MoMA in Paris - Ausgerichtet von der Fondation Louis Vuitton

Eine hochgelobte Ausstellung moderner Kunst wurde diese Woche in Paris eröffnet und sorgt für reichlich Begeisterung. Doch vielleicht sollte sie ebenso viel Besorgnis hervorrufen. Being Modern: MoMA in Paris zeigt rund 200 Werke aus der Sammlung des Museum of Modern Art in New York. Die Ausstellung findet im von Frank Gehry entworfenen Museum der Fondation Louis Vuitton statt und markiert das erste Mal, dass eine bedeutende Auswahl von Werken des MoMA in Frankreich gezeigt wird. Es ist leicht, die Vielzahl von Gründen aufzuzählen, warum diese Ausstellung als wunderbare Sache für Frankreich, für das MoMA und für die moderne Kunst im Allgemeinen gefeiert wird. Schließlich umfasst die Liste der Künstler und Kunstwerke in der Ausstellung die gesamte Geschichte des Museums von seiner Gründung 1929 bis heute. Sie enthält viele der größten Namen der Kunst der letzten 100 Jahre. Offensichtlich sollte jede Gelegenheit, so viele einflussreiche und berühmte Werke zu sehen, von allen genutzt werden, die es möglich machen können, den Veranstaltungsort zu besuchen. Doch sollten wir auch einen Moment innehalten und ernsthaft betrachten, warum die Ausstellung auch Besorgnis erregt: nämlich wegen der überwältigenden Menge an übertriebenem Lob, das über die Bedeutung der Veranstaltung verbreitet wird. Die offiziellen Pressematerialien, die von der Presse bis zum Erbrechen nachgedruckt und zitiert wurden, bezeichnen die Ausstellung wiederholt als „Manifest-Ausstellung“ und beschreiben das MoMA als eines der „wichtigsten Museen“ der Welt. Die Schau wird als „innovativ“, „umfassend“ und „beispiellos“ bezeichnet. Immer wieder taucht sogar das Wort „mythisch“ auf. Und genau dieses letzte Adjektiv, „mythisch“, scheint am gefährlichsten zu sein, denn es ist das einzige Gefühl in Bezug auf diese Ausstellung, das nicht als bloße Übertreibung abgetan werden kann. Mythen sind mächtig. Und bei einer Ausstellung von diesem Ausmaß haben die Mythen, die sie schafft und erhält, die Fähigkeit, die weltweite Erzählung über Kunst für kommende Generationen zu prägen.

Diese Adjektive genauer betrachten

Das offensichtlich lächerlichste Adjektiv, das zur Beschreibung von Being Modern: MoMA in Paris verwendet wird, ist „umfassend“. Konkret heißt es im Pressematerial: „Being Modern: MoMA in Paris ist die erste umfassende Ausstellung in Frankreich der Sammlung des Museum of Modern Art.“ Doch in Wahrheit ist die Ausstellung zwar umfangreich – sie zeigt rund 200 Objekte –, aber die derzeitige Größe der gesamten MoMA-Sammlung beträgt etwa 200.000 Objekte. Diese Ausstellung zeigt also ungefähr ein Tausendstel dessen, was das MoMA besitzt. Es ist nur ein winziger Einblick in die vollständigen Archive. Warum also wird sie als umfassend bezeichnet? Die Antwort könnte sein, dass das Auswahlkomitee, dem Vertreter sowohl der Fondation Louis Vuitton als auch des MoMA angehörten, glaubt, dass die winzige Anzahl der ausgewählten Objekte den Charakter und die Substanz der verbleibenden 199.800 Objekte vollständig repräsentiert. Aber ist das auch nur annähernd wahr?

