Fargerik og geometrisk i maleriene til Gillian Ayres

Den anerkjente britiske abstrakte kunstneren Gillian Ayres har laget kunst profesjonelt i nesten 70 år. Siden hun ble uteksaminert fra Camberwell School of Art i London i 1950, har hun aldri vaklet fra sin ene rene lidenskap: maling. Selv midt i globale trender som konseptkunst, performancekunst, landkunst, installasjonskunst og multimediekunst, som hver utfordret relevansen av hennes arbeid, forble Ayres dedikert til det enkle forslaget om å lage bilder med maling. Hennes arbeid har alltid vært abstrakt, selv om stilen hennes kontinuerlig har utviklet seg. Når hun blir spurt om betydningen av hennes verk, eller hva som var drivkraften for et bestemt arbeid hun har laget, omdirigerer hun samtalen bort fra ord. “Det er en visuell opplevelse,” sier hun, “ikke en litterær en.”

En viss Rattiness

Når hun snakker om sine tidlige dager på kunstskolen, inntar Gillian Ayres en slags slu holdning. Hun husker at hun ble helt avskrekket av undervisningsmetodene til mange av professorene sine. Hun og de andre studentene ble pålagt å bruke hele dager på å fokusere på ting som å gjentatte ganger tegne én kroppsdel av en modell eller skissere én scene foran en kafé i London. Hun oppfattet repetisjonen og den utrettelige presisjonen som hverdagslig. Hun lengtet etter å oppdage modernisme og abstrakt kunst, og å skape den typen kunst som ville få henne til å føle seg levende, vibrerende og fri.

Hun beskriver seg selv i de dager som subversiv. Imidlertid har hun sagt: “Det er ikke en ambisjon å gå imot strømmen. Jeg tror ikke det var et ønske om å være subversiv. Jeg tror man bare følte seg urolig.” Den uroligheten ble endelig validert tidlig på 1950-tallet da hun for første gang møtte arbeidet til Jackson Pollock. Bildene hun så av ham som jobbet på gulvet, håndterte maling på en løs, aktiv, levende måte, inspirerte henne, og hun visste umiddelbart at hun ønsket å være fri på den måten. Den dag i dag regner Ayres Pollock som en stor inspirasjon; ikke at hun kopierte hans teknikk, stil, eller utseendet på hans arbeid, men snarere at han viste henne en vei mot å bryte ut av den klassiske rotet.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Oil paint and household paint on hardboard. 84 x 60 in. © Gillian Ayres

Et sant kall

Nyopplivet, tilbrakte Ayres 1950-årene med å utvikle en dynamisk, livlig abstrakt stil. Men selv om arbeidet ga henne respekten til andre malere, og i liten grad også offentligheten, var modernisme og abstraksjon fortsatt ikke bredt akseptert i Storbritannia. Hun hadde stilt ut og solgt et lite antall malerier, men økonomisk suksess unngikk henne. Så hun aksepterte gladelig da hun fikk tilbud om en midlertidig stilling som lærer ved Bath Academy of Art, en kunstskole kjent for å være progressiv. Hun endte opp med å bli i Bath i syv år, før hun gikk videre til å forelese ved Saint Martin's School of Art i 12 år, og lede maleravdelingen ved Winchester School of Art i tre år.

Mens hun underviste, fortsatte Ayres å utvikle stilen sin. Hun eksperimenterte med biomorfe former, utforsket et spekter av fargepaletter, og vekslet mellom maleriske, impasto verk og flate overflater. Og hennes rykte som en opprører vokste, ettersom hun fortsatte å stå fast ved maleriet når nesten alle kollegene hennes styrte studentene sine mot andre, mer moderne medier. Men så, på slutten av 1970-tallet, hadde hun et øyeblikk av klarhet. Etter å ha vært nær døden på grunn av et tilfelle av akutt pankreatitt, innså hun at til tross for suksessen som utdanner, var alt hun egentlig ønsket å gjøre å male. Hun avsluttet raskt sin akademiske karriere og flyttet til landsbygda i Wales for å dedikere seg fullt ut til kunsten sin.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Oil on canvas. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

Farge og form

Nylig gjeninnviet, ble Ayres oppslukt av sin kjærlighet til maling. Hun hadde allerede vært på vei mot en mer impasto, teksturert stil, og nå ble arbeidet hennes enda mer malerisk, mer taktilt og mer frodig. Hun brukte bare hendene sine til å manipulere malingen, og knyttet seg direkte, personlig til overflatene. Maleriene hennes fra denne tiden virker som urtids yngleplasser for nye fargeforhold og uforestillede former. Utallige muligheter brøt frem fra de ekstatiske komposisjonene, og oppnådde på en eller annen måte harmoni til tross for deres kompleksitet.

Det var rundt denne tiden at Ayres innså at hun ikke lenger hadde noen interesse for tone. Hun ønsket seg ingenting av dempede nyanser eller nyanser i farge. Hun ønsket intensitet. Og sammen med fokuset på levende, ren farge, begynte hun også å trekke mot en mer figurativ bruk av form, herdet linjene sine og lot større felt av farge bebo komposisjonene hennes. En følelse av rolig selvtillit dukket opp i maleriene hennes, kanskje relatert til et liv nå brukt i konstant kontemplasjon av det essensielle arbeidet hun følte seg født til å gjøre.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olje på lerret. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

En ny geometri

Gjennom 1990-tallet og tidlig 2000-tall fortsatte Ayres å utvikle seg mot en følelse av gjenkjennelige former i komposisjonene sine. Hint av naturlige objekter dukker opp og forsvinner, som en måne eller en sol, en horisontlinje, eller et verdslig utvalg av former som minner om en fest på et bord eller blomster i et felt. Noen av komposisjonene hennes flørter med geometriske former og mønstre, selv om det bare er i fragmenter. Men det er fortsatt ikke så mye realistisk figuration som har dukket opp i hennes nyeste verk, men snarere en figurativ abstrakt visuell språk har hevdet seg, lik det som materialiserte seg da Matisse, i den senere fasen av karrieren sin, utviklet sine ikoniske hard-edge utskjæringer.

Dette visuelle språket viser seg å passe spesielt godt til trykkekunst, som lenge har interessert Ayres. I de senere årene har hun kost seg med å lage trykk og tresnitt i vintermånedene i studioet sitt. Fargene i trykkene hennes er mer levende og rene enn noen gang, og skaper dristige relasjoner som sjokkerer øyet med sin dynamiske tilstedeværelse. Hun omtaler trykkeprosessen som noe som knytter seg til driften for å reprodusere. Men til tross for dens essensielt reproduktive kvalitet, har hun en tendens til å legge til håndmalte elementer i mange av trykkene hun lager, noe som gjør hvert kunstverk unikt. Denne fusjonen av mekaniske prosesser og håndmaling resulterer i en lagdelt blanding av teksturer.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

Ubegrenset Innovasjon

I en tid hvor teknologi og multimediepraksiser ser ut til å være i forkant av hver kunstmesse og biennale, og når åpenlyst sosialt, kulturelt og politisk arbeid får mye av medienes oppmerksomhet, er det en prestasjon at Gillian Ayres har fortsatt å bevise at abstrakt maleri alltid er relevant. Hun har motstått presset fra utallige trender, samtidig som hun har vært tro mot sin enkle kjærlighet til farge, form, overflate og maling. I tradisjonen til de modernistiske mesterne som inspirerte henne, som Picasso, Matisse og Miro, har Ayres demonstrert verdien av maleri ved å vise samtidig hvor enkelt og hvor variert det kan være.

Og likevel, til tross for hennes ensidige kjærlighet til mediet, har hennes estetiske visjon og vaner kontinuerlig utviklet seg. Hun har arbeidet variert med en rekke forskjellige malemedier, utforsket og omfavnet mediets spesifisitet. Og ved å utvide sin praksis til å inkludere trykkeprosesser har hun strukket grensene for maleri når hun kunne. Hun har bevist seg å være kompleks, og likevel, ved å redusere elementene i maleriet ned til farge, form og rom, har hun lært flere generasjoner av seere hvordan de enkelt kan se. “Man bekymrer seg fryktelig, på en rastløs måte,” sier hun. “Jeg vil finne noe, og jeg vil at maleriene mine skal være oppløftende, men jeg tror ikke jeg vet hvordan jeg skal fullføre et bilde, og jeg vet ikke hvordan jeg skal begynne heller. Folk liker å forstå, og jeg skulle ønske de ikke gjorde det. Jeg skulle ønske de bare så.

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

Fremhevet bilde: Gillian Ayres - Sun Up (detalj), 1960. Olje på lerret. © Gillian Ayres
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio