MoMA en París - Organizado por la Fondation Louis Vuitton
Una exposición muy aclamada de arte moderno se inauguró esta semana en París, y está inspirando bastante celebración. Pero quizás también debería inspirar una cantidad igual de consternación. Ser Moderno: MoMA en París presenta alrededor de 200 obras de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Realizada en el museo Fundación Louis Vuitton, diseñado por Frank Gehry, la exposición marca la primera vez que una selección sustancial de obras del MoMA se exhibe en Francia. Es bastante fácil enumerar la multitud de razones por las que esta exposición es celebrada como algo maravilloso para Francia, para el MoMA y para el arte moderno en general. Después de todo, la lista de artistas y obras incluidas en la muestra abarca toda la historia del museo, desde su fundación en 1929 hasta hoy. Incluye muchos de los nombres más importantes del arte de los últimos 100 años. Así que, obviamente, cualquier oportunidad de ver tantas obras influyentes y famosas debería ser aprovechada por todos los que puedan asistir al lugar. Pero solo por un momento, también deberíamos mirar seriamente por qué la muestra también está causando ansiedad: a saber, la asombrosa cantidad de exageraciones grandilocuentes que se difunden sobre la importancia del evento. Los materiales oficiales de prensa, que han sido reimpresos y citados hasta el hartazgo por la prensa, llaman repetidamente a la muestra una “exposición manifiesto” y describen al MoMA como uno de los “museos más importantes” del mundo. La muestra es calificada como “innovadora”, “completa” y “sin igual”. Una y otra vez aparece incluso la palabra “mítica”. Y es ese último adjetivo, “mítica”, el que parece más peligroso, porque es el único sentimiento respecto a esta exposición que no puede descartarse como mera exageración. Los mitos son poderosos. Y cuando se trata de una exposición de esta magnitud, los mitos que crea y mantiene tienen la capacidad de moldear la narrativa global sobre el arte por generaciones venideras.
Desglosemos Esos Adjetivos
El adjetivo más obviamente ridículo que se usa para describir Ser Moderno: MoMA en París es “completa”. Específicamente, el kit de prensa afirma que, “Ser Moderno: MoMA en París es la primera exposición completa en Francia de la colección del Museo de Arte Moderno.” Pero en verdad, aunque la exposición es de hecho sustancial—presenta alrededor de 200 objetos—el tamaño actual de la colección completa del MoMA es de alrededor de 200,000 objetos. Así que esta exposición presenta aproximadamente una milésima parte de lo que posee el MoMA. Es solo un pequeño vistazo a los archivos completos. ¿Por qué llamarla completa? La respuesta podría ser que el comité de selección, que incluyó representantes tanto de la Fundación Louis Vuitton como del MoMA, cree que el número minúsculo de piezas que eligieron representa completamente el carácter y la sustancia de los restantes 199,800 objetos que quedaron fuera. Pero, ¿es eso siquiera remotamente cierto?
Al revisar la lista de artistas incluidos en MoMA en París, no parece en absoluto ser representativa de toda la colección del MoMA. Más de 75,000 objetos de esa colección están archivados en línea, así que hice una búsqueda rápida en esa base de datos para buscar tres artistas que no están incluidos en esta exposición, pero que considero entre los artistas modernos más influyentes de todos los tiempos: Louise Bourgeois, Anni Albers y Helen Frankenthaler. Resulta que el MoMA posee cientos de obras de estos tres artistas. Pero curiosamente no están incluidos en esta exposición. Hice otra búsqueda, notando que MoMA en París contiene obras de un puñado de dadaístas masculinos. Así que verifiqué si los archivos del MoMA tienen alguna obra de las influyentes dadaístas femeninas. Resulta que tienen más de una docena de obras de Hannah Höch y Sophie Taeuber Arp, pero solo sus contrapartes masculinas más conocidas están incluidas en esta exposición. ¿Podemos entonces decir que esta exposición es completa? Difícilmente. Lo que sí podemos decir es que los curadores escogieron a mano obras de artistas de renombre. Pero eso se llama un éxito comercial, no una representación completa de la historia o de la colección del MoMA.
Bruce Nauman – Humano/Necesidad/Deseo, 1983. Tubos de neón y alambre con marcos de suspensión de tubos de vidrio, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). Museo de Arte Moderno, Nueva York. Donación de Emily y Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York
La Dificultad con la Innovación
El siguiente adjetivo del kit de prensa de MoMA en París que necesitamos analizar es “innovadora”. Esta es una palabra significativa, y que justamente pertenece a cualquier conversación sobre arte moderno. Innovación implica originalidad, creatividad, experimentación y a veces incluso genialidad. ¿Es esa la palabra correcta para describir esta exposición? Como ya sabemos, los artistas no fueron elegidos porque fueran, o sean, los más creativos, los más originales, los más experimentales o los mayores genios. Con algunas pocas excepciones (como incluir a la constructivista brasileña Lygia Clark junto con el conocido club de chicos minimalistas blancos Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly y Frank Stella), los artistas fueron elegidos en gran parte por reconocimiento de nombre, o porque encajaban en la narrativa existente de la historia del arte moderno. Pero esto no es nada nuevo, por supuesto. Es la táctica curatorial estándar para retrospectivas históricas amplias. Y eso está bien. Pero no es innovador. Por otro lado, quizás cuando se usa la palabra innovadora para describir esta exposición, no se refiere a la muestra en sí, sino a las obras.
Si ese es el caso, deberíamos esperar ver a los representantes más innovadores del modernismo incluidos en la exposición. Para analizar si ese es el caso, veamos la lista de expresionistas abstractos en exhibición. Jackson Pollock está incluido, al igual que Willem de Kooning. Pero, ¿dónde están los demás? ¿Dónde está Louise Nevelson, fácilmente la escultora más innovadora de esa generación? Su obra está en el MoMA. ¿Por qué no incluirla aquí? ¿Dónde está Perle Fine? ¿O Jay DeFeo? O francamente, si van a incluir la obra de Jackson Pollock, ¿por qué no incluir a David Alfaro Siqueiros, el famoso muralista mexicano que impartió el taller en Nueva York (al que asistió Pollock) que introdujo muchos de los métodos que Pollock usó para sus icónicas pinturas de goteo y salpicaduras? O para el caso, ¿por qué no incluir a Janet Sobel, la pintora de salpicaduras femenina que también asistió al taller de Siqueiros y cuyo estudio Pollock visitó antes de “innovar” su propia técnica de salpicaduras? Obras de Siqueiros y Sobel están en la colección del MoMA. Su ausencia aquí demuestra que esta exposición no trata sobre innovación. Es solo una reiteración de las medias verdades estándar que se han hecho pasar por historia durante generaciones.
Rirkrit Tiravanija – Sin título (los días de esta sociedad están contados / 7 de diciembre de 2012), 2014. Pintura de polímero sintético y periódico sobre lino, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). Museo de Arte Moderno, Nueva York. Fondo del Comité de Dibujos y Grabados, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Izquierda) y Ellsworth Kelly – Colores para una Gran Pared, 1951. Óleo sobre lienzo, sesenta y cuatro paneles, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). Museo de Arte Moderno, Nueva York. Donación del artista, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Derecha)
El Problema con los Mitos
En general, el único adjetivo que se usa para describir MoMA en París que no huele a exageración es “sin igual”. Esta es verdaderamente la primera vez que tantas obras del MoMA se exhiben al mismo tiempo en Francia. Así que, bien, por definición esto es sin igual. (Aunque eso no significa que no sea también genérico.) Y la única frase grandilocuente en el kit de prensa que se acerca a ser cierta es que el MoMA es uno de los “museos más importantes” del mundo. Ese comentario es demostrablemente factual. Que el MoMA es indudablemente importante puede probarse de muchas maneras. Podemos medir la influencia que ejerce la institución con sus adquisiciones sobre las otras grandes colecciones de arte del mundo. Después de todo, ¿cuántos vendedores de arte demuestran a coleccionistas privados la importancia de los artistas que representan haciendo referencia a en qué colecciones de museos están los artistas? (La respuesta es todos.) Y podemos medir el número de visitantes que recibe el MoMA cada año (alrededor de dos a tres millones). Y podemos ver el presupuesto anual del museo (alrededor de 150 millones de dólares) y el salario de su director (2.1 millones en 2013). Todos esos indicadores muestran que el MoMA es de hecho masiva y globalmente influyente, y por lo tanto importante.
Y eso nos lleva al último adjetivo que se usa en conjunto con esta exposición: “mítica”. La medida máxima del poder es la capacidad de afectar lo que la gente cree que es verdad. El MoMA es poderoso. Tiene el poder de seguir creando y difundiendo mitos o de aclarar la verdad. Con esta exposición, tanto la Fundación Louis Vuitton como el MoMA han anunciado su intención de mantener el statu quo. Sí, las obras en exhibición están llenas de grandeza. Pero, ¿cuánta de esa grandeza tiene que ver con un valor auténtico y cuánta con el persistente esfuerzo de mercadotecnia que durante generaciones ha promovido historias sobre arte e historia que son exageraciones en el mejor de los casos y mentiras descaradas en el peor? Lo que sería verdaderamente innovador, original y moderno sería montar una exposición de esta magnitud que intentara contar la verdad sobre el Modernismo. Muéstrennos a quién copió Picasso. Muéstrennos a quién plagió Pollock. Muéstrennos a los artistas indígenas, a las artistas mujeres, a los artistas no blancos y a los artistas sin formación cuyos cuellos pisotearon las superestrellas que todos conocemos y amamos. Esa sería una “exposición manifiesto” “innovadora”, “completa” y verdaderamente “sin igual” que yo apoyaría.
Imagen destacada: Yayoi Kusama – Acumulación No. 1, 1962. Tela rellena cosida, pintura y flecos de silla 37 x 39 x 43″ (94 x 99.1 x 109.2 cm). Museo de Arte Moderno, Nueva York Donación de William B. Jaffe y Evelyn A. J. Hall (por intercambio), 2012. © 2017 Yayoi Kusama
Todas las imágenes cortesía del MoMA y la Fundación Louis Vuitton
Por Phillip Barcio
