콜라주 재해석 - 브레나 영블러드

예술 애호가들처럼 수십 년 동안 수만 개의 예술 이미지를 바라보며 살아온 짐을 지고 있다면, 브레나 영블러드의 작품을 빠르게 훑어보는 순간, 과거의 다른 예술가들의 이름을 떠올릴 수 있습니다. 예를 들어, 2008년에 영블러드가 만든 다중 매체 콜라주 무제 (더블 링컨)을 볼 때 로버트 라우센버그가 즉시 떠오릅니다. 또는 2015년 영블러드의 그림 민주적 달러는 재스퍼 존스가 유명하게 만든 거칠게 조각된 아이콘의 추상적 사용을 떠올리게 할 수 있습니다. 또는 다다이스트 한나 회흐는 2005년 영블러드의 그림 포에바를 볼 때 당신의 의식 속에 떠오를 수 있습니다. 마지막으로, 축적의 예술의 선구자인 아르망의 이름이 2005년 영블러드의 그림 군대를 볼 때 떠오를 수 있습니다. 부인할 수 없이, 이들 각각의 작품은 과거 예술가들에게 어느 정도 미적 부채를 지고 있습니다. 그러나 이들 각각의 작품은 독립적으로 자신감을 가지고 서 있습니다. 위에서 언급한 다른 예술가들은 콜라주, 조합, 축적 기법과 발견된 물체의 사용에 대해 그들 자신의 시대와 관련된 이유로 접근했습니다. 영블러드는 때때로 그들의 기법을 활용할 수 있으며, 그 결과 그들의 유령을 소환하는 이미지를 창조하지만, 그녀의 작품은 현재에 속합니다.

손으로 그린 콜라주

콜라주가 입체파 선구자들인 파블로 피카소와 조르주 브라크에 의해 미술에서 처음 사용되었을 때, 그것은 실제 재료와 물체를 예술 작품의 표면에 도입함으로써 초현실주의의 한 형태를 만들어냈고, 그로 인해 환상적이고 구체적인 것을 이전에 없던 방식으로 혼합했습니다. 또한 그것은 다다 예술가인 한나 회흐와 프란시스 피카비아와 같은 이들이 부조리를 즉각적으로 표현하기 위해 콜라주를 사용하면서 확장한 일종의 미적 약어를 만들어냈습니다. 이후 로버트 라우센버그가 콜라주로 돌아섰을 때, 그는 상징적인 이미지의 추상적 가능성을 탐구하기 위해 그렇게 했으며, 이를 통해 인식 가능한 현실의 의미에 의문을 제기하는 방식으로 혼합했습니다. 이들 각 예술가는 콜라주를 약간 다르게 사용했지만, 각자 콜라주가 적은 것으로 많은 것을 말할 수 있는 방법이라는 공통된 아이디어를 가지고 있었습니다.

브레나 영블러드는 콜라주를 미묘하게 다른 방식으로 사용합니다. 그녀의 사진과 발견된 물체를 그녀의 그림 표면에 사용하는 것은 단순한 약어가 아니라 일종의 장문을 만들어냅니다. 그녀는 콜라주와 조합을 사용하여 이미지의 깊이를 확장하고 그들의 잠재적인 서사적 깊이를 증가시킵니다. 그녀의 콜라주는 다다의 신랄한 풍자를 결여하고 있습니다. 그녀는 라우셴버그와 같은 예술가들의 개념적이고 학문적인 탐구심을 피합니다. 그녀의 작품은 피카소와 브라크의 작품과 아마도 공통점이 있는데, 그것은 더 높은 현실을 드러내기 위해 노력하는 것처럼 보입니다. 그러나 영블러드가 그녀의 콜라주에서 표현하는 현실은 피카소와 브라크가 탐구한 초기 모더니스트 현실보다 더 본능적이고, 날것이며, 개인적이고, 직관적인 현실입니다. 그것은 명확한 방향감이나 도덕성, 그리고 명확한 잠재성 없이 펼쳐지고 있습니다. 그것은 여전히 진행 중입니다. 그녀는 그것을 비판하거나 정의하거나 설명하기보다는, 그녀의 콜라주와 조합을 통해 풍부함, 신비로움, 그리고 범위를 층층이 더해가며 화려하게 추가합니다.

