Centre Pompidou wirft einen frischen Blick auf den Kubismus in einer umfassenden neuen Ausstellung

Am 17. Oktober eröffnet im Centre Pompidou die erste große kubistische Ausstellung in Paris seit 65 Jahren. Kubismus (1907-1917) vereint mehr als 300 Werke, um unser Verständnis einer der einflussreichsten Kunstrichtungen des 20.^ten Jahrhunderts zu erweitern. Die meisten kubistischen Ausstellungen konzentrieren sich auf die Begründer der Bewegung: Pablo Picasso und Georges Braque. Diese Ausstellung stellt zwar auch ihre Arbeiten in den Mittelpunkt, geht jedoch weit über diesen begrenzten Rahmen hinaus. Sie beginnt mit der Untersuchung selten gezeigter Werke von Paul Cézanne und Paul Gauguin sowie Beispielen traditioneller afrikanischer Kunst, die Picasso beeinflusste. Anschließend wird das Künstlerumfeld um Picasso und Braque erforscht, die ihre Entdeckungen aufnahmen und in zahlreiche weitere eigenständige Richtungen ausweiteten. Gezeigt werden nicht nur Gemälde, sondern auch einige der berühmtesten Beispiele kubistischer Skulptur, wie etwa die Pappgitarre, die Picasso 1914 schuf. Schließlich wird das Erbe des Kubismus durch Werke von Künstlern wie Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi und Piet Mondrian sichtbar. Laut den Kuratoren verfolgt diese ambitionierte Ausstellung das Ziel, dem Publikum einen umfassenderen Überblick über die Geschichte dieser bedeutenden Bewegung zu bieten. Doch was sie tatsächlich erreicht haben, geht noch tiefer. Sie haben eine hoffnungsvolle Ausstellung zusammengestellt, die uns ermutigt, die Ideen unserer Zeitgenossen anzunehmen und unbefangen auf dem Genie der Vergangenheit aufzubauen.

Ein Wechsel der Perspektive

Es gibt viele verschiedene Erklärungen für den Kubismus. Manche beschreiben ihn als eine geometrische Art, die Welt zu malen. Andere sehen darin eine Möglichkeit, die vierte Dimension in die Kunst einzuführen, indem Bewegung dargestellt wird. Wieder andere sagen, es sei eine abstrakte Reduktion der Formen und Gestalten des Alltagslebens. Die beste Erklärung, die ich je gehört habe, ist, dass Kubismus ein Versuch war, die Perspektive neu zu überdenken. Seit der Renaissance wurde die westliche Kunst von bestimmten Regeln geleitet, wenn es um bildende Kunst ging – Regeln über Realismus, zulässige Inhalte und Perspektive. Gemälde sollten das Leben nachahmen, indem sie Tiefe, Perspektive und andere illusionistische Mittel nutzten. Im Verlauf des 19. Jahrhunderts wurden diese Regeln jedoch infrage gestellt. Die Impressionisten stellten die Regeln zum Thema in Frage und schufen Werke, die ausschließlich vom Licht handelten. Die Divisionisten verwendeten experimentelle Pinselstriche, um die Frage aufzuwerfen, ob Farbe in der Wirklichkeit existiert oder nur im Gehirn interpretiert wird. Die Postimpressionisten griffen Mystik, Symbolik und Spiritualität auf und bewiesen, dass formale Elemente wie Farbe und Raum an sich als Inhalt verfolgt werden können.

Paul Gauguin – Soyez mystérieuses, 1890. Polychromes Lindenholz-Relief, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Der Kubismus fügte dieser Mischung die Idee hinzu, dass die Wirklichkeit vom menschlichen Auge ganz anders wahrgenommen wird, als sie gewöhnlich in der Kunst dargestellt wird. Wenn wir etwas sehen, sehen wir es nicht flach und vollkommen stillstehend. Die Welt bewegt sich ständig, und wir bewegen uns immer durch sie hindurch. Wir sehen Bruchstücke aus verschiedenen Blickwinkeln. Das Licht verändert sich ständig. Die Welt ist in Stücke zerlegt – einige davon unsichtbar, doch wir wissen, dass sie da sind. Der Kubismus versucht, die Fragmente der Wirklichkeit zu einem einzigen Bild zusammenzusetzen. Er analysiert die Welt aus mehreren gleichzeitigen Perspektiven und zerlegt das Leben, um seine Komplexität zu zeigen. Kubismus (1907-1917) zeigt, wie Cézanne in dieser Hinsicht Picasso und Braque weit voraus war. Eines der frühesten Werke der Ausstellung ist Cézannes Gemälde „La Table de cuisine“ (1890). Vom Tisch im Vordergrund bis zu den Körben, Stühlen und Geschirr wird jeder Gegenstand im Bild aus einem leicht unterschiedlichen Blickwinkel gezeigt. Die Gleichzeitigkeit der Perspektiven wird in diesem Werk erreicht, was es als deutlich proto-kubistisch ausweist – 18 Jahre bevor Picasso und Braque dieselbe Idee entwickelten.

Paul Cézanne – La Table de cuisine (Stillleben mit Korb), um 1888-1890. Öl auf Leinwand, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Paris. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Die Kunst des Ausleihens

Einer der erfrischendsten Aspekte von Kubismus (1907-1917) ist, dass er nicht davor zurückschreckt, dass diese Künstler frei voneinander entliehen haben. Wir legen manchmal so großen Wert auf Originalität und verlangen von Künstlern, dass sie wild Neues schaffen. Diese Ausstellung zeigt, dass Innovation manchmal einfach bedeutet, einen kleinen Schritt vorwärts zu machen, indem man auf den Leistungen anderer aufbaut. Wir sehen „Masque krou“ aus der Elfenbeinküste, eine der afrikanischen Masken, die Picasso direkt inspirierten. Das Gesicht ist in Viertel geteilt; die Augen sind ungleichmäßig; die Merkmale sind in geometrische Bereiche von Schatten und Licht aufgeteilt. Zwei nahegelegene Gemälde von Picasso – „Portrait de Gertrude Stein“ (1905-1906) und sein Selbstbildnis von 1907 – zeigen, wie genau Picasso die Bildsprache der afrikanischen Maske nachahmte. Doch dann sehen wir, wie er diese formalen Aspekte zergliederte und den nächsten Schritt machte, indem er die Ideen nutzte, um Objekte im Raum in Gemälden wie „Pains et compotier aux fruits sur une table“ (1908-1909) zu dekonstruieren und die unsichtbaren Charakterzüge in Werken wie „Portrait d’Ambroise Vollard“ (1910) zu offenbaren.

Pablo Picasso – Portrait de Gertrude Stein, 1905-1906. Öl auf Leinwand, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / Bild des MMA. © Nachlass Picasso 2018

Im weiteren Verlauf der Ausstellung sehen wir, wie Sonia Delaunay die geometrische Sprache Picassos übernahm – nicht um die physische Welt zu erforschen, sondern um mit den Formen das metaphysische Potenzial von Farbzusammenhängen zu erkunden. Wir sehen, wie Piet Mondrian ebenfalls die geometrischen Aspekte des Kubismus entlieh, aber im Gegensatz zu Picasso, der die Wirklichkeit verkomplizierte, nutzte Mondrian die Geometrie, um die Welt auf ihre grundlegendsten Elemente zu vereinfachen. Wir sehen, wie Künstler wie Juan Gris vom Kubismus entliehen, um einen grafischeren Stil zu schaffen, der später Plakatkünstler inspirierte. Und wir sehen, wie die Collagen des synthetischen Kubismus Dadaisten wie Francis Picabia beeinflussten. Ebenso sehen wir sogenannte „Tubisten“-Werke von Fernand Léger, die eine feine Abwandlung des kubistischen Stils zeigen und Vorläufer der Popkunst wurden. Schön ist, dass es bei dieser Entwicklung der Einflüsse keine Scham gibt. Ganz im Gegenteil. Die durchdachte Zusammenstellung erinnert uns an die reine Freude, auf den Ideen anderer aufzubauen. Niemand würde sagen, dass einem dieser Künstler die Fantasie fehlte. Im Gegenteil, Kubismus (1907-1917) beweist, dass Fantasie manchmal noch fruchtbarer ist, wenn sie um Hilfe bittet.

Abgebildetes Bild: Pablo Picasso – Guitare, Paris, Januar-Februar 1914. Metall- und Eisenplatte, 77,5 x 35 x 19,3 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018. Digitales Bild, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Florenz. © Nachlass Picasso 2018
Von Phillip Barcio