Wenn man sich die Liste der in MoMA in Paris vertretenen Künstler ansieht, wirkt sie keineswegs repräsentativ für die gesamte MoMA-Sammlung. Mehr als 75.000 Objekte aus dieser Sammlung sind online archiviert, daher habe ich in dieser Datenbank eine schnelle Textsuche nach drei Künstlerinnen durchgeführt, die in dieser Ausstellung nicht vertreten sind, die ich aber für einige der einflussreichsten modernen Künstlerinnen aller Zeiten halte: Louise Bourgeois, Anni Albers und Helen Frankenthaler. Es stellt sich heraus, dass das MoMA Hunderte von Werken dieser drei Künstlerinnen besitzt. Doch seltsamerweise sind sie in dieser Ausstellung nicht vertreten. Ich habe eine weitere Suche durchgeführt, da MoMA in Paris Werke einiger männlicher Dadaisten zeigt. Also habe ich geprüft, ob die MoMA-Archive Werke einflussreicher weiblicher Dadaistinnen besitzen. Es stellt sich heraus, dass sie mehr als ein Dutzend Werke von Hannah Höch und Sophie Taeuber Arp haben, aber nur ihre bekannteren männlichen Kollegen in dieser Ausstellung vertreten sind. Können wir also sagen, diese Ausstellung sei umfassend? Kaum. Was wir sagen können, ist, dass die Kuratoren Werke von großen Namen ausgewählt haben. Aber das nennt man einen Kassenschlager, nicht eine umfassende Darstellung der Geschichte oder der MoMA-Sammlung.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neonröhren und Draht mit Glasröhren-Halterungen, 2,39 x 1,79 x 0,65 m. The Museum of Modern Art, New York. Geschenk von Emily und Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

Die Schwierigkeit mit Innovation

Das nächste Adjektiv aus dem Pressematerial von MoMA in Paris, das wir genauer betrachten müssen, ist „innovativ“. Dies ist ein bedeutungsvolles Wort, das zu Recht in jedem Gespräch über moderne Kunst verwendet wird. Innovation bedeutet Originalität, Kreativität, Experimentierfreude und manchmal sogar Genie. Ist das also das richtige Wort, um diese Ausstellung zu beschreiben? Wie wir bereits wissen, wurden die Künstler nicht ausgewählt, weil sie die kreativsten, originellsten, experimentierfreudigsten oder größten Genies sind oder waren. Mit wenigen Ausnahmen (wie der Einbeziehung der brasilianischen Konstruktivistin Lygia Clark in den bekannten Minimalisten-Club der weißen Männer Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly und Frank Stella), wurden die Künstler hauptsächlich wegen ihres Namens oder weil sie in die bestehende Erzählung der modernen Kunstgeschichte passen, ausgewählt. Aber das ist natürlich nichts Neues. Es ist die übliche kuratorische Taktik für umfassende historische Rückblicke. Und das ist in Ordnung. Aber es ist nicht innovativ. Vielleicht bezieht sich das Wort „innovativ“ bei dieser Ausstellung nicht auf die Schau selbst, sondern auf die Werke.

Wenn das der Fall ist, sollten wir erwarten, die innovativsten Vertreter des Modernismus in der Ausstellung zu sehen. Um das zu prüfen, betrachten wir die Liste der abstrakten Expressionisten, die gezeigt werden. Jackson Pollock ist vertreten, ebenso wie Willem de Kooning. Aber wo sind die anderen? Wo ist Louise Nevelson, zweifellos die innovativste Bildhauerin jener Generation? Ihre Werke sind im MoMA. Warum nicht hier zeigen? Wo ist Perle Fine? Oder Jay DeFeo? Oder, wenn man schon Werke von Jackson Pollock zeigt, warum nicht David Alfaro Siqueiros, der berühmte mexikanische Wandmaler, der den Workshop in New York City leitete (den Pollock besuchte) und der viele der Methoden einführte, die Pollock für seine ikonischen Tropf- und Spritzbilder verwendete? Oder warum nicht Janet Sobel, die weibliche Spritzmalerin, die ebenfalls an Siqueiros’ Workshop teilnahm und deren Atelier Pollock besuchte, bevor er seine eigene Spritztechnik „erfand“? Werke von Siqueiros und Sobel sind in der MoMA-Sammlung. Ihre Abwesenheit hier zeigt, dass diese Ausstellung nicht um Innovation geht. Sie ist nur eine Wiederholung der üblichen Halbwahrheiten, die sich seit Generationen als Geschichte ausgeben.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Synthetische Polymerfarbe und Zeitung auf Leinen, 221 x 214,6 cm. The Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (links) und Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Öl auf Leinwand, vierundsechzig Tafeln, 240 x 240 cm. The Museum of Modern Art, New York. Geschenk des Künstlers, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (rechts)

Das Problem mit Mythen

Insgesamt ist das einzige Adjektiv, das zur Beschreibung von MoMA in Paris verwendet wird und nicht nach Übertreibung riecht, „beispiellos“. Tatsächlich ist es das erste Mal, dass so viele Werke des MoMA gleichzeitig in Frankreich gezeigt werden. Also gut, per Definition ist das beispiellos. (Das bedeutet aber nicht, dass es nicht auch gewöhnlich ist.) Und die einzige übertriebene Formulierung im Pressematerial, die der Wahrheit nahekommt, ist die Aussage, dass das MoMA eines der „wichtigsten Museen“ der Welt ist. Diese Aussage ist nachweislich richtig. Dass das MoMA unbestreitbar wichtig ist, lässt sich auf vielfältige Weise belegen. Wir können den Einfluss der Institution durch ihre Ankäufe auf andere große Kunstsammlungen der Welt messen. Schließlich zeigen viele Kunsthändler privaten Sammlern die Bedeutung der von ihnen vertretenen Künstler, indem sie darauf verweisen, in welchen Museumssammlungen die Künstler vertreten sind. (Die Antwort lautet: alle.) Wir können die Besucherzahlen des MoMA pro Jahr betrachten (etwa zwei bis drei Millionen). Und wir können das Jahresbudget des Museums (etwa 150 Millionen Dollar) und das Gehalt seines Direktors (2,1 Millionen Dollar im Jahr 2013) ansehen. All diese Kennzahlen zeigen, dass das MoMA tatsächlich weltweit enorm einflussreich und daher wichtig ist.

Und das bringt uns zum letzten Adjektiv, das in Verbindung mit dieser Ausstellung verwendet wird: „mythisch“. Das ultimative Maß an Macht ist die Fähigkeit, zu beeinflussen, was Menschen für wahr halten. Das MoMA ist mächtig. Es hat die Macht, entweder weiterhin Mythen zu schaffen und zu verbreiten oder die Wahrheit klarzustellen. Mit dieser Ausstellung haben sowohl die Fondation Louis Vuitton als auch das MoMA ihre Absicht bekundet, den Status quo zu bewahren. Ja, die gezeigten Werke sind voller Pracht. Aber wie viel von dieser Pracht beruht auf echtem Wert, und wie viel auf der hartnäckigen Werbearbeit, die seit Generationen Geschichten über Kunst und Geschichte verbreitet, die bestenfalls Übertreibungen und schlimmstenfalls glatte Lügen sind? Wirklich innovativ, originell und modern wäre es, eine Ausstellung dieses Ausmaßes zu veranstalten, die versucht, die Wahrheit über den Modernismus zu erzählen. Zeigt uns, von wem Picasso kopierte. Zeigt uns, von wem Pollock abkupferte. Zeigt uns die indigenen Künstler, die Künstlerinnen, die nicht-weißen Künstler und die ungeschulten Künstler, auf deren Rücken die Superstars, die wir alle kennen und lieben, herumtrampelten. Das wäre eine „innovative“, „umfassende“ und wirklich „beispiellose“ „Manifest-Ausstellung“, die ich unterstützen könnte.

Titelbild: Yayoi Kusama – Accumulation Nr. 1, 1962. Genähter Stoff mit Füllung, Farbe und Stuhlfransen, 94 x 99,1 x 109,2 cm. The Museum of Modern Art, New York. Geschenk von William B. Jaffe und Evelyn A. J. Hall (durch Tausch), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Alle Bilder mit freundlicher Genehmigung von MoMA und Fondation Louis Vuitton

Von Phillip Barcio