Fargerik og geometrisk i maleriene til Gillian Ayres

Den anerkjente britiske abstrakte kunstneren Gillian Ayres har laget kunst profesjonelt i nesten 70 år. Siden hun ble uteksaminert fra Camberwell School of Art i London i 1950, har hun aldri gitt avkall på sin ene rene lidenskap: maling. Selv midt i globale strømninger som konseptkunst, performancekunst, landkunst, installasjonskunst og multimedia-kunst, som alle utfordret relevansen av hennes arbeid, forble Ayres trofast mot det enkle prinsippet om å lage bilder med maling. Hennes arbeid har alltid vært abstrakt, selv om stilen hennes stadig har utviklet seg. Når hun blir spurt om meningen med hennes livsverk, eller hva som var drivkraften bak et bestemt verk hun har laget, leder hun samtalen bort fra ord. «Det er en visuell opplevelse,» sier hun, «ikke en litterær en.»

En viss rastløshet

Når hun snakker om sine tidlige dager på kunstskolen, får Gillian Ayres et slags lurt uttrykk. Hun husker at hun ble fullstendig frastøtt av undervisningsmetodene til mange av professorene sine. Hun og de andre studentene måtte bruke hele dager på ting som å gjentatte ganger tegne én kroppsdel av en modell eller skisse en scene foran en kafé i London. Hun oppfattet gjentakelsen og den utrettelige presisjonen som kjedelig. Hun lengtet etter å oppdage modernistisk og abstrakt kunst, og å skape den typen kunst som ville få henne til å føle seg levende, livskraftig og fri.

Hun beskriver seg selv i de dager som opprørsk. Likevel har hun sagt: «Det er ikke et mål å gå mot strømmen. Jeg tror ikke det var et ønske om å være opprørsk. Jeg tror man bare følte seg rastløs.» Den rastløsheten ble endelig bekreftet tidlig på 1950-tallet da hun for første gang kom over arbeidet til Jackson Pollock. Bildene hun så av ham som arbeidet på gulvet, håndterte malingen på en løs, aktiv og levende måte, inspirerte henne, og hun visste med en gang at hun ønsket å være fri på den måten. Den dag i dag regner Ayres Pollock som en stor inspirasjon; ikke fordi hun kopierte hans teknikk, stil eller utseendet på hans arbeid, men fordi han viste henne en vei ut av den klassiske rotet.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Oljemaling og husholdningsmaling på hardboard. 84 x 60 tommer. © Gillian Ayres

Et ekte kall

Nyvåken og modig brukte Ayres 1950-tallet på å utvikle en dynamisk, livfull abstrakt stil. Men selv om arbeidet ga henne respekt fra andre malere, og i liten grad fra publikum, var modernismen og abstraksjonen fortsatt ikke allment akseptert i Storbritannia. Hun hadde stilt ut og solgt et lite antall malerier, men økonomisk suksess unnslapp henne. Så hun takket gladelig ja da hun fikk tilbud om en midlertidig stilling som lærer ved Bath Academy of Art, en kunstskole kjent for å være fremsynt. Hun ble værende ved Bath i syv år, før hun gikk videre til å forelese ved Saint Martin's School of Art i 12 år, og deretter lede maleravdelingen ved Winchester School of Art i tre år.

Mens hun underviste, fortsatte Ayres å utvikle stilen sin. Hun eksperimenterte med biomorfe former, utforsket ulike fargepaletter og vekslet mellom maleriske, impasto-verk og flate flater. Og hennes rykte som opprører vokste, ettersom hun fortsatte å stå fast på maleriet da nesten alle hennes kolleger ledet studentene sine mot andre, mer moderne medier. Men på slutten av 1970-tallet fikk hun et klart øyeblikk. Etter nesten å ha dødd av akutt bukspyttkjertelbetennelse, innså hun at til tross for suksessen som lærer, var det eneste hun virkelig ønsket å gjøre å male. Hun avsluttet raskt sin akademiske karriere og flyttet til landsbygda i Wales for å vie seg helt til kunsten.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Oljemaling på lerret. 152,4 x 152,4 cm. © Gillian Ayres

Farge og form

Nyinnviet ble Ayres oppslukt av sin kjærlighet til maling. Hun hadde allerede beveget seg mot en mer impasto, teksturert stil, og nå ble arbeidet hennes enda mer malerisk, mer taktilt og frodig. Hun brukte bare hendene til å forme malingen, og knyttet seg direkte og personlig til flatene. Maleriene hennes fra denne tiden virker som urtidslige grobunner for nye fargeforhold og uante former. Utallige muligheter brøt fram i de ekstatiske komposisjonene, som på en eller annen måte oppnådde harmoni til tross for kompleksiteten.

