden i Wales för att helt ägna sig åt sin konst.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Oil on canvas. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

Färg och form

Nyligen återinvigd, blev Ayres djupt förälskad i färg. Hon hade redan dragits mot en mer impasto, texturerad stil, och nu blev hennes arbete ännu mer måleriskt, mer taktilt och mer frodigt. Hon använde sina bara händer för att manipulera färgen, och kopplade direkt, personligt med ytorna. Hennes målningar från denna tid verkar som uråldriga yngelplatser för nya färgrelationer och oavsedda former. Otaliga möjligheter bröt fram ur de extatiska kompositionerna, och uppnådde på något sätt harmoni trots sin komplexitet.

Det var runt den här tiden som Ayres insåg att hon inte längre hade något intresse för ton. Hon ville inte ha något av dämpade nyanser eller nyanser i färg. Hon ville ha intensitet. Och tillsammans med sitt fokus på livfull, ren färg började hon också dras mot en mer figurativ användning av form, hårdnande sina linjer och lät större fält av färg bebo hennes kompositioner. En känsla av lugn självsäkerhet framträdde i hennes målningar, kanske relaterat till ett liv som nu tillbringades i ständig kontemplation av det väsentliga arbete hon kände sig född att göra.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olja på duk. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

En ny geometri

Under 1990-talet och tidigt 2000-tal fortsatte Ayres att utvecklas ännu mer mot en känsla av igenkännbara former i sina kompositioner. Ledtrådar av naturliga objekt dyker upp och försvinner, såsom en måne eller en sol, en horisontlinje, eller en världslig samling av former liknande en fest på ett bord eller blommor i ett fält. Några av hennes kompositioner flörtar med geometriska former och mönster, även om det bara är i fragment. Men det är fortfarande inte så mycket realistisk figurativitet som har framträtt i hennes senaste verk, utan det är mer som ett figurativt abstrakt visuellt språk har hävdat sig, liknande det som materialiserades när Matisse, i den senare fasen av sin karriär, utvecklade sina ikoniska hard-edge utskärningar.

Detta visuella språk passar särskilt bra för tryckteknik, vilket länge har intresserat Ayres. Under de senaste åren har hon njutit av att göra tryck och träsnitt under vintermånaderna i sin studio. Färgerna i hennes tryck är mer livfulla och rena än någonsin, vilket skapar djärva relationer som chockar ögat med sin dynamiska närvaro. Hon hänvisar till tryckteknikprocessen som något som kopplar till drivet att reproducera. Men trots dess i grunden reproduktiva kvalitet tenderar hon att lägga till handmålade element i många av de tryck hon gör, vilket gör varje konstverk unikt. Denna fusion av mekaniska processer och handmålning resulterar i en lagerblandning av texturer.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

Gränslös Innovation

I en tid då teknik och multimedia-praktiker verkar stå i centrum för varje konstmässa och biennal, och när öppet socialt, kulturellt och politiskt arbete får mycket av mediernas uppmärksamhet, är det en prestation att Gillian Ayres har fortsatt att bevisa att abstrakt måleri alltid är relevant. Hon har stått emot trycket från otaliga trender, samtidigt som hon har förblivit trogen sin enkla kärlek till färg, form, yta och färg. I traditionen av de modernistiska mästarna som inspirerade henne, som Picasso, Matisse och Miro, har Ayres visat värdet av måleri genom att samtidigt visa hur enkelt och hur varierat det kan vara.

Och ändå, trots hennes ensidiga kärlek till mediet, har hennes estetiska vision och hennes vanor ständigt utvecklats. Hon har arbetat på olika sätt med en rad olika målningsmedier, utforskat och omfamnat mediets specifika egenskaper. Genom att utvidga sin praktik till att inkludera trycktekniker har hon sträckt gränserna för måleri närhelst hon kunnat. Hon har bevisat sig vara komplex, och ändå, genom att reducera måleriets element till färg, form och rum, har hon lärt flera generationer av betraktare hur man helt enkelt ser. “Man oroar sig fruktansvärt, på ett rastlöst sätt,” säger hon. “Jag vill hitta något, och jag vill att mina målningar ska vara upplyftande, men jag tror inte att jag vet hur man avslutar en bild, och jag vet inte hur man börjar heller. Människor gillar att förstå, och jag önskar att de inte gjorde det. Jag önskar att de bara skulle titta.

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

Utvald bild: Gillian Ayres - Sun Up (detalj), 1960. Olja på duk. © Gillian Ayres
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio