कैसे अमूर्तता ने अग्रणी कला की सेवा की

आज के अधिकांश राजनेता avant-garde art की अनदेखी करते हैं। वे इसे बौद्धिकों के लिए एक हानिरहित गढ़ के रूप में देखते हैं जो गूढ़ सौंदर्यशास्त्र दर्शन में लगे होते हैं। लेकिन हमेशा ऐसा नहीं था। कुछ समय पहले, सत्ता के धनी avant-garde कला को एक ऐसी शक्ति के रूप में डरते थे जो सांस्कृतिक प्रभाव डाल सकती थी, या यहां तक कि राष्ट्रीय चरित्र को भी बदल सकती थी। और abstraction से जुड़ी avant-garde कला आंदोलनों को विशेष रूप से खतरनाक माना जाता था, क्योंकि उनके उद्देश्य की अस्पष्टता और उनके प्रभाव की अनिश्चितता के कारण। आज हम उन तरीकों को देखते हैं जिनसे abstraction ने अतीत के avant-garde कला आंदोलनों को प्रभावित किया, और उन आंदोलनों का हमारे संस्कृति पर प्रभाव।

Salon of the Refused

1863, पेरिस

Avant-garde का अर्थ है अग्रिम दस्ते। यह एक फ्रांसीसी सैन्य शब्द है जो उन सैनिकों के लिए उपयोग होता है जो अनिश्चित दुश्मनों के खिलाफ नए क्षेत्र में अग्रिम पंक्ति में होते हैं। कला का वर्णन करने के लिए इसका उपयोग कम से कम 1863 से होता आ रहा है। उसी वर्ष एक avant-garde कला आंदोलन जिसे इंप्रेशनिज़्म कहा जाता है, ने फ्रांस की सांस्कृतिक शक्ति संरचना को उलट दिया। 1667 से, Académie des Beaux-Arts नामक एक संस्था ने सम्मानित फ्रांसीसी कला को परिभाषित किया था। वे एक वार्षिक प्रदर्शनी आयोजित करते थे जिसे Salon de Paris कहा जाता था, जो चुनिंदा कलाकारों को सामाजिक अभिजात वर्ग द्वारा स्वीकृति से जुड़ी प्रतिष्ठा प्रदान करता था।

इंप्रेशनिस्ट प्रयोगकर्ता थे। उन्होंने चित्रकारी के नए तरीके खोजे; वे बाहर चित्रित करते थे, रोजमर्रा के दृश्य चित्रित करते थे, और विषय वस्तु की तुलना में प्रकाश को अधिक महत्व देते थे। वे चित्रकारी का नया तरीका खोज रहे थे, साथ ही दुनिया को देखने का नया तरीका भी। उनका काम Salon de Paris से अस्वीकार कर दिया गया था। लेकिन नेपोलियन ने तय किया कि जनता को यह निर्धारित करना चाहिए कि इंप्रेशनिस्ट शैली में मूल्य है या नहीं, इसलिए उन्होंने 1963 में Salon des Refusés का आयोजन किया, जिसमें औपचारिक Salon द्वारा अस्वीकृत काम प्रदर्शित किया गया। यह शो औपचारिक Salon से भी अधिक लोकप्रिय था, जिसके परिणामस्वरूप इंप्रेशनिज़्म का उदय हुआ, और Académie des Beaux-Arts की शक्ति में गिरावट आई।

Salon des Indépendants

1884, पेरिस

Salon de Refusés की सफलता के बावजूद, यह विचार अभी भी बना रहा कि कला प्रदर्शनियों को जूरी द्वारा चुना जाना चाहिए; कि कुछ विशिष्ट लोग स्वाद स्थापित करने की शक्ति रखते हैं। लेकिन 1884 में, Société des Artistes Indépendants नामक एक समूह, जिसमें Georges Seurat और Paul Signac शामिल थे, जो Pointillism के संस्थापक थे, ने इस धारणा को तोड़ने में मदद की और पहला Salon des Indépendants बनाया, जो किसी भी कलाकार के लिए खुला एक प्रदर्शनी था। उनका आदर्श वाक्य था बिना जूरी और बिना पुरस्कार।

अपने 30 वर्षों के दौरान, सैलॉन देस इंडिपेंडेंट्स ने नियो-इंप्रेशनिज़्म, डिवीजनिज़्म, सिम्बोलिस्ट्स, फॉविज़्म, एक्सप्रेशनिज़्म, क्यूबिज़्म और ऑर्फ़िज़्म की स्थापना में मदद की। इसने अमूर्त कला को आश्रय दिया और समान विचारधारा वाले अवांट-गार्डे कलाकारों को जोड़ा। इसने सेज़ान, गॉगैन, टूलूज़-लॉट्रेक, वैन गॉग और मैटिस की प्रतिष्ठा को मजबूत किया। और सबसे महत्वपूर्ण, इसने स्थापित किया कि आधुनिकतावादी कला किसी भी संस्था के नियंत्रण में नहीं थी, और समाज तक पहुंचा जा सकता था, और इसलिए अवांट-गार्डे द्वारा प्रभावित किया जा सकता था।

