퐁피두 센터, 포괄적인 새로운 전시에서 입체파를 새롭게 조명하다

10월 17일, 파리에서 65년 만에 열리는 첫 번째 대규모 입체파 전시회가 퐁피두 센터에서 개막합니다. 입체파 (1907-1917) 는 20세기 가장 영향력 있는 예술 운동 중 하나에 대한 우리의 이해를 확장하기 위해 300점 이상의 작품을 모았습니다. 대부분의 입체파 전시는 운동의 창시자인 파블로 피카소와 조르주 브라크에 초점을 맞추고 있습니다. 이 전시회는 그들의 작품도 조명하지만, 그 한정된 범위를 훨씬 넘어섭니다. 전시는 드물게 전시된 폴 세잔과 폴 고갱의 작품을 살펴보며, 피카소에게 영향을 준 전통 아프리카 예술의 예시를 함께 소개합니다. 그런 다음 피카소와 브라크를 둘러싼 예술가들의 세계를 탐구하며, 그들이 발견한 것들을 여러 다른 독특한 입장으로 확장한 예술가들을 조명합니다. 그림뿐만 아니라, 1914년에 피카소가 만든 판지 기타 조합과 같은 가장 유명한 입체파 조각 작품들도 전시됩니다. 마지막으로, 아메데오 모딜리아니, 콘스탄틴 브랑쿠시, 피트 몬드리안과 같은 예술가들의 작품을 통해 입체파의 유산을 볼 수 있습니다. 큐레이터들에 따르면, 이 야심찬 전시회의 목표는 단순히 관객들에게 이 중요한 운동의 역사에 대한 더 넓은 개요를 제공하는 것입니다. 그러나 그들이 실제로 이룬 것은 조금 더 깊습니다. 그들은 우리에게 동시대 사람들의 아이디어를 수용하고, 과거의 천재성을 거리낌 없이 발전시키도록 격려하는 희망적인 전시회를 구성했습니다.

관점의 변화

입체파에 대한 다양한 설명이 존재합니다. 어떤 사람들은 그것을 세상을 그리는 기하학적 방법으로 설명합니다. 다른 사람들은 그것을 움직임을 보여줌으로써 예술에 제4의 차원을 도입하는 방법이라고 부릅니다. 또 다른 사람들은 그것이 일상 생활에서 발견되는 형태와 모양의 추상적 축소라고 말합니다. 제가 들어본 가장 좋은 설명은 입체파가 원근법을 재검토하려는 시도였다는 것입니다. 르네상스 이후, 서양 미술은 시각 예술에 관한 특정 규칙에 의해 안내되었습니다. 즉, 사실주의, 허용 가능한 내용, 그리고 원근법에 대한 규칙이었습니다. 그림은 깊이, 원근법, 그리고 다른 환상적인 도구를 포용함으로써 삶을 모방할 것으로 기대되었습니다. 그러나 1800년대 내내 이러한 규칙은 도전받았습니다. 인상파 화가들은 주제에 대한 규칙에 도전하여 오로지 빛에 관한 작품을 만들었습니다. 분할주의자들은 실험적인 붓 자국을 사용하여 색상이 실제로 존재하는지 아니면 뇌에서만 해석되는지에 대한 질문을 제기했습니다. 후기 인상파 화가들은 신비주의, 상징주의, 그리고 영성을 수용하며 색상과 공간과 같은 형식적 요소가 그 자체로도 내용으로 추구할 가치가 있음을 증명했습니다.

폴 고갱 - 신비로우세요, 1890. 다채로운 티르 나무로 만든 부조, 73 x 95 x 5 cm. 오르세 미술관, 파리. © RMN-그랑 팔레 (오르세 미술관) / 토니 케레크

입체파는 이 혼합물에 현실이 인간의 눈에 의해 인식되는 방식이 예술에서 일반적으로 묘사되는 방식과는 매우 다르다는 아이디어를 추가했습니다. 우리가 무언가를 볼 때, 우리는 그것이 평평하게 펼쳐져 있고 완벽하게 정지해 있는 것을 보지 않습니다. 세상은 항상 움직이고 있으며, 우리는 그 속을 항상 이동하고 있습니다. 우리는 다양한 각도에서 그것의 조각과 조각을 봅니다. 빛은 끊임없이 변하고 있습니다. 세상은 조각과 조각으로 나뉘어져 있으며, 그 중 일부는 보이지 않지만 우리는 그것들이 존재한다는 것을 알고 있습니다. 입체파는 현실의 조각들을 하나의 구성으로 재조합하려고 시도합니다. 그것은 여러 개의 동시적인 관점에서 세상을 분석하며, 삶을 해체하여 그 복잡성을 보여줍니다. 입체파 (1907-1917)는 적어도 이 점에서 세잔이 피카소와 브라크보다 훨씬 앞서 있었다는 것을 보여줍니다. 전시회에서 가장 초기의 작품 중 하나는 세잔의 그림 "주방의 테이블"(1890)입니다. 전경의 테이블에서 바구니와 의자, 접시까지, 그림 속의 모든 항목은 미세하게 다른 관점에서 보여집니다. 이 작품에서는 관점의 동시성이 달성되어, 피카소와 브라크가 같은 아이디어에 도달하기 18년 전부터 뚜렷하게 원시 입체파로 선언됩니다.

폴 세잔 - 주방 테이블. (바구니가 있는 정물화), 약 1888-1890. 유화, 65 x 81.5 cm. 오르세 미술관, 파리. © RMN-그랑 팔레 (오르세 미술관) / 에르베 르완도프스키

빌리기의 기술

입체파(1907-1917)의 가장 신선한 측면 중 하나는 이러한 예술가들이 서로에게서 자유롭게 차용했다는 사실을 숨기지 않는다는 것입니다. 우리는 때때로 독창성에 큰 가치를 두고 예술가들이 대담하게 혁신하기를 요구합니다. 이 전시는 때때로 혁신이란 다른 사람들의 성과를 바탕으로 한 작은 진전을 의미한다는 것을 보여줍니다. 우리는 피카소에게 직접 영감을 준 아프리카 마스크 중 하나인 코트디부아르의 "마스크 크루"를 봅니다. 얼굴은 사분면으로 나뉘어 있고, 눈은 불균형을 이루며, 특징은 그림자와 빛의 기하학적 영역으로 나뉘어 있습니다. 피카소의 인근 두 점의 그림—"제르트루드 스타인 초상"(1905-1906)과 그의 1907년 자화상—은 피카소가 아프리카 마스크의 시각적 언어를 얼마나 정확하게 모방했는지를 보여줍니다. 그러나 우리는 그가 이러한 형식적 요소를 해부하고 다음 단계로 나아가, "빵과 과일이 담긴 접시가 있는 테이블 위의 정물"(1908-1909)과 같은 그림에서 공간의 물체를 해체하는 아이디어를 사용하고, "암브루아즈 볼라르 초상"(1910)과 같은 작품에서 인물의 보이지 않는 측면을 드러내는 방식을 봅니다.

파블로 피카소 - 거트루드 스타인의 초상, 1905-1906. 캔버스에 유화, 100 x 81.3 cm. 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕. © 메트로폴리탄 미술관, Dist RMN-Grand Palais / MMA 이미지. © 피카소 재단 2018

전시가 진행됨에 따라, 우리는 소냐 드라네이가 어떻게 피카소의 기하학적 언어를 차용했는지를 보게 됩니다. 이는 물리적 세계를 탐구하기 위한 것이 아니라, 색상 관계의 형이상학적 잠재력을 탐구하기 위해 형태를 사용하기 위함입니다. 우리는 피에트 몬드리안이 어떻게 입체파의 기하학적 측면을 차용했는지를 보게 되지만, 현실을 복잡하게 만든 피카소와는 달리 몬드리안은 기하학을 사용하여 세상을 가장 기본적인 요소로 단순화했습니다. 우리는 후안 그리스와 같은 예술가들이 입체파에서 차용하여 더 그래픽한 예술 스타일을 창조했음을 보게 되며, 이는 포스터 아티스트들에게 영감을 주었습니다. 그리고 우리는 합성 입체파의 콜라주가 다다이스트인 프란시스 피카비아에게 영감을 주었음을 보게 됩니다. 또한, 페르낭 레제르의 이른바 "튜비스트" 작품들이 입체파 스타일의 미세한 변화를 보여주며 팝 아트의 선구자가 되었음을 알 수 있습니다. 아름답게도, 이러한 영향의 발전에 부끄러움은 없습니다. 정반대입니다. 사려 깊은 큐레이션은 타인의 아이디어를 바탕으로 구축하는 것의 순수한 기쁨을 상기시킵니다. 이러한 예술가들 중 누구도 상상력이 부족하다고 말할 수는 없습니다. 오히려, 입체파 (1907-1917)는 때때로 상상력이 도움을 요청할 때 더욱 풍요롭다는 것을 증명합니다.

특집 이미지: 파블로 피카소 - 기타, 파리, 1914년 1월-2월. 금속과 철, 77.5 x 35 x 19.3 cm. 현대 미술관, 뉴욕. © 2018. 디지털 이미지, 현대 미술관, 뉴욕/스칼라, 피렌체. © 피카소 재단 2018
필립 Barcio