MoMA i Paris - Värd av Fondation Louis Vuitton

En mycket hyllad utställning av modern konst öppnade i Paris denna vecka, och den inspirerar till en hel del firande. Men kanske borde den också väcka lika mycket oro. Being Modern: MoMA in Paris visar omkring 200 verk från samlingen på Museum of Modern Art i New York. Utställningen hålls på museet Fondation Louis Vuitton, designat av Frank Gehry, och markerar första gången en betydande del av MoMAs samling visas i Frankrike. Det är lätt att räkna upp de många skälen till att denna utställning hyllas som något fantastiskt för Frankrike, för MoMA och för modern konst i allmänhet. Listan över konstnärer och konstverk som ingår i utställningen sträcker sig över hela museets historia, från dess grundande 1929 fram till idag. Den inkluderar många av de största namnen inom konsten från de senaste 100 åren. Så uppenbarligen bör alla som har möjlighet att besöka platsen ta chansen att se så många inflytelserika och berömda verk. Men bara för en stund bör vi också ta en allvarlig titt på varför utställningen också väcker oro: nämligen den häpnadsväckande mängden överdrivna lovord som sprids om evenemangets betydelse. De officiella pressmaterialen, som har återgivits och citerats till leda av pressen, kallar upprepade gånger utställningen för en ”manifestutställning” och beskriver MoMA som ett av de ”viktigaste museerna” i världen. Utställningen beskrivs som ”nyskapande”, ”omfattande” och ”oöverträffad”. Om och om igen dyker ordet ”mytisk” upp. Och det är just det sista adjektivet, ”mytisk”, som verkar mest farligt, eftersom det är den känsla kring denna utställning som inte kan avfärdas som ren överdrift. Myter är mäktiga. Och när det gäller en utställning av denna storlek har de myter den både skapar och upprätthåller förmågan att forma den globala berättelsen om konst för kommande generationer.

Packa upp de där adjektiven

Det mest uppenbart löjliga adjektivet som används för att beskriva Being Modern: MoMA in Paris är ”omfattande”. Specifikt säger presskitet att, ”Being Modern: MoMA in Paris är den första omfattande utställningen i Frankrike av samlingen från Museum of Modern Art.” Men i verkligheten, även om utställningen är betydande – den visar omkring 200 föremål – är den totala storleken på hela MoMA-samlingen omkring 200 000 föremål. Så denna utställning visar ungefär en tusendel av vad MoMA äger. Det är bara en liten glimt av hela arkivet. Varför kalla den omfattande? Svaret kan vara att urvalskommittén, som inkluderade representanter från både Fondation Louis Vuitton och MoMA, anser att det minimala antalet föremål de valde fullt ut representerar karaktären och innehållet i de återstående 199 800 föremålen. Men är det ens i närheten av sant?

När man tittar på listan över konstnärer som ingår i MoMA in Paris verkar den på intet sätt representativ för hela MoMA-samlingen. Mer än 75 000 föremål från den samlingen är arkiverade online, så jag gjorde en snabb textsökning i den databasen efter tre konstnärer som inte ingår i denna utställning, men som jag anser vara bland de mest inflytelserika moderna konstnärerna någonsin: Louise Bourgeois, Anni Albers och Helen Frankenthaler. Det visar sig att MoMA äger hundratals verk av dessa tre konstnärer. Men märkligt nog ingår de inte i denna utställning. Jag gjorde en annan sökning, med tanke på att MoMA in Paris innehåller verk av ett fåtal manliga dadaister. Så jag kollade om MoMA-arkivet har verk av några inflytelserika kvinnliga dadaister. Det visar sig att de har mer än ett dussin verk av Hannah Höch och Sophie Taeuber Arp, men endast deras mer kända manliga motsvarigheter ingår i denna utställning. Så kan vi säga att denna utställning är omfattande? Knappast. Vad vi kan säga är att kuratorerna handplockat verk av stora namn. Men det kallas en storutställning, inte en omfattande representation av historia eller MoMA-samlingen.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neonrör och tråd med glasrörsupphängning, 239,8 x 179 x 65,4 cm. Museum of Modern Art, New York. Gåva från Emily och Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

Svårigheten med nyskapande

Nästa adjektiv från MoMA in Paris presskit som vi behöver packa upp är ”nyskapande”. Det är ett betydelsefullt ord, och ett som med rätta hör hemma i varje samtal om modern konst. Nyskapande innebär originalitet, kreativitet, experimenterande och ibland till och med genialitet. Så är det rätt ord att använda för att beskriva denna utställning? Som vi redan vet valdes konstnärerna inte för att de var, eller är, de mest kreativa, mest originella, mest experimentella eller de största genierna. Med några få undantag (som att inkludera den brasilianska konstruktivisten Lygia Clark tillsammans med den välkända minimalistiska vita pojkklubben med Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly och Frank Stella), valdes konstnärerna till stor del på grund av namnkännedom eller för att de passar in i den befintliga berättelsen om modern konsthistoria. Men det är förstås inget nytt. Det är den vanliga kuratoriska taktiken för stora historiska retrospektiv. Och det är okej. Men det är inte nyskapande. Å andra sidan, kanske när ordet nyskapande används för att beskriva denna utställning, syftar det inte på själva utställningen utan på verken.

Om så är fallet bör vi förvänta oss att se de mest nyskapande företrädarna för modernismen i utställningen. För att analysera om så är fallet, titta på listan över abstrakta expressionister som visas. Jackson Pollock ingår, liksom Willem de Kooning. Men var är de andra? Var är Louise Nevelson, utan tvekan den mest nyskapande skulptören från den generationen? Hennes verk finns på MoMA. Varför inte inkludera dem här? Var är Perle Fine? Eller Jay DeFeo? Eller ärligt talat, om man ska inkludera Jackson Pollocks verk, varför inte ta med David Alfaro Siqueiros, den berömda mexikanska muralmålaren som höll en verkstad i New York (som Pollock deltog i) och som först introducerade många av de metoder som Pollock använde för sina ikoniska dropp- och stänkmålningar? Eller varför inte inkludera Janet Sobel, den kvinnliga stänkmålaren som också deltog i Siqueiros verkstad och vars ateljé Pollock besökte innan han ”uppfann” sin egen stänkteknik. Verk av både Siqueiros och Sobel finns i MoMA:s samling. Deras frånvaro här visar att denna utställning inte handlar om nyskapande. Det är bara en upprepning av de vanliga halvsanningarna som har utgett sig för att vara historia i generationer.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Syntetisk polymerfärg och tidning på linne, 221 x 214,6 cm. Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (vänster) och Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Olja på duk, sextiofyra paneler, 240 x 240 cm. Museum of Modern Art, New York. Gåva från konstnären, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (höger)

Problemet med myter

Sammanfattningsvis är det enda adjektiv som används för att beskriva MoMA in Paris och som inte luktar överdrift ”oöverträffad”. Detta är verkligen första gången så många verk från MoMA visas samtidigt i Frankrike. Så okej, per definition är detta oöverträffat. (Även om det inte betyder att det inte också är generiskt.) Och den enda överdrivande frasen i presskitet som kommer nära sanningen är att MoMA är ett av de ”viktigaste museerna” i världen. Det påståendet är bevisbart sant. Att MoMA är obestridligen viktigt kan bevisas på många sätt. Vi kan mäta institutionens inflytande genom dess förvärv på andra stora konstsamlingar i världen. Hur många konsthandlare visar för privata samlare hur viktiga deras konstnärer är genom att hänvisa till vilka museisamlingar konstnären finns i? (Svaret är alla.) Vi kan också mäta antalet besökare MoMA får varje år (runt två till tre miljoner). Och vi kan titta på museets årliga budget (runt 150 miljoner dollar) och lönen för dess chef (2,1 miljoner dollar år 2013). Alla dessa mått visar att MoMA verkligen är massivt, globalt inflytelserikt och därmed viktigt.

Och det leder oss till det sista adjektivet som används i samband med denna utställning: ”mytisk”. Den yttersta makten är förmågan att påverka vad människor tror är sant. MoMA är mäktigt. Det har makten att antingen fortsätta skapa och sprida myter eller att rätta till sanningen. Med denna utställning har både Fondation Louis Vuitton och MoMA meddelat sin avsikt att behålla status quo. Ja, verken som visas är fulla av storslagenhet. Men hur mycket av den storslagenheten har att göra med äkta värde, och hur mycket beror på den ihärdiga marknadsföringsinsatsen som i generationer har främjat berättelser om konst och historia som i bästa fall är överdrifter och i värsta fall rena lögner? Vad som verkligen skulle vara nyskapande, originellt och modernt vore att arrangera en utställning av denna storlek som försökte berätta sanningen om modernismen. Visa oss vem Picasso kopierade. Visa oss vem Pollock snodde av. Visa oss de inhemska konstnärerna, de kvinnliga konstnärerna, de icke-vita konstnärerna och de oinvigda konstnärerna vars nackar trampades på av superstjärnorna vi alla känner och älskar. Det skulle vara en ”nyskapande”, ”omfattande” och verkligen ”oöverträffad” ”manifestutställning” som jag kunde stödja.

Framträdande bild: Yayoi Kusama – Accumulation No. 1, 1962. Sömnad stoppad tyg, färg och stolsfrans, 94 x 99,1 x 109,2 cm. Museum of Modern Art, New York. Gåva från William B. Jaffe och Evelyn A. J. Hall (genom byte), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Alla bilder med tillstånd från MoMA och Fondation Louis Vuitton

Av Phillip Barcio