पाब्लो पिकासो - लेस डेमोइसल्स डी'एविग्नॉन, 1907। कैनवास पर तेल। 8' x 7' 8" (243.9 x 233.7 सेमी)। MoMA संग्रह। लिली पी. ब्लिस बीक्वेस्ट के माध्यम से अधिग्रहित (विनिमय द्वारा)। © 2019 पाब्लो पिकासो की संपत्ति / आर्टिस्ट राइट्स सोसाइटी (ARS), न्यूयॉर्क

इतालवी फ्यूचरिज़्म

1909, इटली

20वीं सदी के मोड़ के आसपास, औद्योगीकृत लोगों के मानसिकता में एक व्यापक विकास हुआ। संस्कृति पुराने, प्राचीन तरीकों पर भरोसे से हटकर यह विश्वास करने लगी कि पुराने और प्राचीन तरीके बेकार हैं। वह अवांट-गार्डे कला आंदोलन जिसने इस विकास को सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्त किया, और जनता के मन में इसे मजबूत किया, वह इतालवी फ्यूचरिज़्म था।

1909 में प्रकाशित फ्यूचरिस्ट घोषणापत्र ने कलाकारों की एक नई पीढ़ी की मंशा व्यक्त की कि वे अतीत के संस्थानों और विचारों को नष्ट कर नए के लिए रास्ता बनाएं। इसने मशीनों और गति के चमत्कार की प्रशंसा की, और समाज को शुद्ध करने के लिए युद्ध का समर्थन किया। अमूर्त फ्यूचरिस्ट कला शैली गति दिखाने पर आधारित थी ताकि तकनीक की महिमा की जा सके। उनके विचारों ने उस वक्त की नीतियों और भाषणों को बढ़ावा दिया जो प्रथम विश्व युद्ध की ओर ले गए। उनके कई सदस्य युद्ध में मारे गए।

विंधम लुईस - वॉर्टिसिस्ट पेंटिंग। © G A Wyndham Lewis की संपत्ति

सुप्रेमेटिज़्म और कंस्ट्रक्टिविज़्म

1913, रूस

प्रथम विश्व युद्ध के बाद, दो विरोधी रूसी अवांट-गार्ड आंदोलन उस देश के विशाल सामाजिक चुनौतियों के जवाब में उभरे। काज़िमिर मालेविच ने एक अमूर्त कला शैली बनाई जिसे सुप्रीमेटिज्म कहा जाता है, जो सार्वभौमिकताओं को सबसे सरल, शुद्ध तरीकों से व्यक्त करने का प्रयास करता है। मालेविच ने अपने घोषणापत्र, The Non-Objective World में लिखा, “कला अब राज्य और धर्म की सेवा करना नहीं चाहती, यह अब शिष्टाचार के इतिहास को चित्रित करना नहीं चाहती, यह वस्तु से और कुछ भी लेना-देना नहीं चाहती, और मानती है कि यह अपने आप में, और अपने लिए मौजूद रह सकती है…”

साथ ही, व्लादिमीर टाट्लिन ने कंस्ट्रक्टिविज्म विकसित किया, एक कलात्मक दर्शन कि कला को भौतिक दुनिया की वस्तुनिष्ठ सेवा करनी चाहिए। यद्यपि कंस्ट्रक्टिविज्म और सुप्रीमेटिज्म सीधे विरोधी थे, दोनों अत्यंत प्रभावशाली थे। सुप्रीमेटिज्म ने एक सांस्कृतिक दृष्टिकोण स्थापित किया कि अमूर्त कला, और मानवता व्यापक रूप से, एक मौलिक आध्यात्मिक पक्ष रखती है। कंस्ट्रक्टिविज्म ने एक सांस्कृतिक दृष्टिकोण स्थापित किया कि कला, और जीवन, भौतिक है, और इसे उपयोगितावादी दृष्टिकोण से देखा जाना चाहिए। दोनों दृष्टिकोण आज भी स्पष्ट रूप से फल-फूल रहे हैं।

काज़िमिर मालेविच - सुप्रीमेटिस्ट रचना: सफेद पर सफेद, 1918। कैनवास पर तेल। 31 1/4 x 31 1/4" (79.4 x 79.4 सेमी)। MoMA संग्रह। 1935 अधिग्रहण 1999 में काज़िमिर मालेविच की संपत्ति के साथ समझौते द्वारा पुष्टि की गई और Mrs. John Hay Whitney Bequest के फंड से संभव हुआ (विनिमय द्वारा)

डाडा

1915, न्यूयॉर्क

1916, ज्यूरिख

जब रूसी कलाकार यह बहस कर रहे थे कि कला वस्तुनिष्ठ होनी चाहिए या गैर-वस्तुनिष्ठ, न्यूयॉर्क और ज्यूरिख के विभिन्न कलाकार एक तीसरे दृष्टिकोण को बढ़ावा दे रहे थे। वे कला और जीवन को निरर्थक मानते थे। प्रथम विश्व युद्ध के भयावहता के जवाब में, डाडावादी इस निहिलिस्ट दृष्टिकोण को अपनाते थे कि कुछ भी पवित्र नहीं है। उन्होंने सभी संस्थानों, शैलियों, दर्शनशास्त्रों और प्रवृत्तियों का मज़ाक उड़ाया और साथ ही उनकी प्रवृत्तियों को अपनी कला में समाहित किया।

डाडावादियों ने जानबूझकर एक अराजक, समझ से परे सौंदर्यवादी बयान बनाया। एक अर्थ में यह पागलपन का जवाब था। दूसरे अर्थ में, डाडावाद ने पागलपन को मान्यता देकर और पोषित करके एक और भी निहिलिस्ट संस्कृति बनाई। डाडा से जुड़े कलाकार दृढ़ थे कि वे व्यंग्य नहीं कर रहे थे। वे कुछ भी नहीं कह रहे थे। वे इस विचार को नष्ट कर रहे थे कि कला का कोई अर्थ होता है।

जीन आर्प - अमूर्त रचना, 1915। कोलाज।

अविकसित कला

1937, जर्मनी

युद्धोत्तर जर्मनी में, अवांट-गार्डे कलाकार थोड़े समय के लिए व्यापक संस्कृति के साथ मिलकर काम करते थे। 1919 में, वाइमर गणराज्य ने व्यापक सुधार लागू किए, एक खुला, उदार, आधुनिक जर्मनी प्रोत्साहित किया। बाउहाउस वाइमर आदर्शों के साथ उभरा। 14 वर्षों तक इस अवांट-गार्डे संस्था से जुड़े कलाकारों ने उस सांस्कृतिक दृष्टिकोण को पोषित किया कि कला और समाज जुड़े होने चाहिए, कला, वास्तुकला और डिजाइन को मिलाकर।

लेकिन 1933 में, आर्थिक पतन के बाद, वाइमर गणराज्य ने नाज़ी पार्टी को नियंत्रण खो दिया। नाज़ी आधुनिकता के विरोधी थे। उन्होंने किसी भी कला को मना किया जो उनके संकीर्ण दृष्टिकोण के बाहर थी, जिसमें ऐतिहासिक जर्मन महानता शामिल थी। उन्होंने अमूर्त कला, आधुनिक कला और अवांट-गार्डे कला को पतित कहा। 1937 में पहला पतित कला प्रदर्शनी औपचारिक, आधिकारिक हमले की शुरुआत थी उन सभी पर जो तथाकथित पतित विचारों से जुड़े थे।

कुल अस्वीकृति

1948, कनाडा

जब नाज़ी जर्मनी पर नियंत्रण कर रहे थे, तब यूनाइटेड किंगडम अपने कई क्षेत्रों से नियंत्रण छोड़ रहा था। 1931 में, यूके ने ऐसा कानून पारित किया जिससे कनाडा अपनी कानूनी और राष्ट्रीय नियति निर्धारित कर सके। इस प्रकार कनाडाई अपने राष्ट्रीय चरित्र को निर्धारित करने की एक क्रमिक प्रक्रिया में लगे। कलाकारों के एक समूह ने उस सांस्कृतिक संवाद में नेतृत्व किया। पॉल-एमिल बोर्डुआस और जीन-पॉल रियोपेल के नेतृत्व में, इस समूह ने 1948 में ले रिफ्यूज ग्लोबल (कुल अस्वीकृति) नामक एक घोषणा पत्र प्रकाशित किया।

घोषणा पत्र ने मांग की कि कनाडाई कलाकार धार्मिक और शैक्षणिक नियंत्रण से मुक्त हों। इसने अमूर्तता, प्रयोग और सांस्कृतिक धर्मनिरपेक्षता को अपनाया। घोषणा पत्र की तत्काल प्रतिक्रिया नकारात्मक थी, लेकिन कई दशकों में इसने क्वाइट रिवोल्यूशन को प्रेरित किया, एक बड़ा आंदोलन जिसने कनाडा में उदार सुधार किए। ये सुधार आज कनाडाई राष्ट्रीय चरित्र को परिभाषित करते हैं, और कुछ हद तक उनका आरंभ ले रिफ्यूज ग्लोबल को जाता है।

जीन-पॉल रियोपेल - रचना, 1954। कैनवास पर तेल। © जीन-पॉल रियोपेल

गुताई समूह

1954, जापान

जापान ने द्वितीय विश्व युद्ध के बाद पुनर्निर्माण किया, एक अवांट-गार्डे कला समूह जिसे गुताई समूह कहा जाता है, ने जापानी संस्कृति की पुनः कल्पना करने के मिशन पर काम शुरू किया। गुताई कलाकारों का मानना था कि अतीत की हिंसा अस्मितावाद और अलगाव की संस्कृति का परिणाम थी। वे मानते थे कि व्यक्तिगतता, रचनात्मक स्वतंत्रता, प्रकृति से जुड़ाव, और अन्य संस्कृतियों से जुड़ाव शांति को बढ़ावा देने के लिए आवश्यक हैं।

यह समूह 1954 में बना और 1956 में एक घोषणापत्र लिखा जिसमें उन्होंने कला बनाने के अपने दृष्टिकोण को स्पष्ट किया। उनका काम जानबूझकर अमूर्त और प्रयोगात्मक था। इसने जापान में एक सांस्कृतिक पुनर्जागरण को जन्म दिया। उन्होंने डाक के माध्यम से दुनिया भर के अन्य कलाकारों से संपर्क किया। गुताई ने सीधे फ्लक्सस आंदोलन और यूरोप और उत्तरी अमेरिका में कई अन्य वैचारिक कला आंदोलनों को प्रभावित किया।

शिरागा काजुओ - BB64, 1962। कैनवास पर तेल। 31 7/8 x 45 5/8 इंच (81 x 116 सेमी)। © शिरागा काजुओ

Alternative Artspace आंदोलन

1970 के दशक, वैश्विक

न्यूयॉर्क में शुरू होकर, Alternative Artspace आंदोलन 1970 के दशक में एक वैश्विक अवांट-गार्ड आंदोलन के रूप में उभरा। या, शायद एक अन्य तरीके से यह एक विरोध-आंदोलन था, क्योंकि यह कला के लिए किसी विशेष दृष्टिकोण को परिभाषित करने के बजाय कलाकार को एक ऐसा वातावरण और साधन प्रदान करता था जिसके माध्यम से वह किसी भी सौंदर्यात्मक घटना को जनता के सामने प्रस्तुत कर सके।

Alternative Artspaces से जुड़े कलाकारों में सिंडी शेरमैन, सोल लेविट, लुईस बोरज्वा, जॉन केज, जूडी शिकागो, शैरी लेविन, लॉरी एंडरसन, ब्रायन ईनो और बीस्टी बॉयज़ शामिल हैं। एक समावेशी, सर्वव्यापी अवांट-गार्ड प्रयोग के रूप में, यह आंदोलन स्वयं एक शानदार अमूर्तता था: कला की दुनिया का एक ऐसा विचार जो पूरी तरह से खुला अनुभव था और सभी निर्णय, मूल्यांकन और आलोचना के प्रति प्रतिरोधी था।

सोल लेविट - वॉल ड्राइंग 1। © सोल लेविट

अमूर्तता, अवांट-गार्ड और हम

असंख्य मामलों में अवांट-गार्ड कला आंदोलनों ने उन संस्कृतियों को प्रभावित किया जिनमें वे मौजूद थे। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि अमूर्तता की गलतफहमी और अवांट-गार्ड कला का भय अतीत के कुछ सबसे शक्तिशाली शासन और संस्थानों को कला को उनके नियंत्रण के लिए खतरे के रूप में खुले तौर पर विरोधी बना दिया।

अतीत की कई अवांट-गार्ड कला आंदोलनों को देखते हुए (और वे उन से कहीं अधिक थे जिनका हमने उल्लेख किया), हम देख सकते हैं कि अमूर्तता उनके दर्शन का एक अभिन्न हिस्सा थी। हर अवांट-गार्ड आंदोलन मूल रूप से विचारों पर आधारित होता है। और उन विचारों में से कई में प्रयोग, खुलापन, अस्पष्टता और कलात्मक स्वतंत्रता शामिल रही है।

विशेष चित्र: जियाकोमो बल्ला - गति की रेखा (विस्तार), 1913। कैनवास पर तेल
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा