Centre Pompidou Tager et Frisk Kig på Kubisme i en Omfattende Ny Udstilling

Den 17. oktober åbner den første store kubistudstilling i Paris i 65 år på Centre Pompidou. Kubismen (1907-1917) samler mere end 300 værker i et forsøg på at udvide vores forståelse af en af det 20. århundredes mest indflydelsesrige kunstretninger. De fleste kubistudstillinger fokuserer på bevægelsens grundlæggere: Pablo Picasso og Georges Braque. Denne udstilling fremhæver også deres arbejde, men går langt ud over dette begrænsede fokus. Den begynder med at undersøge sjældent udstillede værker af Paul Cézanne og Paul Gauguin sammen med eksempler på traditionel afrikansk kunst, der inspirerede Picasso. Derefter udforskes det kreds af kunstnere, der omgav Picasso og Braque, som tog deres opdagelser og udvidede dem til flere andre særprægede retninger. Ikke kun malerier er med, men også nogle af de mest berømte eksempler på kubistisk skulptur er udstillet, såsom den papguitar-samling, Picasso skabte i 1914. Endelig ser vi kubismens arv gennem værker af kunstnere som Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi og Piet Mondrian. Ifølge udstillingens kuratorer er målet med denne ambitiøse udstilling blot at give publikum et bredere overblik over historien om denne vigtige bevægelse. Men hvad de faktisk har opnået, går lidt dybere. De har samlet en håbefuld udstilling, som opfordrer os til at omfavne vores samtidiges idéer og ubesværet bygge videre på fortidens geni.

Et skift i perspektiv

Der findes mange forskellige forklaringer på kubismen. Nogle beskriver den som en geometrisk måde at male verden på. Andre kalder det en måde at indføre den fjerde dimension i kunsten ved at vise bevægelse. Atter andre siger, at det var en abstrakt reduktion af former og figurer, som findes i hverdagen. Den bedste forklaring, jeg nogensinde har hørt, er, at kubismen var et forsøg på at genoverveje perspektivet. Siden renæssancen har vestlig kunst været styret af bestemte regler, når det gjaldt billedkunst – regler om realisme, acceptabelt indhold og perspektiv. Malerier skulle efterligne livet ved at omfavne dybde, perspektiv og andre illusionistiske virkemidler. I løbet af 1800-tallet blev disse regler dog udfordret. Impressionisterne udfordrede reglerne om motivvalg og skabte værker, der udelukkende handlede om lys. Divisionisterne brugte eksperimenterende penselstrøg for at stille spørgsmål ved, om farve findes i virkeligheden, eller om det kun er en fortolkning i hjernen. Postimpressionisterne omfavnede mystik, symbolik og åndelighed og viste, at formelle elementer som farve og rum i sig selv kunne være værd at forfølge som indhold.

Paul Gauguin - Soyez mystérieuses, 1890. Polykromt lindetræsbasrelief, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Kubismen tilføjede til denne blanding idéen om, at virkeligheden opfattes meget anderledes af det menneskelige øje, end den normalt fremstilles i kunsten. Når vi ser noget, ser vi det ikke fladt og helt stille. Verden bevæger sig altid, og vi bevæger os altid gennem den. Vi ser stykker af den fra forskellige vinkler. Lyset ændrer sig konstant. Verden er brudt op i stykker – nogle usynlige, men vi ved, de er der. Kubismen forsøger at vise virkelighedens fragmenter samlet i en enkelt komposition. Den analyserer verden fra flere samtidige perspektiver og nedbryder livet for at vise dets kompleksitet. Kubismen (1907-1917) viser, hvordan Cézanne i denne henseende var langt foran Picasso og Braque. Et af de tidligste værker i udstillingen er Cézannes maleri “La Table de cuisine” (1890). Fra bordet i forgrunden til kurvene, stolene og tallerkenerne vises hvert element i billedet fra et let forskelligt synspunkt. Samtidighed af perspektiver opnås i dette værk, hvilket erklærer det som tydeligt proto-kubistisk 18 år før Picasso og Braque nåede til samme idé.

Paul Cézanne - La Table de cuisine. (Stilleben med kurv), ca. 1888-1890. Olie på lærred, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Kunsten at låne

En af de mest forfriskende aspekter ved Kubismen (1907-1917) er, at den ikke skjuler, at disse kunstnere frit lånte fra hinanden. Vi lægger nogle gange stor vægt på originalitet og kræver, at kunstnere vildt fornyer. Denne udstilling viser, at innovation nogle gange blot betyder at tage et lille skridt fremad ved at bygge videre på andres bedrifter. Vi ser “Masque krou” fra Elfenbenskysten, en af de afrikanske masker, der direkte inspirerede Picasso. Ansigtet er delt i kvarterer; øjnene er ude af balance; træk er opdelt i geometriske områder af skygge og lys. To nærliggende malerier af Picasso – “Portrait de Gertrude Stein” (1905-1906) og hans selvportræt fra 1907 – viser, hvordan Picasso præcist efterlignede den afrikanske masks visuelle sprog. Men så ser vi, hvordan han dissekerede disse formelle aspekter og tog næste skridt ved at bruge idéerne til at nedbryde objekter i rummet i malerier som “Pains et compotier aux fruits sur une table” (1908-1909) og afsløre de usete sider af karakteren i værker som “Portrait d’Ambroise Vollard” (1910).

Pablo Picasso - Portrait de Gertrude Stein, 1905-1906. Olie på lærred, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / billede af MMA. © Succession Picasso 2018

Efterhånden som udstillingen skrider frem, ser vi, hvordan Sonia Delaunay således lånte Picassos geometriske sprog – ikke for at udforske den fysiske verden, men for at bruge formerne til at udforske farvernes metafysiske potentiale. Vi ser, hvordan Piet Mondrian også lånte kubismens geometriske aspekter, men i modsætning til Picasso, der gjorde virkeligheden mere kompliceret, brugte Mondrian geometri til at forenkle verden til dens mest grundlæggende elementer. Vi ser, hvordan kunstnere som Juan Gris lånte fra kubismen for at skabe en mere grafisk kunststil, som senere inspirerede plakatkunstnere. Og vi ser, hvordan collagerne fra den syntetiske kubisme inspirerede dadaister som Francis Picabia. Vi ser også såkaldte “tubistiske” værker af Fernand Léger, der illustrerer en nuanceret ændring af kubiststilen, som blev en forløber for popkunsten. Smukt nok er der ingen skam i denne udvikling af påvirkninger. Tværtimod minder den omhyggelige kuratering os om den rene glæde ved at bygge videre på andres idéer. Ingen ville sige, at nogen af disse kunstnere manglede fantasi. Tværtimod beviser Kubismen (1907-1917), at fantasi nogle gange er endnu mere frugtbar, når den beder om hjælp.

Forsidebillede: Pablo Picasso - Guitare, Paris, januar-februar 1914. Metalplade og jern, 77,5 x 35 x 19,3 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018. Digitalt billede, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Firenze. © Succession Picasso 2018
Af Phillip Barcio