พบกับศิลปินมินิมอล - ผู้เชี่ยวชาญด้านความบริสุทธิ์และการลดทอน

การศึกษาขบวนการศิลปะก็เหมือนกับอาลิซที่ลงไปในโพรงกระต่ายตามที่กล่าวไว้ ในขณะที่คุณคิดว่าคุณเข้าใจแล้วมากพอ แต่ยังมีสิ่งที่รอการค้นพบอีกมาก เมื่อเริ่มเรียนรู้เกี่ยวกับ ศิลปินมินิมอล หลายคนเริ่มต้นและจบลงด้วยชื่อที่ใหญ่ที่สุด: ศิลปินอย่างโดนัลด์ จัดด์, โซล เลวิตต์, แดน ฟลาวิน, เอลส์เวิร์ธ เคลลี่ และแฟรงค์ สเตลล่า และใช่ มีความร่ำรวยและอัจฉริยะมากมายในผลงานของศิลปินเหล่านั้นที่จะให้ภาพที่ครบถ้วนและถูกต้องเกี่ยวกับแก่นแท้ของมินิมัลลิซึม แต่ทำไมไม่ลงไปในโพรงกระต่ายล่ะ? ทำไมไม่ดูว่า还有什么，谁在等待被发现呢？นี่คือศิลปินมินิมอลที่มีคุณค่าน้อยกว่าที่คุณอาจไม่รู้จักมากนัก แต่พวกเขาได้นำสิ่งมากมายมาสู่ขบวนการนี้ผ่านมุมมองและความสามารถที่เป็นเอกลักษณ์ของพวกเขา.

มินิมอลลิสต์โมโนโครม

ยังคงมีชีวิตอยู่ในปัจจุบัน, Brice Marden เป็นที่รู้จักจากภาพวาดเส้นนามธรรมที่มีชีวิตชีวาและมีอารมณ์ แต่ Marden เริ่มสร้างชื่อเสียงในฐานะจิตรกรแนว Minimalist ของภาพโมโนโครม ศิลปินส่วนใหญ่ที่มีอิทธิพลต่อ Marden เช่น Jasper Johns, Jean Fautrier และ Alberto Giacometti ดูเหมือนจะไม่มีความเชื่อมโยงที่ชัดเจนกับ Minimalism หรือเสียงสุนทรียภาพเฉพาะของ Marden ในตอนแรก แต่บางสิ่งในงานของพวกเขา ไม่ว่าจะเป็นพาเลตต์ที่ลดลง, ภาษาเชิงสัญลักษณ์ หรือความรู้สึกของพื้นที่ที่ลดลง ช่วยให้ Marden พัฒนาสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งในทศวรรษ 1960 ช่วยให้เขาสร้างชื่อเสียงของเขา.

มาร์เดนเคยเป็นยามพิพิธภัณฑ์ก่อนที่จะกลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียง มันเกิดขึ้นที่งานพิพิธภัณฑ์ของเขาในช่วงต้นทศวรรษ 1960 ที่เขาได้สัมผัสกับผลงานของศิลปินบางคนที่เป็นแรงบันดาลใจให้เขา มาร์เดนได้จัดแสดงเดี่ยวครั้งแรกในปี 1966 ขณะที่ทำงานเป็นผู้ช่วยให้กับศิลปินป๊อป โรเบิร์ต รอว์เชนเบิร์ก ในงานแสดงนั้น มาร์เดนได้นำเสนอภาพวาดน้ำมันและขี้ผึ้งสีเดียวในช่วงต้นของเขา ผลงานเหล่านั้น พร้อมกับชุดผลงานสีเดียวที่เขาทำในทศวรรษ 1970 ที่กรีซ ซึ่งมีพื้นฐานจากพาเลตสีฟ้าของสถานที่นั้น ช่วยสร้างความน่าเชื่อถือในฐานะ Minimalist ของมาร์เดน.

Brice Marden - Return I, 1964-65, น้ำมันบนผ้าใบ, 50 1/4 x 68 1/4" (127.6 x 173.4 ซม.), ของขวัญบางส่วนและสัญญาจาก Kathy และ Richard S. Fuld, Jr. © 2018 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), นิวยอร์ก

สีสันและพื้นที่มากมาย

ประติมากรแนวมินิมอลลิสต์ แอน ทรูอิต เข้ามาสู่วงการศิลปะหลังจากเรียนจบมหาวิทยาลัย ปริญญาของเธอคือจิตวิทยา หลังจากนั้นได้เข้าร่วมหลักสูตรที่สถาบันศิลปะร่วมสมัยในวอชิงตัน ดี.ซี. เธอเริ่มทำงานเป็นประติมากรเชิงรูปทรง ซึ่งเธอทำต่อเนื่องมากว่าทศวรรษ ทรูอิตบรรยายถึงการมีอภินิหารทางสุนทรียศาสตร์ในวันหนึ่งหลังจากได้เห็นนิทรรศการผลงานของศิลปินนามธรรม บาร์เน็ต นิวแมน และ แอด ไรน์ฮาร์ด ที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ในนิวยอร์ก เกี่ยวกับภาพวาดของนิวแมน เธอกล่าวว่า “ฉันไม่เคยตระหนักมาก่อนว่าคุณสามารถทำเช่นนี้ในศิลปะได้ มีพื้นที่เพียงพอ สีเพียงพอ” เธอเปลี่ยนทิศทางการทำงานทันที และเริ่มสร้างวัตถุไม้แนวมินิมอลลิสต์ที่ทาสีในพาเลตสีโมโนโครม.

แอน ทรูอิต - คาทาวบา, 1962, ไม้ทาสี, 42 1/2 x 60 x 11 นิ้ว, © 2018 แอน ทรูอิต

อนุมูลอิสระ

โจ แบร์ เริ่มศึกษาศิลปะตั้งแต่อายุ 11 ปี แม่ของเธอหวังว่าเธอจะเข้าสู่วงการแพทย์ในฐานะนักวาดภาพประกอบ ในปีต่อมา นอกจากการศึกษาศิลปะแล้ว แบร์ยังศึกษาในสาขาปรัชญา จิตวิทยา และชีววิทยา แต่แทนที่จะทำตามความคิดของแม่เกี่ยวกับชีวิตของเธอ เธอกลับเลือกที่จะตามหาความรักและการเดินทาง โดยแต่งงานและหย่าร้างอย่างรวดเร็วถึงสองครั้ง จากนั้นเรียนรู้วิธีการของสังคมนิยมเกษตรกรรมที่คิบบุตซ์ในอิสราเอล สุดท้ายเธอย้ายไปแคลิฟอร์เนีย ซึ่งเธอเริ่มกลับมาทำศิลปะอีกครั้ง.

ในตอนแรก Baer ได้ร่วมงานกับ Abstract Expressionists แต่รู้สึกไม่พอใจ เธอจึงได้รับอิทธิพลในทิศทางอื่นจากศิลปินสองคน: Mark Rothko และ Jasper Johns Baer กล่าวว่ารอธโกให้เธอ “อนุญาตให้ทำงานกับรูปแบบหนึ่ง” และจอห์นส์แสดงให้เธอเห็นว่างานศิลปะ “ควรจะเป็นสิ่งนั้นเอง”.

ผลงานที่สำคัญของ Baer ในแนว Minimalist ประกอบด้วยภาพวาดโมโนโครมสีขาวส่วนใหญ่ที่มีขอบด้วยสีสดใสและกรอบสีดำ แทนที่จะมองว่ามันแสดงถึงพื้นที่สีขาวที่ถูกจำกัดด้วยสี สามารถมองเห็นได้ว่าเป็นสีที่ถูกดันเข้าสู่รูปทรงเรขาคณิตโดยพื้นที่สีขาว ในทศวรรษ 1970 Baer ได้ละทิ้ง Minimalism และนามธรรม กลับไปสู่การวาดภาพรูปทรง เธอยังคงทำงานอยู่ในปัจจุบัน.

โจ แบร์ - กลุ่มแสงหลัก: แดง, เขียว, น้ำเงิน, 1964-65, สีน้ำมันและสีโพลีเมอร์สังเคราะห์บนผ้าใบ, สามแผ่น, ขนาด 60 x 60 นิ้วแต่ละแผ่น, © 2018 โจ แบร์

หนึ่งในสิบ – ศิลปินน้อยและโพสต์มินิมัลลิซึม

ศิลปินที่บางครั้งได้รับเครดิตว่าเป็นผู้นำการเปลี่ยนแปลงของโลกศิลปะจากนามธรรมขั้นต่ำไปสู่นามธรรมหลังขั้นต่ำคือประติมากร เอวา เฮสเซ เฮสเซมีชีวิตที่สั้นแต่เต็มไปด้วยความทุกข์และความยากลำบาก ตั้งแต่ปีแรก ๆ ที่เธอหนีจากความโหดร้ายของนาซีในบ้านเกิดของเธอ ฮัมบูร์ก ประเทศเยอรมนี จนถึงการเสียชีวิตเมื่ออายุ 34 ปีจากเนื้องอกในสมอง แต่ชีวิตของเธอก็เต็มไปด้วยความงาม เพื่อน ศิลปะ และความสำเร็จทางวิจารณ์ เฮสเซศึกษาศิลปะภายใต้การสอนของ โจเซฟ อัลเบิร์ต ที่มหาวิทยาลัยเยล และเป็นเพื่อนกับทั้ง โดนัลด์ จัดด์ และ โซล เลอวิตต์ ซึ่งเธอได้แลกเปลี่ยนจดหมายกับเขา เลอวิตต์มีอิทธิพลต่อกระบวนการทางศิลปะของเฮสเซ โดยเฉพาะการสนับสนุนให้เธอไม่คิดมากเกินไป.

ในระยะเวลาอาชีพที่ยาวนานเพียง 10 ปี เฮสเซ่กลายเป็นประติมากร Minimalist ชั้นนำแม้จะมีเพียงนิทรรศการประติมากรรมเดี่ยวเพียงครั้งเดียว แม้ว่าเธอจะมีแนวคิดหลายอย่างของ Judd รวมถึงการใช้สื่ออุตสาหกรรม แต่เสียงภาพที่เป็นเอกลักษณ์ของเธอและความเป็นเอกลักษณ์ของวัตถุที่เธอสร้างขึ้นกลับขัดแย้งกับความเข้มงวดของ Minimalism เป็นอย่างมาก เธอได้สร้างรูปแบบศิลปะที่ลดทอนลงในลักษณะที่มีความเป็นธรรมชาติและมีการสะท้อนภายใน นิทรรศการประติมากรรมเดี่ยวครั้งเดียวของเธอมีชื่อว่า Chain Polymers และผลงานที่นำเสนอในนั้นได้สร้างสไตล์ที่เป็นสัญลักษณ์และเสียงสุนทรียศาสตร์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเฮสเซ่ขึ้นมาในทันที.

อีวา เฮสเซ - การทำซ้ำสิบเก้า III, 1968, ไฟเบอร์กลาสและเรซินโพลีเอสเตอร์, จำนวนสิบเก้า, ขนาดแต่ละ 19 ถึง 20 1/4" (48 ถึง 51 ซม.) x 11 ถึง 12 3/4" (27.8 ถึง 32.2 ซม.) เส้นผ่านศูนย์กลาง มอบให้โดยชาร์ลส์และอนิต้า แบลต © 2018 มรดกของอีวา เฮสเซ. แกลเลอรี เฮาเซอร์ & เวิร์ธ, ซูริค

ต้นไม้ครอบครัวแบบมินิมอล

ศิลปิน Minimalist สี่คนนี้แต่ละคนได้นำสิ่งที่เป็นเอกลักษณ์และเป็นส่วนตัวมาสู่คัมภีร์ Minimalist ไม่มีใครที่ยึดมั่นตามแนวคิดที่ระบุไว้ในเรียงความของ Judd Specific Objects ซึ่งเป็นหมายเหตุที่สำคัญที่ขยายความหมายของ Minimalism ว่าเป็นอย่างไร และอาจจะยังคงเป็นอย่างไรในอนาคต ศิลปิน Minimalist หลายคนได้พัฒนาตนเองออกห่างจาก Minimalism หรือในกรณีของ Eva Hesse นั้นนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงของมัน โดยการติดตามศิลปิน Minimalist ทั้งหมด (ไม่ใช่แค่ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุด) ลงไปในหลุมกระต่าย เราสามารถค้นพบอิทธิพลของพวกเขาและผู้ที่พวกเขาได้มีอิทธิพล เราสามารถค้นพบความคิดและบุคลิกที่น่าสนใจมากมาย ซึ่งแต่ละคนสามารถชี้แจงแนวคิดของการลดและการทำให้เรียบง่ายในฐานะที่เป็นแนวคิดที่ซับซ้อนได้.

ภาพเด่น: แอน ทรูอิต - คาทาวบา, 1962, ไม้ทาสี, 42 1/2 x 60 x 11 นิ้ว, © 2019 แอน ทรูอิต
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