Centre Pompidou wirft einen frischen Blick auf den Kubismus in einer umfassenden neuen Ausstellung

Am 17. Oktober eröffnet die erste große Kubismus-Ausstellung in Paris seit 65 Jahren im Centre Pompidou. Kubismus (1907-1917) vereint mehr als 300 Werke, um unser Verständnis einer der einflussreichsten Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts zu erweitern. Die meisten Kubismus-Ausstellungen konzentrieren sich auf die Gründer der Bewegung: Pablo Picasso und Georges Braque. Diese Ausstellung beleuchtet ebenfalls ihre Arbeiten, geht jedoch weit über diesen begrenzten Rahmen hinaus. Sie beginnt mit der Untersuchung selten gezeigter Werke von Paul Cézanne und Paul Gauguin sowie Beispielen traditioneller afrikanischer Kunst, die Picasso beeinflussten. Anschließend wird die Galaxie von Künstlern erkundet, die Picasso und Braque umgaben, die deren Entdeckungen aufnahmen und in mehrere andere distincte Positionen erweiterten. Nicht nur Gemälde sind enthalten, sondern auch einige der berühmtesten Beispiele kubistischer Skulptur sind zu sehen, wie das Karton-Gitarren-Assemblage, das Picasso 1914 schuf. Schließlich sehen wir das Erbe des Kubismus durch die Werke von Künstlern wie Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi und Piet Mondrian. Laut den Kuratoren dieser ehrgeizigen Ausstellung ist das Ziel, dem Publikum einen breiteren Überblick über die Geschichte dieser wichtigen Bewegung zu bieten. Doch was sie tatsächlich erreicht haben, geht etwas tiefer. Sie haben eine hoffnungsvolle Ausstellung zusammengestellt, die uns ermutigt, die Ideen unserer Zeitgenossen zu umarmen und ungeniert auf dem Genie der Vergangenheit aufzubauen.

Eine Veränderung der Perspektive

Es gibt viele verschiedene Erklärungen für den Kubismus. Einige beschreiben ihn als eine geometrische Art, die Welt zu malen. Andere nennen es eine Möglichkeit, die vierte Dimension in die Kunst einzuführen, indem sie Bewegung zeigen. Wieder andere sagen, es sei eine abstrakte Reduktion der Formen und Gestalten, die im Alltag zu finden sind. Die beste Erklärung, die ich je gehört habe, ist, dass Kubismus ein Versuch war, die Perspektive neu zu betrachten. Seit der Renaissance wurde die westliche Kunst von spezifischen Regeln geleitet, wenn es um visuelle Kunst ging – Regeln über Realismus, akzeptable Inhalte und Perspektive. Von Gemälden wurde erwartet, dass sie das Leben nachahmen, indem sie Tiefe, Perspektive und andere illusionistische Werkzeuge einbeziehen. Im Laufe des 19. Jahrhunderts wurden diese Regeln jedoch in Frage gestellt. Die Impressionisten stellten die Regeln über das Sujet in Frage und schufen Werke, die ausschließlich über Licht handelten. Die Divisionisten verwendeten experimentelle Pinselstriche, um Fragen aufzuwerfen, ob Farbe im wirklichen Leben existiert oder nur im Gehirn interpretiert wird. Die Postimpressionisten umarmten Mystik, Symbolismus und Spiritualität und bewiesen, dass formale Elemente wie Farbe und Raum an sich wertvoll sein können, um als Inhalt verfolgt zu werden.

Paul Gauguin - Seid geheimnisvoll, 1890. Polychromiertes Lindenholz-Basrelief, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Der Kubismus fügte dieser Mischung die Idee hinzu, dass die Realität vom menschlichen Auge ganz anders wahrgenommen wird, als sie normalerweise in der Kunst dargestellt wird. Wenn wir etwas sehen, sehen wir es nicht flach und perfekt still. Die Welt bewegt sich ständig, und wir bewegen uns immer durch sie hindurch. Wir sehen Stücke und Fragmente aus verschiedenen Blickwinkeln. Das Licht verändert sich ständig. Die Welt ist in Stücke und Fragmente zerbrochen – einige davon sind unsichtbar, doch wir wissen, dass sie da sind. Der Kubismus versucht, die Fragmente der Realität zu zeigen, die zu einer einzigen Komposition neu zusammengesetzt werden. Er analysiert die Welt aus mehreren simultanen Perspektiven und dekonstruiert das Leben, um seine Komplexität zu zeigen. Kubismus (1907-1917) demonstriert, wie Cézanne in dieser Hinsicht zumindest weit voraus war im Vergleich zu Picasso und Braque. Eines der frühesten Werke in der Ausstellung ist das Cézanne-Gemälde „La Table de cuisine“ (1890). Vom Tisch im Vordergrund bis zu den Körben, Stühlen und Geschirr wird jeder Gegenstand im Bild aus einem subtil anderen Blickwinkel gezeigt. Die Gleichzeitigkeit der Perspektiven wird in diesem Werk erreicht, was es 18 Jahre bevor Picasso und Braque auf dieselbe Idee kamen, eindeutig als proto-kubistisch erklärt.

