콜라주 재해석 - 브레나 영블러드

만약 많은 예술 애호가들처럼 당신이 평생 수만 점의 예술 작품을 보면서 쌓아온 경험을 늘 지니고 있다면, 브레나 영블러드의 작품을 빠르게 훑어볼 때 과거에 비슷한 미적 성격의 작품을 만든 다른 예술가들의 이름이 떠오를지도 모릅니다. 예를 들어, 2008년에 영블러드가 만든 멀티미디어 콜라주 Untitled (Double Lincoln)을 보면 로버트 라우센버그가 즉시 떠오릅니다. 또는 2015년 영블러드의 회화 Democratic Dollar은 재스퍼 존스가 유명하게 만든 거칠게 다듬어진 상징적 이미지의 추상적 사용을 연상시킬 수 있습니다. 2005년 작품 Foreva를 보면 다다이스트 한나 회히가 떠오를 수도 있습니다. 마지막으로 축적 예술의 선구자 아르망의 이름이 2005년 영블러드의 회화 The Army를 볼 때 떠오를 수 있습니다. 부인할 수 없이 이 모든 작품들은 과거 예술가들에게서 어느 정도 미적 깊이를 빚어냈습니다. 하지만 이 작품들 각각은 자신만의 확고한 존재감을 지니고 있습니다. 앞서 언급한 예술가들은 콜라주, 조립, 축적 기법과 발견된 물체 사용을 각자의 시대적 이유로 사용했습니다. 영블러드는 때때로 그들의 기법을 활용하여 그들의 유령을 불러일으키는 이미지를 만들지만, 그녀의 작품은 현재에 속합니다.

장문의 글쓰기처럼서의 콜라주

콜라주가 입체파 선구자 파블로 피카소와 조르주 브라크에 의해 처음 미술에 도입되었을 때, 실제 세계의 재료와 물체를 작품 표면에 도입함으로써 초현실주의의 한 형태를 창조했습니다. 이는 이전에 없던 방식으로 환상과 구체성을 혼합한 것이었습니다. 또한 다다 예술가 한나 회히와 프란시스 피카비아 같은 이들이 콜라주를 사용해 즉각적인 부조리 표현을 만들어내면서 일종의 미적 약어를 만들어냈습니다. 이후 로버트 라우센버그가 콜라주를 탐구했을 때는 상징적 이미지의 추상적 가능성을 탐색하며 인지 가능한 현실의 의미를 질문하는 방식으로 혼합했습니다. 이 예술가들은 콜라주를 약간씩 다르게 사용했지만, 모두 콜라주가 적은 것으로 많은 것을 말하는 수단이라는 공통된 생각을 가졌습니다.

브레나 영블러드는 콜라주를 미묘하게 다르게 사용합니다. 그녀가 회화 표면에 사용하는 사진과 발견된 물체들은 약어라기보다는 오히려 장문의 글쓰기와 같습니다. 그녀는 콜라주와 조립을 통해 이미지의 깊이를 확장하고 잠재적 서사 깊이를 높입니다. 그녀의 콜라주는 다다의 신랄한 냉소를 결여하고 있습니다. 라우센버그 같은 예술가들의 개념적이고 학문적인 탐구도 피합니다. 피카소와 브라크의 작품과는 어느 정도 공통점이 있는데, 그것은 고양된 현실을 드러내려는 노력처럼 보인다는 점입니다. 그러나 영블러드가 콜라주에서 표현하는 현실은 피카소와 브라크가 탐구한 초기 근대주의 현실보다 더 직관적이고 원초적이며 개인적인 현실입니다. 방향성이나 도덕성, 가능성에 대한 명확한 감각이 없는 현실입니다. 아직 전개 중인 현실입니다. 그녀는 이를 비판하거나 정의하거나 설명하기보다는 콜라주와 조립이라는 장문의 글쓰기를 통해 풍부함, 신비로움, 그리고 광범위함의 층을 화려하게 더합니다.

브레나 영블러드 - Chuck Taylor, 2015년, 캔버스에 컬러 사진과 아크릴, 72 × 60 인치 (왼쪽) 그리고 X, 2015년, 캔버스에 종이와 아크릴, 72 × 60 인치 (오른쪽), 사진 출처: 작가 및 로스앤젤레스 Honor Fraser 갤러리

이미지로서의 표면

최근 몇 년간 브레나 영블러드는 콜라주와 조립에 덜 의존하고, 색채와 질감의 층을 쌓는 데 더 집중하고 있습니다. 그녀의 최신 회화들은 깊은 분위기를 자아내며 때로는 우울하기도 합니다. 이 작품들은 역동적이고 자신감 있는 시각적 대상입니다. 일부는 거의 단색의 색면처럼 읽힐 수 있는데, 이는 1960~70년대 색면파 예술가들의 작품과 특정 면에서 유사할 수 있습니다. 그러나 그들의 작품이 명상을 초대하며 초월적 정신 경험의 출발점 역할을 하는 반면, 영블러드의 긁히고, 소박하며, 닳고 낡은 표면들은 그 자체로 미적 완결성을 지닌 것으로 더 쉽게 읽힙니다.

영블러드는 칠하고 긁고 다시 칠하고 긁으며 색조를 겹겹이 쌓아갑니다. 닳고 부풀어 오른 질감을 현대의 인공 세계와 자연스럽게 대화하듯 혼합합니다. 이들은 표면 이미지이며 그 자체로 완결된 것입니다. 이 작품들이 어떤 메시지를 전하거나 질문을 던지는지는 분명하지 않으며, 어쩌면 중요하지도 않습니다. 삶의 시각적 단면처럼 이들은 반영하는 문화의 복잡함과 혼란을 모두 담고 있습니다. 이 표면 이미지를 보는 것은 관음증적이고 거의 집착적인 느낌을 줍니다. 영블러드는 판단 없이 우리 시대를 그리며, 동시에 악몽 같고 아름다운 방식을 보여줍니다.

브레나 영블러드 - Division, 2017년, 발견된 나무에 벽지, 아크릴 페인트, 스프레이 페인트, 71 3/10 × 60 × 1 3/5 인치 (왼쪽) 그리고 Untitled (red room), 2017년, 캔버스에 사진과 아크릴 페인트, 40 1/5 × 29 9/10 × 1 3/5 인치, 사진 출처: 작가 및 파리와 브뤼셀 Galerie Nathalie Obadia

비전과 계시

브레나 영블러드의 작품을 오래 볼수록, 나는 평생 본 수만 점의 다른 예술 작품 이미지와 덜 연관 짓게 되며, 더 깊이 생각할수록 과거에 비슷한 기법을 사용한 이들과도 덜 닮았다는 생각이 듭니다. 자세히 볼수록 더 많은 보상을 받습니다. 나는 영블러드를 선견지명이 있는 사람이라고 부르지 않을 것입니다. 그녀의 작품을 볼 때 너무 많은 감정을 느끼기 때문인데, 마치 그녀가 끊임없이 무언가를 찾고 있는 것처럼 보입니다. 그녀의 비전은 명확하지 않지만, 개별 작품들은 명료함을 지닙니다. 그러나 나는 재료와 기법 같은 형식적인 면만을 보고 그녀를 선배들과 비교하는 다른 미술 평론가들을 따르지 않을 것입니다.

지금까지 브레나 영블러드가 만든 전체 작품에서 나를 가장 강하게 사로잡는 것은 드러나는 것이 아니라, 언젠가 계시적일 가능성이 분명하다는 점입니다. 영블러드는 진실을 초대하는 성실함을 지니고 있습니다. 그녀의 회화, 조각과 설치 작품은 각각 그녀가 진짜를 붙잡으려 한 개별 시도를 나타냅니다. 종종 그녀는 거의 불가능해 보이는 것을 이루어냅니다: 진정성; 그리고 마찬가지로 종종 우리 모두에게 잠시나마 진짜를 엿볼 기회를 줍니다.

브레나 영블러드 - Untitled (subtraction sign), 2011년, 나무, 3 × 21 × 3 인치, 사진 출처: 작가 및 로스앤젤레스 The Landing

대표 이미지: 브레나 영블러드 - The Army, 2005년, 사진 출처: 작가 및 로스앤젤레스 해머 미술관

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다

필립 Barcio 지음