퐁피두 센터, 포괄적인 새로운 전시에서 입체파를 새롭게 조명하다

10월 17일, 파리에서 65년 만에 처음으로 열리는 주요 입체파 전시회가 퐁피두 센터에서 개막합니다. 입체파 (1907-1917)는 20세기 가장 영향력 있는 미술 운동 중 하나에 대한 이해를 넓히기 위해 300점 이상의 작품을 한자리에 모았습니다. 대부분의 입체파 전시는 운동의 창시자인 파블로 피카소와 조르주 브라크에 초점을 맞춥니다. 이 전시도 그들의 작품을 조명하지만, 그 한정된 범위를 훨씬 넘어섭니다. 전시는 피카소에게 영향을 준 폴 세잔과 폴 고갱의 드물게 전시된 작품들과 전통 아프리카 미술의 예를 먼저 살펴봅니다. 이어서 피카소와 브라크를 둘러싼 예술가들의 세계를 탐구하며, 그들이 발견한 것을 여러 독특한 방향으로 확장한 모습을 보여줍니다. 회화뿐만 아니라 1914년에 피카소가 만든 판지 기타 조립품과 같은 입체파 조각의 가장 유명한 예들도 전시됩니다. 마지막으로 아메데오 모딜리아니, 콘스탄틴 브랑쿠시, 피트 몬드리안과 같은 예술가들의 작품을 통해 입체파의 유산을 확인할 수 있습니다. 큐레이터들에 따르면 이 야심찬 전시의 목표는 단순히 관객에게 이 중요한 운동의 역사를 더 넓게 보여주는 것입니다. 그러나 그들이 실제로 이룬 것은 그보다 더 깊습니다. 그들은 우리에게 동시대 예술가들의 생각을 받아들이고 과거의 천재성을 거리낌 없이 발전시키도록 격려하는 희망찬 전시를 마련했습니다.

관점의 변화

입체파에 대한 다양한 설명이 존재합니다. 어떤 이들은 그것을 세계를 기하학적으로 그리는 방식이라고 말합니다. 또 다른 이들은 움직임을 보여줌으로써 예술에 네 번째 차원을 도입하는 방법이라고 합니다. 또 다른 이들은 일상에서 발견되는 형태와 모양을 추상적으로 축소한 것이라고 합니다. 제가 들어본 가장 좋은 설명은 입체파가 관점을 재검토하려는 시도였다는 것입니다. 르네상스 이후 서양 미술은 사실주의, 허용되는 내용, 그리고 원근법에 관한 특정 규칙에 따라 발전해 왔습니다. 그림은 깊이와 원근법, 그리고 다른 착시 기법을 받아들여 현실을 모방하는 것이 기대되었습니다. 그러나 19세기 내내 이러한 규칙들은 도전받았습니다. 인상파는 주제에 관한 규칙에 도전하며 빛만을 주제로 한 작품을 만들었습니다. 분할주의자들은 실험적인 붓질로 색이 실제로 존재하는지 아니면 뇌에서 해석되는 것인지에 대한 의문을 제기했습니다. 후기 인상파는 신비주의, 상징주의, 영성을 받아들이며 색과 공간 같은 형식적 요소 자체가 내용으로서 추구할 가치가 있음을 증명했습니다.

폴 고갱 - 신비로움을 간직하라, 1890. 다채색 린든 나무 부조, 73 x 95 x 5 cm. 오르세 미술관, 파리. © RMN-그랑 팔레 (오르세 미술관) / 토니 케렉

입체파는 현실이 인간의 눈에 보이는 방식이 예술에서 보통 묘사되는 것과 매우 다르다는 생각을 여기에 더했습니다. 우리가 무언가를 볼 때, 그것이 평평하고 완전히 정지된 상태로 보이지 않습니다. 세상은 항상 움직이고 있고, 우리는 그 속을 끊임없이 움직이며 지나갑니다. 우리는 여러 각도에서 그 일부를 봅니다. 빛은 끊임없이 변합니다. 세상은 조각조각 나뉘어 있는데, 그중 일부는 보이지 않지만 존재함을 알고 있습니다. 입체파는 현실의 조각들을 하나의 구성으로 재조립하여 보여주려 합니다. 여러 시점을 동시에 분석하며 삶을 해체해 그 복잡성을 드러냅니다. 입체파 (1907-1917)는 이 점에서 적어도 세잔이 피카소와 브라크보다 훨씬 앞서 있었음을 보여줍니다. 전시된 가장 초기 작품 중 하나인 세잔의 그림 “부엌 탁자” (1890)에서는 앞쪽 탁자부터 바구니, 의자, 접시에 이르기까지 그림 속 모든 대상이 미묘하게 다른 시점에서 보여집니다. 이 작품은 여러 관점의 동시성을 이루어내며, 피카소와 브라크가 같은 생각에 도달하기 18년 전부터 명확히 입체파의 전신임을 선언합니다.

폴 세잔 - 부엌 탁자 (바구니가 있는 정물), 1888-1890년경. 캔버스에 유채, 65 x 81.5 cm. 오르세 미술관, 파리. © RMN-그랑 팔레 (오르세 미술관) / 에르베 르완도스키

빌려 쓰기의 예술

입체파 (1907-1917)의 가장 신선한 점 중 하나는 이 예술가들이 서로 자유롭게 빌려 썼다는 사실을 숨기지 않는다는 것입니다. 우리는 때때로 독창성에 지나치게 가치를 두어 예술가들이 대담하게 혁신할 것을 요구합니다. 이 전시는 때로 혁신이란 단지 다른 이들의 성취를 바탕으로 아주 작은 한 걸음을 내딛는 것임을 보여줍니다. 우리는 코트디부아르의 아프리카 가면 중 하나인 “크루 가면”을 봅니다. 이 가면은 피카소에게 직접적인 영감을 주었습니다. 얼굴은 네 구역으로 나뉘고, 눈은 균형을 잃었으며, 특징들은 빛과 그림자의 기하학적 영역으로 나뉘어 있습니다. 피카소의 근처에 전시된 두 점의 그림—“거트루드 스타인 초상” (1905-1906)과 1907년 자화상—은 피카소가 아프리카 가면의 시각 언어를 얼마나 정확히 모방했는지를 보여줍니다. 그러나 이어서 그는 이러한 형식적 요소들을 해체하고 다음 단계로 나아가, “탁자 위의 빵과 과일 그릇” (1908-1909)과 같은 그림에서 공간 속 사물을 해체하는 데 이 아이디어를 사용하고, “앙브루아즈 볼라르 초상” (1910)과 같은 작품에서는 보이지 않는 성격의 측면을 드러냅니다.

파블로 피카소 - 거트루드 스타인 초상, 1905-1906. 캔버스에 유채, 100 x 81.3 cm. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관. © 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, RMN-그랑 팔레 배포 / MMA 이미지. © 피카소 유산 2018

전시가 진행되면서 소니아 들로네가 피카소의 기하학적 언어를 빌려 색채 관계의 형이상학적 가능성을 탐구하는 데 사용한 모습을 봅니다. 피트 몬드리안도 입체파의 기하학적 측면을 빌렸지만, 현실을 복잡하게 만든 피카소와 달리 몬드리안은 기하학을 사용해 세상을 가장 기본적인 요소로 단순화했습니다. 후안 그리스와 같은 예술가들이 입체파에서 빌려 그래픽적인 예술 양식을 창조해 포스터 예술가들에게 영감을 준 모습도 볼 수 있습니다. 합성 입체파의 콜라주가 다다이즘의 프란시스 피카비아와 같은 예술가들에게 영감을 준 모습도 확인할 수 있습니다. 또한 페르낭 레제의 이른바 “튜비스트” 작품들은 입체파 양식의 미묘한 변형을 보여주며 팝 아트의 선구자가 되었습니다. 이 영향의 흐름에는 부끄러움이 없습니다. 오히려 사려 깊은 기획은 다른 이들의 생각을 바탕으로 창조하는 순수한 기쁨을 상기시켜 줍니다. 이 예술가들 중 누구도 상상력이 부족했다고 말할 수 없습니다. 반대로 입체파 (1907-1917)는 때로는 상상력이 도움을 청할 때 더욱 풍성해진다는 것을 증명합니다.

대표 이미지: 파블로 피카소 - 기타, 파리, 1914년 1-2월. 금속판과 철, 77.5 x 35 x 19.3 cm. 뉴욕 현대미술관. © 2018. 디지털 이미지, 뉴욕 현대미술관/스칼라, 피렌체. © 피카소 유산 2018
필립 Barcio