Paul Cézanne - Der Küchentisch. (Stilleben mit Korb), um 1888-1890. Öl auf Leinwand, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Die Kunst des Ausleihens

Einer der erfrischendsten Aspekte des Kubismus (1907-1917) ist, dass er sich nicht scheut, die Tatsache zu akzeptieren, dass diese Künstler frei voneinander entliehen haben. Manchmal legen wir so viel Wert auf Originalität und verlangen von den Künstlern, dass sie wild innovieren. Diese Ausstellung zeigt, dass Innovation manchmal einfach bedeutet, einen kleinen Schritt nach vorne zu machen, basierend auf den Errungenschaften anderer. Wir sehen „Masque krou“ aus Côte d’Ivoire, eine der afrikanischen Masken, die Picasso direkt inspirierten. Das Gesicht ist in Quadranten unterteilt; die Augen sind aus dem Gleichgewicht; die Merkmale sind in geometrische Bereiche von Schatten und Licht unterteilt. Zwei nahegelegene Gemälde von Picasso – „Portrait de Gertrude Stein“ (1905-1906) und sein Selbstporträt von 1907 – zeigen, wie präzise Picasso die visuelle Sprache der afrikanischen Maske imitierte. Doch dann sehen wir, wie er diese formalen Aspekte zerlegte und den nächsten Schritt machte, indem er die Ideen nutzte, um Objekte im Raum in Gemälden wie „Pains et compotier aux fruits sur une table“ (1908-1909) zu dekonstruieren und die unsichtbaren Aspekte des Charakters in Werken wie „Portrait d’Ambroise Vollard“ (1910) zu offenbaren.

Pablo Picasso - Porträt von Gertrude Stein, 1905-1906. Öl auf Leinwand, 100 x 81,3 cm. Das Metropolitan Museum of Art, New York. © Das Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / Bild des MMA. © Nachlass Picasso 2018

Während die Ausstellung fortschreitet, sehen wir, wie Sonia Delaunay somit die geometrische Sprache von Picasso entlieh – nicht um die physische Welt zu erkunden, sondern um die Formen zu nutzen, um das metaphysische Potenzial von Farbbeziehungen zu erforschen. Wir sehen, wie Piet Mondrian ebenfalls die geometrischen Aspekte des Kubismus entlieh, aber im Gegensatz zu Picasso, der die Realität komplizierte, verwendete Mondrian Geometrie, um die Welt auf ihre grundlegendsten Elemente zu vereinfachen. Wir sehen, wie Künstler wie Juan Gris vom Kubismus entliehen, um einen grafischeren künstlerischen Stil zu schaffen, der Poster-Künstler inspirieren sollte. Und wir sehen, wie die Collagen des Synthetischen Kubismus Dadaisten wie Francis Picabia inspirierten. Wir sehen auch die sogenannten "Tubisten"-Werke von Fernand Léger, die eine nuancierte Veränderung des kubistischen Stils veranschaulichen, die ein Vorläufer der Pop Art wurde. Schön ist, dass es in diesem Fortschritt der Einflüsse keine Scham gibt. Ganz im Gegenteil. Die durchdachte Kuratierung erinnert uns an die schiere Freude, auf den Ideen anderer aufzubauen. Niemand würde sagen, dass einer dieser Künstler an Vorstellungskraft mangelte. Im Gegenteil, Kubismus (1907-1917) beweist, dass Vorstellungskraft manchmal sogar fruchtbarer ist, wenn sie um Hilfe bittet.

Vorschaubild: Pablo Picasso - Gitarre, Paris, Januar-Februar 1914. Metall- und Eisenplatte, 77,5 x 35 x 19,3 cm. Museum of Modern Art, New York. © 2018. Digitalbild, Museum of Modern Art, New York/Scala, Florenz. © Nachlass Picasso 2018
Von Phillip Barcio