MoMA ในปารีส - จัดโดย Fondation Louis Vuitton

นิทรรศการศิลปะสมัยใหม่ที่ได้รับการยกย่องอย่างสูงได้เปิดขึ้นในปารีสสัปดาห์นี้ และมันได้สร้างแรงบันดาลใจให้เกิดการเฉลิมฉลองอย่างมากมาย แต่บางทีมันก็ควรจะสร้างความกังวลใจในระดับเดียวกันด้วย Being Modern: MoMA in Paris นำเสนอผลงานประมาณ 200 ชิ้นจากคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก จัดขึ้นที่พิพิธภัณฑ์ Fondation Louis Vuitton ที่ออกแบบโดยแฟรงค์ เกห์รี นิทรรศการนี้ถือเป็นครั้งแรกที่มีการจัดแสดงผลงานจำนวนมากจาก MoMA ในฝรั่งเศส เป็นเรื่องง่ายมากที่จะระบุเหตุผลมากมายที่ทำให้นิทรรศการนี้ได้รับการยกย่องว่าเป็นสิ่งที่ยอดเยี่ยมสำหรับฝรั่งเศส สำหรับ MoMA และสำหรับศิลปะสมัยใหม่โดยทั่วไป เพราะรายชื่อศิลปินและผลงานที่รวมอยู่ในงานแสดงนี้ครอบคลุมประวัติศาสตร์ทั้งหมดของพิพิธภัณฑ์ ตั้งแต่ก่อตั้งในปี 1929 จนถึงปัจจุบัน รวมถึงชื่อศิลปินที่มีชื่อเสียงมากที่สุดในรอบ 100 ปีที่ผ่านมา ดังนั้นโอกาสที่จะได้ชมผลงานที่มีอิทธิพลและมีชื่อเสียงมากมายเช่นนี้จึงควรได้รับการคว้าไว้โดยทุกคนที่สามารถไปยังสถานที่จัดงานได้ แต่เพียงชั่วครู่ เราควรพิจารณาอย่างจริงจังว่าทำไมนิทรรศการนี้จึงก่อให้เกิดความวิตกกังวล นั่นคือ ปริมาณคำโฆษณาเกินจริงที่แพร่กระจายเกี่ยวกับความสำคัญของงานนี้ วัสดุประชาสัมพันธ์อย่างเป็นทางการ ซึ่งถูกพิมพ์ซ้ำและอ้างอิงโดยสื่ออย่างไม่รู้จักเบื่อ ได้เรียกนิทรรศการนี้ว่า “นิทรรศการแถลงการณ์” และอธิบายว่า MoMA เป็นหนึ่งใน “พิพิธภัณฑ์ที่สำคัญที่สุด” ในโลก งานแสดงนี้ถูกติดป้ายว่า “นวัตกรรม” “ครอบคลุม” และ “ไม่มีใครเทียบได้” คำว่า “ในตำนาน” ก็ปรากฏขึ้นซ้ำแล้วซ้ำเล่า และคำคุณศัพท์สุดท้ายนี้ “ในตำนาน” ดูเหมือนจะเป็นคำที่อันตรายที่สุด เพราะเป็นความรู้สึกเกี่ยวกับนิทรรศการนี้ที่ไม่สามารถมองข้ามไปว่าเป็นเพียงการพูดเกินจริง ตำนานมีพลัง และเมื่อพูดถึงนิทรรศการที่มีขนาดใหญ่เช่นนี้ ตำนานที่มันสร้างขึ้นและรักษาไว้นั้นมีศักยภาพที่จะกำหนดเรื่องราวระดับโลกเกี่ยวกับศิลปะไปอีกหลายชั่วอายุคน

วิเคราะห์คำคุณศัพท์เหล่านั้น

คำคุณศัพท์ที่ดูไร้สาระที่สุดที่ใช้บรรยาย Being Modern: MoMA in Paris คือ “ครอบคลุม” โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ชุดข้อมูลประชาสัมพันธ์ระบุว่า “Being Modern: MoMA in Paris เป็นนิทรรศการครอบคลุมครั้งแรกในฝรั่งเศสของคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่” แต่ในความเป็นจริง แม้นิทรรศการนี้จะมีขนาดใหญ่—มีผลงานประมาณ 200 ชิ้น—แต่ขนาดของคอลเลกชัน MoMA ทั้งหมดในปัจจุบันมีประมาณ 200,000 ชิ้น ดังนั้นนิทรรศการนี้จึงแสดงเพียงประมาณหนึ่งในพันของสิ่งที่ MoMA เป็นเจ้าของ เป็นเพียงภาพเล็กน้อยของคลังเก็บทั้งหมด แล้วทำไมถึงเรียกว่าครอบคลุม? คำตอบอาจเป็นเพราะคณะกรรมการคัดเลือก ซึ่งรวมถึงตัวแทนจาก Fondation Louis Vuitton และ MoMA เชื่อว่าจำนวนชิ้นงานที่น้อยนิดที่พวกเขาเลือกนั้นแทนลักษณะและสาระสำคัญของวัตถุอีก 199,800 ชิ้นที่เหลือได้อย่างครบถ้วน แต่สิ่งนั้นจะเป็นจริงได้หรือ?

เมื่อดูรายชื่อศิลปินที่รวมอยู่ใน MoMA in Paris กลับไม่ปรากฏว่าเป็นตัวแทนของคอลเลกชัน MoMA ทั้งหมดเลย มากกว่า 75,000 ชิ้นจากคอลเลกชันนั้นถูก เก็บไว้ในฐานข้อมูลออนไลน์ ดังนั้นฉันจึงทำการค้นหาข้อความอย่างรวดเร็วในฐานข้อมูลนั้นเพื่อหาศิลปินสามคนที่ไม่ได้รวมอยู่ในนิทรรศการนี้ แต่ฉันถือว่าเป็นศิลปินสมัยใหม่ที่ทรงอิทธิพลที่สุด ได้แก่ หลุยส์ บูร์จัวส์, แอนนี่ อัลเบิร์ส และ เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ ปรากฏว่า MoMA มีผลงานของศิลปินทั้งสามร้อยชิ้น แต่แปลกที่พวกเขาไม่ได้รวมอยู่ในนิทรรศการนี้ ฉันทำการค้นหาอีกครั้งโดยสังเกตว่า MoMA in Paris มีผลงานของศิลปินกลุ่มดาดาชายเพียงไม่กี่คน ดังนั้นฉันจึงตรวจสอบว่าคลังเก็บของ MoMA มีผลงานของศิลปินหญิงดาดาที่ทรงอิทธิพลบ้างหรือไม่ ปรากฏว่าพวกเขามีผลงานมากกว่าสิบชิ้นของฮันนาห์ เฮิช และโซฟี เทาเบอร์ อาร์ป แต่มีเพียงศิลปินชายที่มีชื่อเสียงมากกว่าของกลุ่มนี้เท่านั้นที่รวมอยู่ในนิทรรศการนี้ ดังนั้นเราจะบอกว่านิทรรศการนี้ครอบคลุมได้หรือ? แทบจะไม่เลย สิ่งที่เราพูดได้คือ ภัณฑารักษ์ได้คัดเลือกผลงานของศิลปินชื่อดัง แต่สิ่งนั้นเรียกว่าการแสดงบล็อกบัสเตอร์ ไม่ใช่การนำเสนอประวัติศาสตร์หรือคอลเลกชัน MoMA อย่างครอบคลุม

บรูซ นาแมน – Human/Need/Desire, 1983 หลอดนีออนและสายไฟพร้อมกรอบแขวนหลอดแก้ว ขนาด 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 ซม.) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก ของขวัญจากเอมิลี่และเจอร์รี สปีเกล, 1991 © 2017 บรูซ นาแมน/สมาคมสิทธิ์ศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก

ความยากลำบากของนวัตกรรม

คำคุณศัพท์ถัดไปจากชุดข้อมูลประชาสัมพันธ์ MoMA in Paris ที่เราต้องวิเคราะห์คือ “นวัตกรรม” คำนี้มีความหมายลึกซึ้งและเหมาะสมที่จะใช้ในบทสนทนาเกี่ยวกับศิลปะสมัยใหม่ นวัตกรรมหมายถึงความเป็นต้นฉบับ ความคิดสร้างสรรค์ การทดลอง และบางครั้งถึงความอัจฉริยะ ดังนั้นคำนี้เหมาะสมหรือไม่เมื่อนำมาใช้บรรยายนิทรรศการนี้? อย่างที่เรารู้ ศิลปินไม่ได้ถูกเลือกเพราะพวกเขาเป็นผู้ที่มีความคิดสร้างสรรค์ที่สุด ต้นฉบับที่สุด ทดลองมากที่สุด หรืออัจฉริยะที่สุด มีข้อยกเว้นเล็กน้อย (เช่น การรวมศิลปินคอนสตรัคติวิสต์ชาวบราซิล ลิเกีย คลาร์ก ไว้กับกลุ่มมินิมัลลิสต์ชายที่มีชื่อเสียงอย่าง คาร์ล อังเดร, โซล ลิวิตต์, เอลส์เวิร์ธ เคลลี่ และ แฟรงก์ สเตลล่า) ศิลปินส่วนใหญ่ถูกเลือกเพราะชื่อเสียง หรือเพราะพวกเขาเข้ากับเรื่องราวประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่ที่มีอยู่แล้ว แต่นี่ไม่ใช่เรื่องใหม่ มันเป็นกลยุทธ์มาตรฐานของภัณฑารักษ์สำหรับการจัดแสดงประวัติศาสตร์แบบครอบคลุม และนั่นก็ไม่เป็นไร แต่มันไม่ใช่นวัตกรรม อย่างไรก็ตาม บางทีเมื่อใช้คำว่านวัตกรรมกับนิทรรศการนี้ อาจหมายถึงผลงานศิลปะมากกว่านิทรรศการเอง

ถ้าเป็นเช่นนั้น เราควรคาดหวังว่าจะได้เห็นตัวแทนนวัตกรรมที่โดดเด่นที่สุดของลัทธิสมัยใหม่ในนิทรรศการนี้ เพื่อวิเคราะห์ว่าเป็นเช่นนั้นหรือไม่ ให้ดูรายชื่อศิลปินแนวแอ็บสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ที่จัดแสดง แจ็คสัน พอลล็อค รวมอยู่ด้วย เช่นเดียวกับ วิลเล็ม เดอ คูนิง แต่คนอื่นๆ อยู่ที่ไหน? หลุยส์ เนเวลสัน ศิลปินประติมากรรมที่นวัตกรรมที่สุดในยุคนั้นอยู่ที่ไหน? ผลงานของเธออยู่ที่ MoMA ทำไมไม่รวมไว้ที่นี่? เพิร์ล ไฟน์ อยู่ที่ไหน? หรือ เจย์ เดอเฟโอ? หรือถ้าจะรวมผลงานของแจ็คสัน พอลล็อค ทำไมไม่รวมผลงานของเดวิด อัลฟาโร ซิเกโรส จิตรกรจิตรกรรมฝาผนังชาวเม็กซิกันที่สอนเวิร์กช็อปในนิวยอร์กซิตี้ (ซึ่งพอลล็อคเข้าร่วม) ที่แนะนำวิธีการหลายอย่างที่พอลล็อคใช้ในภาพหยดและสาดสีอันโด่งดังของเขา หรือถ้าจะพูดถึงเรื่องนี้ ทำไมไม่รวมแจเน็ต โซเบล ศิลปินหญิงที่ใช้เทคนิคสาดสีซึ่งเข้าร่วมเวิร์กช็อปของซิเกโรส และพอลล็อคเคยไปเยี่ยมสตูดิโอของเธอก่อนจะ “คิดค้น” เทคนิคสาดสีของตัวเอง ผลงานของซิเกโรสและโซเบลอยู่ในคอลเลกชัน MoMA การที่พวกเขาไม่ถูกนำมาแสดงที่นี่แสดงว่านิทรรศการนี้ไม่ได้เกี่ยวกับนวัตกรรม แต่มันเป็นเพียงการเล่าเรื่องซ้ำๆ ของครึ่งความจริงที่ถูกนำเสนอเป็นประวัติศาสตร์มาหลายชั่วอายุคน

ริร์กฤต ติรวณิช – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014 สีโพลิเมอร์สังเคราะห์และหนังสือพิมพ์บนผ้าลินิน ขนาด 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 ซม.) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก กองทุนคณะกรรมการภาพวาดและภาพพิมพ์, 2014 © 2017 ริร์กฤต ติรวณิช (ซ้าย) และ เอลส์เวิร์ธ เคลลี่ – Colors for a Large Wall, 1951 สีน้ำมันบนผ้าใบ หกสิบสี่แผง ขนาด 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 ซม.) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก ของขวัญจากศิลปิน, 1969 © 2017 เอลส์เวิร์ธ เคลลี่ (ขวา)

ปัญหาของตำนาน

โดยรวมแล้ว คำคุณศัพท์เดียวที่ใช้บรรยาย MoMA in Paris ที่ไม่มีกลิ่นของการพูดเกินจริงคือ “ไม่มีใครเทียบได้” นี่เป็นครั้งแรกจริงๆ ที่มีผลงานจำนวนมากจาก MoMA ถูกจัดแสดงพร้อมกันในฝรั่งเศส ดังนั้นตามคำนิยามแล้ว นี่จึงไม่มีใครเทียบได้ (แม้ว่าจะไม่ได้หมายความว่าไม่ธรรมดา) และวลีโฆษณาในชุดข้อมูลประชาสัมพันธ์ที่ใกล้เคียงกับความจริงที่สุดคือ MoMA เป็นหนึ่งใน “พิพิธภัณฑ์ที่สำคัญที่สุด” ในโลก ความเห็นนี้พิสูจน์ได้ด้วยข้อเท็จจริงหลายประการ เราสามารถวัดอิทธิพลที่สถาบันนี้มีต่อคอลเลกชันศิลปะสำคัญอื่นๆ ทั่วโลกได้ จากการซื้อผลงานศิลปะของพวกเขา หลังจากทั้งหมด พ่อค้าศิลปะกี่รายที่แสดงให้ผู้สะสมส่วนตัวเห็นถึงความสำคัญของศิลปินที่พวกเขานำเสนอโดยอ้างอิงว่าศิลปินนั้นอยู่ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ใด? (คำตอบคือ ทุกคน) และเราสามารถวัดจำนวนผู้เข้าชม MoMA ต่อปี (ประมาณสองถึงสามล้านคน) และดูงบประมาณประจำปีของพิพิธภัณฑ์ (ประมาณ 150 ล้านดอลลาร์) และเงินเดือนของผู้อำนวยการ ($2.1 ล้านในปี 2013) ตัวชี้วัดทั้งหมดเหล่านี้แสดงให้เห็นว่า MoMA มีอิทธิพลอย่างมากในระดับโลก และจึงมีความสำคัญอย่างแท้จริง

และนี่นำเราไปสู่คำคุณศัพท์สุดท้ายที่ใช้ร่วมกับนิทรรศการนี้: “ในตำนาน” มาตรวัดสูงสุดของอำนาจคือความสามารถในการกำหนดสิ่งที่ผู้คนเชื่อว่าเป็นความจริง MoMA มีอำนาจ มันมีอำนาจที่จะสร้างและเผยแพร่ตำนาน หรือจะตั้งข้อเท็จจริงให้ชัดเจน ด้วยนิทรรศการนี้ Fondation Louis Vuitton และ MoMA ได้ประกาศเจตนารมณ์ที่จะรักษาสถานะเดิม ใช่ ผลงานที่จัดแสดงเต็มไปด้วยความยิ่งใหญ่ แต่ความยิ่งใหญ่นั้นมีส่วนเกี่ยวข้องกับคุณค่าที่แท้จริงมากน้อยเพียงใด และมีส่วนเกี่ยวข้องกับความพยายามทางการตลาดที่ต่อเนื่องซึ่งส่งเสริมเรื่องราวเกี่ยวกับศิลปะและประวัติศาสตร์ที่เกินจริงในระดับดีที่สุด และเป็นเรื่องโกหกโดยตรงในระดับแย่ที่สุดมากเพียงใด? สิ่งที่แท้จริงจะเป็นนวัตกรรม ต้นฉบับ และทันสมัย คือการจัดนิทรรศการขนาดนี้ที่พยายามบอกความจริงเกี่ยวกับลัทธิสมัยใหม่ ให้เราเห็นว่า ปาโบล ปิกัสโซ ลอกเลียนใคร ให้เราเห็นว่า พอลล็อค ลอกใคร ให้เราเห็นศิลปินพื้นเมือง ศิลปินหญิง ศิลปินที่ไม่ใช่คนผิวขาว และศิลปินที่ไม่ได้รับการฝึกฝนซึ่งถูกบดบังโดยซูเปอร์สตาร์ที่เราทุกคนรู้จักและรัก นั่นจะเป็น “นิทรรศการแถลงการณ์” ที่ “นวัตกรรม” “ครอบคลุม” และ “ไม่มีใครเทียบได้” ที่ฉันจะสนับสนุน

ภาพประกอบ: ยาโยอิ คุซามะ – Accumulation No. 1, 1962 ผ้าตุ๊กตาที่เย็บด้วยมือ สี และขอบเก้าอี้ ขนาด 37 x 39 x 43″ (94 x 99.1 x 109.2 ซม.) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก ของขวัญจากวิลเลียม บี. แจฟฟ์ และเอฟเวอลีน เอ. เจ. ฮอลล์ (โดยการแลกเปลี่ยน), 2012 © 2017 ยาโยอิ คุซามะ

ภาพทั้งหมดได้รับความอนุเคราะห์จาก MoMA และ Fondation Louis Vuitton

โดย ฟิลลิป Barcio