Det var omtrent på denne tiden Ayres innså at hun ikke lenger hadde interesse for tone. Hun ønsket ikke dempede nyanser eller fargevariasjoner. Hun ønsket intensitet. Og sammen med fokuset på livfulle, rene farger begynte hun også å bevege seg mot en mer figurativ bruk av form, skjerpet linjene sine og lot større flater med farge fylle komposisjonene. En følelse av rolig selvtillit vokste fram i maleriene, kanskje knyttet til et liv nå brukt i stadig ettertanke over det essensielle arbeidet hun følte hun var født til å gjøre.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Oljemaling på lerret. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

En ny geometri

Gjennom 1990-årene og tidlig på 2000-tallet fortsatte Ayres å utvikle seg mot en følelse av gjenkjennelige former i komposisjonene sine. Spor av naturlige objekter dukker opp og forsvinner, som en måne eller en sol, en horisontlinje eller et jordisk utvalg av former som minner om et festmåltid på et bord eller blomster på en eng. Noen av komposisjonene hennes flørter med geometriske former og mønstre, selv om det bare er i fragmenter. Men det er fortsatt ikke så mye realistisk figurativt som har dukket opp i hennes nyeste verk, men snarere at et figurativt abstrakt visuelt språk har gjort seg gjeldende, lik det som oppsto da Matisse, i den senere fasen av sin karriere, utviklet sine ikoniske hard-edge-utklipp.

Dette visuelle språket egner seg særlig godt til trykkmediet, som lenge har interessert Ayres. I de senere år har hun kost seg med å lage trykk og tresnitt i vintermånedene i atelieret sitt. Fargene i trykkene hennes er mer livfulle og rene enn noen gang, og skaper dristige forhold som sjokkerer øyet med sin dynamiske tilstedeværelse. Hun omtaler trykkprosessen som noe som knytter seg til driften etter å gjenskape. Men til tross for den i bunn og grunn reproduktive kvaliteten, pleier hun å legge til håndmalte elementer i mange av trykkene hun lager, noe som gjør hvert kunstverk unikt. Denne sammensmeltingen av mekaniske prosesser og håndmaling resulterer i et lagdelt samspill av teksturer.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Løftgrunn og akvatint med karborundum (silisiumkarbid) og håndmaling på papir. 68,6 x 78,7 cm. © Gillian Ayres

Grenseløs nyskaping

I en tid da teknologi og multimedia-praksiser synes å stå i sentrum for hver eneste kunstmesse og biennale, og når åpenbart sosiale, kulturelle og politiske arbeider får mye av medienes oppmerksomhet, er det en bragd at Gillian Ayres har fortsatt å bevise at abstrakt maleri alltid er relevant. Hun har tålt presset fra utallige trender, samtidig som hun har holdt fast ved sin enkle kjærlighet til farge, form, overflate og maling. I tradisjonen til modernistiske mestre som inspirerte henne, som Picasso, Matisse og Miro, har Ayres vist verdien av maleri ved å vise hvor enkelt og hvor variert det kan være på samme tid.

Og likevel, til tross for sin målbevisste kjærlighet til mediet, har hennes estetiske visjon og vaner stadig utviklet seg. Hun har arbeidet med ulike malermedier, utforsket og omfavnet mediets særegenhet i hvert enkelt. Og ved å utvide praksisen til å inkludere trykketeknikker har hun strukket grensene for maleri når hun kunne. Hun har vist seg å være kompleks, og likevel har hun ved å redusere maleriets elementer til farge, form og rom lært flere generasjoner av betraktere hvordan de enkelt kan se. «Man bekymrer seg fryktelig, på en rastløs måte,» sier hun. «Jeg vil finne noe, og jeg vil at maleriene mine skal løfte, men jeg tror ikke jeg vet hvordan jeg skal avslutte et bilde, og jeg vet ikke hvordan jeg skal begynne heller. Folk liker å forstå, og jeg skulle ønske de ikke gjorde det. Jeg skulle ønske de bare ville se.»

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Løftgrunn og akvatint med karborundum (silisiumkarbid) og håndmaling på papir. 55,9 x 45,7 cm. © Gillian Ayres

Utvalgt bilde: Gillian Ayres - Sun Up (detalj), 1960. Oljemaling på lerret. © Gillian Ayres
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio