MoMA i Paris - Värd av Fondation Louis Vuitton

En mycket hyllad utställning av modern konst öppnade i Paris denna vecka, och den inspirerar till en hel del firande. Men kanske borde den också inspirera till en lika stor mängd oro. Att vara modern: MoMA i Paris innehåller omkring 200 verk från samlingen av Museum of Modern Art i New York. Utställningen hålls på Louis Vuitton Foundation-museet, designat av Frank Gehry, och markerar första gången en betydande urval av verk från MoMA har ställts ut i Frankrike. Det är ganska lätt att lista de många skälen till att denna utställning hyllas som en fantastisk sak för Frankrike, för MoMA och för modern konst i allmänhet. Trots allt sträcker sig listan över konstnärer och konstverk som ingår i utställningen över hela museets historia, från dess grundande 1929 fram till idag. Den inkluderar många av de största namnen inom konsten från de senaste 100 åren. Så uppenbarligen bör alla som kan ta sig till platsen ta tillfället i akt att se så många inflytelserika och berömda verk. Men bara för ett ögonblick bör vi också ta en seriös titt på varför utställningen också orsakar ångest: nämligen den häpnadsväckande mängden hyperbolisk uppblåsthet som sprids om betydelsen av evenemanget. De officiella pressmaterialen, som har tryckts och citerats ad nauseam av pressen, kallar upprepade gånger utställningen en "manifestoutställning" och beskriver MoMA som en av de "mest betydelsefulla museerna" i världen. Utställningen märks som "innovativ", "omfattande" och "oöverträffad". Om och om igen dyker till och med ordet "mytisk" upp. Och det är det sista adjektivet, "mytisk", som verkar vara det mest farliga, eftersom det är den enda känslan angående denna utställning som inte kan avfärdas som enbart överdrift. Myter är kraftfulla. Och när det kommer till en utställning av denna magnitud har myterna som den både skapar och upprätthåller kapacitet att forma det globala narrativet om konst för generationer framöver.

Packa upp de adjektiv

Det mest uppenbart löjliga adjektivet som används för att beskriva Being Modern: MoMA in Paris är "omfattande." Specifikt står det i pressmaterialet att, "Being Modern: MoMA in Paris är denförsta omfattande utställningen i Frankrike av samlingen frånMuséet för modern konst." Men i verkligheten, även om utställningen verkligen är betydande – den innehåller omkring 200 objekt – är den nuvarande storleken på hela MoMA:s samling omkring 200 000 objekt. Så denna utställning innehåller ungefär en tusendel av vad MoMA äger. Det är bara en liten glimt av de fullständiga arkiven. Varför kalla det omfattande? Svaret kan vara att urvalskommittén, som inkluderade representanter från både Fondation Louis Vuitton och MoMA, tror att det minimala antalet föremål de valde fullt ut representerar karaktären och substansen av de återstående 199 800 objekten som lämnades kvar. Men är det ens i närheten av sant?

När jag går igenom listan över konstnärer som ingår i MoMA i Paris, verkar den på inget sätt representativ för hela MoMA-samlingen. Mer än 75 000 objekt från den samlingen är arkiverade online, så jag gjorde en snabb textsökning i den databasen för att leta efter tre konstnärer som inte ingår i denna utställning, men som jag anser vara bland de mest inflytelserika moderna konstnärerna någonsin: Louise Bourgeois, Anni Albers och Helen Frankenthaler. Det visar sig att MoMA har hundratals verk av dessa tre konstnärer. Men konstigt nog är de inte inkluderade i denna utställning. Jag gjorde en annan sökning och noterade att MoMA i Paris innehåller verk av ett fåtal manliga Dadaister. Så jag kollade om MoMA-arkiven har några verk av några av de inflytelserika kvinnliga Dadaisterna. Det visar sig att de har mer än ett dussin verk av Hannah Höch och Sophie Taeuber Arp, men endast deras mer kända manliga motsvarigheter är inkluderade i denna utställning. Så kan vi säga att denna utställning är omfattande? Knappast. Vad vi kan säga är att kuratorerna har valt ut verk av stora namnkonstnärer. Men det kallas en blockbuster, inte en omfattande representation av historien eller MoMA-samlingen.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neon tubing and wire with glass tubing suspension frames, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Emily and Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

Svårigheten med innovation

Det nästa adjektivet från MoMA i Paris presskit som vi behöver analysera är "innovativ." Detta är ett meningsfullt ord, och ett som med rätta hör hemma i varje samtal om modern konst. Innovation antyder originalitet, kreativitet, experimenterande och ibland till och med geni. Så är det rätt ord att använda när man beskriver denna utställning? Som vi redan vet, valdes inte konstnärerna för att de var, eller är, de mest kreativa, de mest originella, de mest experimentella, eller de största genierna. Med ett fåtal undantag (såsom att inkludera den brasilianska konstruktivisten Lygia Clark i den välkända minimalistiska vita pojkkuben av Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly och Frank Stella), valdes konstnärerna i stor utsträckning på grund av namnigenkänning, eller för att de passar in i den existerande berättelsen om modern konsthistoria. Men detta är inget nytt, förstås. Det är den standardkuratoriska taktiken för svepande historiska retrospektiv. Och det är okej. Men det är inte innovativt. Å andra sidan, kanske när ordet innovativ används för att beskriva denna utställning, refererar det inte till själva utställningen, utan till verket.

Om så är fallet bör vi förvänta oss att se de mest innovativa representanterna för modernismen inkluderade i utställningen. För att analysera om så är fallet, titta på listan över Abstract Expressionists som visas. Jackson Pollock är inkluderad, liksom Willem de Kooning. Men var är de andra? Var är Louise Nevelson, som utan tvekan är den mest innovativa skulptören från den generationen? Hennes verk finns på MoMA. Varför inte inkludera det här? Var är Perle Fine? Eller Jay DeFeo? Eller för att vara ärlig, om du ska inkludera Jackson Pollocks verk, varför inte inkludera David Alfaro Siqueiros, den berömda mexikanska muralmålaren som undervisade i verkstaden i New York City (som Pollock deltog i) som först introducerade många av de metoder som Pollock använde för sina ikoniska dropp- och stänkmålningar. Eller för den delen, varför inte inkludera Janet Sobel, den kvinnliga stänkmålaren som också deltog i verkstaden av Siqueiros, och vars studio Pollock besökte innan han "innovativt" skapade sin egen stänkteknik. Verk av både Siqueiros och Sobel finns i MoMA:s samling. Deras frånvaro här visar att denna utställning inte handlar om innovation. Det är bara en upprepning av de standardhalvsanningar som har utgett sig för att vara historia i generationer.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Synthetic polymer paint and newspaper on linen, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). The Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Left) and Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Oil on canvas, sixty-four panels, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Right)

Problemet med myter

Övergripande är det enda adjektivet som används för att beskriva MoMA i Paris som inte luktar av överdrift "oöverträffad." Detta är verkligen första gången så många verk från MoMA har visats samtidigt i Frankrike. Så okej, per definition är detta oöverträffat. (Även om det inte betyder att det inte också är generiskt.) Och den enda överdrivna frasen i presspaketet som nästan är sann är att MoMA är ett av de "mest betydelsefulla museerna" i världen. Den kommentaren är uppenbart faktabaserad. Att MoMA är obestridligt viktigt kan bevisas på många sätt. Vi kan mäta det inflytande som institutionen utövar med sina förvärv på de andra stora konstsamlingarna i världen. Trots allt, hur många konstförsäljare visar privata samlare vikten av de konstnärer de representerar genom att hänvisa till vilka museisamlingar konstnären finns i? (Svaret är alla.) Och vi kan mäta antalet besökare som MoMA får varje år (ungefär två till tre miljoner). Och vi kan titta på museets årliga budget (ungefär 150 miljoner dollar) och lönen för dess direktör (2,1 miljoner dollar 2013). Alla dessa mått indikerar att MoMA verkligen är massivt, globalt inflytelserikt, och därför viktigt.

Och det för oss till det sista adjektivet som används i samband med denna utställning: "mytisk." Den ultimata mätningen av makt är förmågan att påverka vad människor tror är sant. MoMA är mäktigt. Det har makten att antingen fortsätta skapa och sprida myter eller att ställa saker till rätta. Med denna utställning har både Fondation Louis Vuitton och MoMA meddelat sin avsikt att upprätthålla status quo. Ja, verken som visas är fulla av storslagenhet. Men hur mycket av den storslagenheten har att göra med autentiskt värde, och hur mycket har att göra med den ihärdiga marknadsföringsinsatsen som i generationer har främjat berättelser om konst och historia som är överdrifter i bästa fall, och rena lögner i värsta fall? Vad som verkligen skulle vara innovativt, originellt och modernt skulle vara att arrangera en utställning av denna magnitud som försökte berätta sanningen om modernismen. Visa oss vem Picasso kopierade. Visa oss vem Pollock snodde ifrån. Visa oss de inhemska konstnärerna, de kvinnliga konstnärerna, de icke-vita konstnärerna och de otränade konstnärerna vars nackar trampades på av de superstars vi alla känner och älskar. Det skulle vara en "innovativ", "omfattande" och verkligen "oöverträffad" "manifestoutställning" som jag skulle kunna ställa mig bakom.

Utvald bild: Yayoi Kusama – Accumulation No. 1, 1962. Sytt stoppat tyg, färg och stolfrans 37 x 39 x 43″ (94 x 99,1 x 109,2 cm). Museum of Modern Art, New York Gåva av William B. Jaffe och Evelyn A. J. Hall (genom byte), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Alla bilder med tillstånd av MoMA och Fondation Louis Vuitton

Av Philip Barcio