MoMA en París - Organizado por la Fondation Louis Vuitton
Una exposición muy aclamada de arte moderno se inauguró en París esta semana, y está inspirando bastante celebración. Pero quizás también debería inspirar una cantidad igual de consternación. Ser Moderno: MoMA en París presenta alrededor de 200 obras de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Celebrada en el museo de la Fundación Louis Vuitton diseñado por Frank Gehry, la exposición marca la primera vez que una selección sustancial de obras de MoMA se exhibe en Francia. Es bastante fácil enumerar la multitud de razones por las que esta exposición es aclamada como algo maravilloso para Francia, para MoMA y para el arte moderno en general. Después de todo, la lista de artistas y obras de arte incluidas en la muestra abarca toda la historia del museo, desde su fundación en 1929 hasta hoy. Incluye muchos de los nombres más grandes del arte de los últimos 100 años. Así que, obviamente, cualquier oportunidad de ver tantas obras influyentes y famosas debería ser aprovechada por todos los que puedan llegar al lugar. Pero solo por un momento, también deberíamos echar un vistazo serio a por qué la muestra también está causando ansiedad: a saber, la asombrosa cantidad de exageraciones hiperbólicas que se están difundiendo sobre la importancia del evento. Los materiales de prensa oficiales, que han sido reimpresos y citados ad nauseam por la prensa, llaman repetidamente a la muestra una "exposición manifiesto" y describen a MoMA como uno de los "museos más importantes" del mundo. La muestra es etiquetada como "innovadora", "completa" y "sin igual". Una y otra vez, la palabra "mítica" incluso aparece. Y es ese último adjetivo, "mítica", el que parece ser el más peligroso, porque es el único sentimiento respecto a esta exposición que no puede ser desestimado como mera exageración. Los mitos son poderosos. Y cuando se trata de una exposición de esta magnitud, los mitos que crea y mantiene tienen la capacidad de moldear la narrativa global sobre el arte para las generaciones venideras.
Desempaqueta esos adjetivos
El adjetivo más ridículo que se utiliza para describir Being Modern: MoMA en París es "completo". Específicamente, el kit de prensa afirma que, "Being Modern: MoMA en París es laprimera exposición completa en Francia de la colección delmuseo de Arte Moderno." Pero en verdad, aunque la exposición es sustancial—presenta alrededor de 200 objetos—el tamaño actual de la colección completa de MoMA es de alrededor de 200,000 objetos. Así que esta exposición presenta aproximadamente una milésima parte de lo que posee MoMA. Es solo un pequeño vistazo de los archivos completos. ¿Por qué llamarlo completo? La respuesta podría ser porque el comité de selección, que incluía representantes de la Fondation Louis Vuitton y MoMA, cree que el minúsculo número de artículos que eligieron representa completamente el carácter y la sustancia de los 199,800 objetos restantes. Pero, ¿es eso siquiera remotamente cierto?
Al revisar la lista de artistas incluidos en MoMA en París, de ninguna manera parece ser representativa de toda la colección del MoMA. Más de 75,000 objetos de esa colección están archivados en línea, así que hice una búsqueda rápida de texto en esa base de datos para buscar tres artistas que no están incluidos en esta exposición, pero que considero entre los artistas modernos más influyentes de todos los tiempos: Louise Bourgeois, Anni Albers y Helen Frankenthaler. Resulta que el MoMA posee cientos de obras de estos tres artistas. Pero extrañamente no están incluidos en esta exposición. Hice otra búsqueda, notando que MoMA en París contiene obras de un puñado de dadaístas masculinos. Así que verifiqué si los archivos del MoMA tienen alguna obra de alguna de las influyentes dadaístas femeninas. Resulta que tienen más de una docena de obras de Hannah Höch y Sophie Taeuber Arp, pero solo sus contrapartes masculinas más conocidas están incluidas en esta exposición. Entonces, ¿podemos decir que esta exposición es completa? Difícilmente. Lo que podemos decir es que los curadores seleccionaron a mano obras de artistas de renombre. Pero eso se llama un blockbuster, no una representación completa de la historia o de la colección del MoMA.
Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Tubos de neón y alambre con marcos de suspensión de tubos de vidrio, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York. Donación de Emily y Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York
La Dificultad con la Innovación
El siguiente adjetivo del kit de prensa del MoMA en París que necesitamos desglosar es "innovador". Esta es una palabra significativa, y que con razón pertenece a cualquier conversación sobre arte moderno. Innovación implica originalidad, creatividad, experimentación y a veces incluso genialidad. Entonces, ¿es esa la palabra correcta para usar al describir esta exposición? Como ya sabemos, los artistas no fueron elegidos porque fueran, o sean, los más creativos, los más originales, los más experimentales, o los más grandes genios. Con un pequeño número de excepciones (como incluir a la constructivista brasileña Lygia Clark en el conocido club de chicos blancos minimalistas de Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly y Frank Stella), los artistas fueron elegidos en gran medida por el reconocimiento de nombre, o porque encajaban en la narrativa existente de la historia del arte moderno. Pero esto no es nada nuevo, por supuesto. Es la táctica curatorial estándar para grandes retrospectivas históricas. Y eso está bien. Pero no es innovador. Por otro lado, quizás cuando se usa la palabra innovador para describir esta exposición, se refiere no al espectáculo en sí, sino al trabajo.
Si ese es el caso, deberíamos esperar ver a los representantes más innovadores del modernismo incluidos en la exposición. Para analizar si ese es el caso, mire la lista de expresionistas abstractos en exhibición. Jackson Pollock está incluido, al igual que Willem de Kooning. Pero, ¿dónde están los demás? ¿Dónde está Louise Nevelson, fácilmente la escultora más innovadora de esa generación? Su trabajo está en el MoMA. ¿Por qué no incluirlo aquí? ¿Dónde está Perle Fine? ¿O Jay DeFeo? O, francamente, si vas a incluir el trabajo de Jackson Pollock, ¿por qué no incluir a David Alfaro Siqueiros, el famoso muralista mexicano que enseñó el taller en la ciudad de Nueva York (al que asistió Pollock) que presentó por primera vez muchos de los métodos que Pollock utilizó para sus icónicas pinturas de goteo y salpicadura? O, para ese caso, ¿por qué no incluir a Janet Sobel, la pintora de salpicaduras que también asistió al taller de Siqueiros, y cuyo estudio Pollock visitó antes de "innovar" su propia técnica de salpicadura? Las obras de Siqueiros y Sobel están en la colección del MoMA. Su ausencia aquí demuestra que esta exposición no se trata de innovación. Es solo una reiteración de las medias verdades estándar que se han presentado como historia durante generaciones.
Rirkrit Tiravanija – Sin título (los días de esta sociedad están contados / 7 de diciembre de 2012), 2014. Pintura de polímero sintético y periódico sobre lino, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York. Fondo del Comité de Dibujos y Grabados, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Izquierda) y Ellsworth Kelly – Colores para una gran pared, 1951. Óleo sobre lienzo, sesenta y cuatro paneles, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York. Donación del artista, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Derecha)
El Problema con los Mitos
En general, el único adjetivo que se utiliza para describir MoMA en París que no huele a exageración es "sin igual". Esta realmente es la primera vez que tantas obras del MoMA han estado expuestas al mismo tiempo en Francia. Así que, de acuerdo con la definición, esto es sin igual. (Aunque eso no significa que no sea también genérico.) Y la única frase de tipo exagerado en el kit de prensa que se acerca a ser cierta es que el MoMA es uno de los "museos más importantes" del mundo. Ese comentario es demostrablemente factual. Que el MoMA es indudablemente importante se puede probar de múltiples maneras. Podemos medir la influencia que la institución ejerce con sus adquisiciones en las otras grandes colecciones de arte del mundo. Después de todo, ¿cuántos vendedores de arte demuestran a los coleccionistas privados la importancia de los artistas que representan al referirse a qué colecciones de museos está el artista? (La respuesta es todos ellos.) Y podemos medir el número de visitantes que recibe el MoMA cada año (alrededor de dos a tres millones). Y podemos mirar el presupuesto anual del museo (alrededor de 150 millones de dólares) y el salario de su director (2.1 millones de dólares en 2013). Todos esos métricas indican que el MoMA es, de hecho, masivamente influyente a nivel global y, por lo tanto, importante.
Y eso nos lleva al último adjetivo que se utiliza en relación con esta exposición: “mítico”. La medida definitiva del poder es la capacidad de afectar lo que la gente cree que es verdad. El MoMA es poderoso. Tiene el poder de seguir creando y promulgando mitos o de corregir el registro. Con esta exposición, tanto la Fondation Louis Vuitton como el MoMA han anunciado su intención de mantener el statu quo. Sí, las obras en exhibición están llenas de grandeza. Pero, ¿cuánto de esa grandeza tiene que ver con el valor auténtico, y cuánto tiene que ver con el esfuerzo de marketing persistente que durante generaciones ha promovido historias sobre el arte y la historia que son exageraciones en el mejor de los casos, y mentiras descaradas en el peor? Lo que realmente sería innovador, original y moderno sería organizar una exposición de esta magnitud que intentara contar la verdad sobre el Modernismo. Muéstranos a quién Picasso copió. Muéstranos a quién Pollock plagiaron. Muéstranos a los artistas indígenas, a las artistas mujeres, a los artistas no blancos y a los artistas no entrenados cuyos cuellos fueron pisoteados por las superestrellas que todos conocemos y amamos. Eso sería una “exposición de manifiesto” “innovadora”, “integral” y verdaderamente “sin igual” a la que podría apoyar.
Imagen destacada: Yayoi Kusama – Acumulación No. 1, 1962. Tela rellena cosida, pintura y flecos de silla 37 x 39 x 43″ (94 x 99.1 x 109.2 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York Donación de William B. Jaffe y Evelyn A. J. Hall (por intercambio), 2012. © 2017 Yayoi Kusama
Todas las imágenes cortesía de MoMA y Fondation Louis Vuitton
Por Phillip Barcio