브레나 영블러드 - 척 테일러, 2015, 색상 사진 및 아크릴 캔버스, 72 × 60 인치, (왼쪽) 및 X, 2015, 종이 및 아크릴 캔버스, 72 × 60 인치, (오른쪽), 사진 크레딧: 아티스트 및 호너 프레이저 갤러리, 로스앤젤레스, 캘리포니아

이미지로서의 표면

최근 몇 년 동안, 브레나 영블러드는 콜라주와 조합에 덜 의존하고, 색상의 층이 쌓인 필드와 텍스처를 창조하는 데 더 많은 비중을 두고 있습니다. 그녀의 최근 작품들은 깊은 분위기를 자아내며, 때때로 우울한 느낌을 줍니다. 이들은 역동적이고, 자신감 있는 시각적 객체입니다. 그 중 일부는 거의 단색 색상 필드로 읽힐 수 있으며, 1960년대와 70년대의 컬러 필드 예술가들의 작품과 특정 측면에서 유사할 수 있습니다. 그러나 그러한 예술가들의 작품이 사색을 초대하고 종종 초월적인 정신 경험의 시작점으로 작용하는 반면, 영블러드의 긁힌, 소박하고, 닳고 해진 표면은 그 자체로 미적 목적을 더 쉽게 읽을 수 있습니다.

영블러드는 칠하고 긁고 다시 칠하고 긁으며 색조의 층을 쌓아 올린다; 닳고 닳은 질감과 임파스토 질감을 현대의 제조된 세계와 effortlessly 대화하는 방식으로 혼합한다. 그들은 표면 이미지이다. 그들은 그 자체로 끝이다. 그들이 진술을 하거나 질문을 제기하는지는 구별할 수 없으며, 아마도 무의미하다. 삶의 시각적 조각처럼 그들은 그들이 반영하는 문화의 모든 복잡성과 혼란을 담고 있다. 이러한 표면 이미지를 바라보는 것은 관음증적인 느낌을 주며, 거의 페티시즘적이다. 영블러드는 판단 없이 우리의 시대를 그려내고 있으며, 그 방식은 동시에 악몽 같으면서도 아름답다.

브레나 영블러드 - 디비전, 2017, 벽지, 발견된 나무에 아크릴 페인트와 스프레이 페인트, 71 3/10 × 60 × 1 3/5 인치 (왼쪽) 및 제목 없음 (빨간 방), 2017, 캔버스에 사진과 아크릴 페인트, 40 1/5 × 29 9/10 × 1 3/5 인치, 사진 크레딧: 아티스트 및 파리와 브뤼셀의 갤러리 나탈리 오바디아.

비전과 계시

브레나 영블러드의 작품을 오래 바라볼수록, 나는 그것들을 내 인생에서 본 수만 개의 다른 예술 작품들과 덜 연관짓게 된다; 그리고 그것들을 더 깊이 생각할수록, 과거에 비슷한 기법을 사용했던 이들을 덜 떠올리게 된다. 가까이 들여다볼수록, 내가 보는 것에서 더 많은 보상을 받는다. 나는 영블러드를 비전가라고 부르지 않을 것이다, 왜냐하면 그녀의 작품을 볼 때 나는 그녀가 끊임없이 무언가를 찾고 있다고 느끼기 때문이다. 그녀의 비전은 명확하지 않지만, 그녀의 개별 작품들은 명확성을 가지고 있다. 그러나 나는 그녀의 선배들과 비교하기 위해 재료와 기법과 같은 형식적인 것들에만 집중한 다른 예술 작가들을 따르지 않을 것이다.

"브레나 영블러드가 지금까지 만든 전체 작품에서 가장 인상 깊은 점은 그녀의 경력이 아직 초기 단계에 있기를 바라는 아티스트가 보여주는 것이 아니라, 오히려 언젠가는 계시적일 수 있는 잠재력을 분명히 가지고 있다는 점입니다. 영블러드는 진실을 초대하는 진정성을 지니고 있습니다. 그녀의 그림, 조각 및 설치 작품은 각각 그녀가 진정한 무언가를 잡으려는 개별적인 시도를 나타냅니다. 종종 그녀는 불가능해 보이는 것을 성취했습니다: 진정성; 그리고 똑같이 자주 그녀는 나머지 우리에게 엿볼 수 있는 기회를 줄 만큼 진정한 무언가를 잡았습니다."

브레나 영블러드 - 제목 없음 (빼기 기호), 2011, 나무, 3 × 21 × 3 인치, 사진 크레딧: 아티스트와 랜딩, 로스앤젤레스

특집 이미지: 브레나 영블러드 - 군대, 2005, 아티스트 및 해머 미술관, 로스앤젤레스, 캘리포니아의 사진 크레딧

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.

필립 Barcio