Centre Pompidou Tager et Frisk Kig på Kubisme i en Omfattende Ny Udstilling

Den 17. oktober åbner den første store kubistiske udstilling i Paris i 65 år på Centre Pompidou. Kubisme (1907-1917) samler mere end 300 værker i et forsøg på at udvide vores forståelse af en af de mest indflydelsesrige kunstbevægelser i det 20.^th århundrede. De fleste kubistiske udstillinger fokuserer på bevægelsens grundlæggere: Pablo Picasso og Georges Braque. Denne udstilling sætter også fokus på deres arbejde, men den går langt ud over det begrænsede omfang. Den begynder med at undersøge sjældent udstillede værker af Paul Cézanne og Paul Gauguin sammen med eksempler på traditionel afrikansk kunst, der påvirkede Picasso. Den udforsker derefter galaksen af kunstnere omkring Picasso og Braque, som tog deres opdagelser og udvidede dem til flere andre distinkte positioner. Ikke kun malerier er inkluderet, men nogle af de mest berømte eksempler på kubistisk skulptur er også til stede, såsom den papguitar-assemblage, som Picasso skabte i 1914. Endelig ser vi arven fra kubismen gennem værker af kunstnere som Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi og Piet Mondrian. Ifølge kuratorerne er målet med denne ambitiøse udstilling simpelthen at tilbyde publikum et bredere overblik over historien om denne vigtige bevægelse. Men hvad de faktisk har opnået, går lidt dybere. De har samlet en håbefuld udstilling, en der opfordrer os til at omfavne vores samtidiges ideer og ubeskedent bygge videre på fortidens geni.

Et skift i perspektiv

Der findes mange forskellige forklaringer på kubisme. Nogle beskriver det som en geometrisk måde at male verden på. Andre kalder det en måde at introducere den fjerde dimension i kunsten ved at vise bevægelse. Andre siger, at det var en abstrakt reduktion af de former og figurer, der findes i hverdagen. Den bedste forklaring, jeg nogensinde har hørt, er, at kubisme var et forsøg på at genoverveje perspektiv. Siden renæssancen var vestlig kunst styret af specifikke regler, når det kom til visuel kunst—regler om realisme, acceptabelt indhold og perspektiv. Malerier blev forventet at efterligne livet ved at omfavne dybde, perspektiv og andre illusionistiske værktøjer. I løbet af 1800-tallet blev disse regler dog udfordret. Impressionisterne udfordrede reglerne om emnevalg og skabte værker, der udelukkende handlede om lys. Divisionisterne brugte eksperimentelle penselstræk til at rejse spørgsmål om, hvorvidt farve eksisterer i virkeligheden eller kun fortolkes i hjernen. Postimpressionisterne omfavnede mystik, symbolisme og spiritualitet og beviste, at formelle elementer som farve og rum i sig selv kunne være værd at forfølge som indhold.

Paul Gauguin - Vær mystiske, 1890. Polykromt basrelief i lindetræ, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Kubisme tilføjede til denne blanding ideen om, at virkeligheden opfattes meget anderledes af det menneskelige øje, end hvordan den normalt fremstilles i kunsten. Når vi ser noget, ser vi det ikke fladet ud og perfekt stille. Verden bevæger sig altid, og vi bevæger os altid igennem den. Vi ser brudstykker af den fra forskellige vinkler. Lyset ændrer sig konstant. Verden er opdelt i brudstykker - nogle af dem er usynlige, men vi ved, at de er der. Kubisme forsøger at vise fragmenterne af virkeligheden genmonteret i en enkelt komposition. Den analyserer verden fra flere samtidige perspektiver, dekonstruerer livet for at vise dets kompleksitet. Kubisme (1907-1917) demonstrerer, hvordan Cézanne i denne henseende i det mindste var langt foran Picasso og Braque. Et af de tidligste værker i udstillingen er Cézannes maleri "La Table de cuisine" (1890). Fra bordet i forgrunden til kurvene og stolene og tallerkenerne, er hver genstand i billedet vist fra et subtilt anderledes synspunkt. Samtidighed af perspektiver opnås i dette værk, hvilket erklærer det som tydeligt proto-kubistisk 18 år før Picasso og Braque kom til den samme idé.

Paul Cézanne - Køkkenbordet. (Stilleben med kurv), ca. 1888-1890. Olie på lærred, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Kunst at låne

En af de mest forfriskende aspekter ved kubismen (1907-1917) er, at den ikke skyr det faktum, at disse kunstnere frit lånte fra hinanden. Vi lægger nogle gange så stor vægt på originalitet, at vi kræver, at kunstnere skal innovere vildt. Denne udstilling viser, at innovation nogle gange blot betyder at tage et lille skridt fremad, bygget på andres præstationer. Vi ser "Masque krou" fra Côte d’Ivoire, en af de afrikanske masker, der direkte inspirerede Picasso. Ansigtet er delt op i kvadranter; øjnene er skæve; træk er opdelt i geometriske områder af skygge og lys. To nærliggende malerier af Picasso—"Portræt af Gertrude Stein" (1905-1906) og hans selvportræt fra 1907—viser, hvor præcist Picasso imiterede det visuelle sprog fra den afrikanske maske. Alligevel ser vi, hvordan han dissekerede disse formelle aspekter og tog det næste skridt, ved at bruge ideerne til at dekonstruere objekter i rummet i malerier som "Pains et compotier aux fruits sur une table" (1908-1909), og til at afsløre de usete aspekter af karakter i værker som "Portræt af Ambroise Vollard" (1910).

Pablo Picasso - Portræt af Gertrude Stein, 1905-1906. Olie på lærred, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / billede af MMA. © Succession Picasso 2018

Som udstillingen skrider frem, ser vi, hvordan Sonia Delaunay således lånte den geometriske sprog fra Picasso—ikke for at udforske den fysiske verden, men for at bruge formerne til at udforske de metafysiske potentialer i farverelationer. Vi ser, hvordan Piet Mondrian også lånte de geometriske aspekter af kubismen, men i modsætning til Picasso, der komplicerede virkeligheden, brugte Mondrian geometri til at forenkle verden til dens mest grundlæggende elementer. Vi ser, hvordan kunstnere som Juan Gris lånte fra kubismen for at skabe en mere grafisk kunstnerisk stil, som ville inspirere plakatkunstnere. Og vi ser, hvordan collagerne fra syntetisk kubisme inspirerede Dadaister som Francis Picabia. Vi ser også de såkaldte "Tubist" værker af Fernand Léger, der illustrerer en nuanceret ændring af kubistisk stil, som blev en forløber for popkunst. Smukt, der er ingen skam i denne progression af indflydelser. Tværtimod. Den eftertænksomme kuratering minder os om den rene glæde ved at bygge videre på andres ideer. Ingen ville sige, at nogen af disse kunstnere manglede fantasi. Tværtimod, Kubisme (1907-1917) beviser, at nogle gange er fantasi endda mere frugtbar, når den beder om hjælp.

Fremhævet billede: Pablo Picasso - Guitare, Paris, januar-februar 1914. Metalplade og jern, 77,5 x 35 x 19,3 cm. Museum of Modern Art, New York. © 2018. Digitalt billede, Museum of Modern Art, New York/Scala, Firenze. © Succession Picasso 2018
Af Phillip Barcio