MoMA i Paris - Vert av Fondation Louis Vuitton

En høyt omtalt utstilling av moderne kunst åpnet i Paris denne uken, og den inspirerer til en god del feiring. Men kanskje den også bør inspirere til en like stor mengde bekymring. Being Modern: MoMA in Paris inneholder rundt 200 verk fra samlingen til Museum of Modern Art i New York. Utstillingen, som holdes i Louis Vuitton Foundation-museet designet av Frank Gehry, markerer første gang et betydelig utvalg av verk fra MoMA har blitt stilt ut i Frankrike. Det er ganske enkelt å liste opp de mange grunnene til at denne utstillingen blir hyllet som en fantastisk ting for Frankrike, for MoMA, og for moderne kunst generelt. Tross alt spenner listen over kunstnere og kunstverk som er inkludert i utstillingen over hele historien til museet, fra grunnleggelsen i 1929 til i dag. Den inkluderer mange av de største navnene innen kunst fra de siste 100 årene. Så åpenbart bør enhver mulighet til å se så mange innflytelsesrike og berømte verk utnyttes av alle som kan komme seg til stedet. Men bare for et øyeblikk, bør vi også ta et seriøst blikk på hvorfor utstillingen også skaper angst: nemlig den svimlende mengden av hyperbolsk skryt som blir spredd om viktigheten av arrangementet. De offisielle pressematerialene, som har blitt trykket og sitert ad nauseam av pressen, kaller gjentatte ganger utstillingen en "manifesto-utstilling," og beskriver MoMA som en av de "viktigste museene" i verden. Utstillingen blir merket som "innovativ," "omfattende," og "enestående." Gang på gang dukker ordet "mytisk" opp. Og det er det siste adjektivet, "mytisk," som virker mest farlig, fordi det er den ene følelsen angående denne utstillingen som ikke kan avvises som ren overdrivelse. Myter er kraftige. Og når det gjelder en utstilling av denne størrelsen, har mytene som den både skaper og opprettholder kapasitet til å forme den globale fortellingen om kunst i generasjoner fremover.

Pakk ut de adjektivene

Det mest åpenbart latterlige adjektivet som brukes for å beskrive Being Modern: MoMA in Paris er "omfattende." Spesielt sier pressemeldingen at, "Being Modern: MoMA in Paris er denførste omfattende utstillingen i Frankrike av samlingen tilMuseum of Modern Art." Men i sannhet, selv om utstillingen er betydelig – den inneholder rundt 200 objekter – er den nåværende størrelsen på den komplette MoMA-samlingen rundt 200 000 objekter. Så denne utstillingen inneholder omtrent en tusendel av det MoMA eier. Det er bare et lite glimt av de fullstendige arkivene. Hvorfor kalle det omfattende? Svaret kan være fordi utvalgskomiteen, som inkluderte representanter fra både Fondation Louis Vuitton og MoMA, mener at det mikroskopiske antallet gjenstander de valgte fullt ut representerer karakteren og substansen til de resterende 199 800 objektene som ble etterlatt. Men er det i det hele tatt sant?

Når jeg ser over listen over kunstnere inkludert i MoMA i Paris, ser det på ingen måte ut til å være representativt for hele MoMA-samlingen. Mer enn 75 000 objekter fra den samlingen er arkivert på nettet, så jeg gjorde et raskt tekstsøk i den databasen for å se etter tre kunstnere som ikke er inkludert i denne utstillingen, men som jeg anser for å være blant de mest innflytelsesrike moderne kunstnerne noensinne: Louise Bourgeois, Anni Albers og Helen Frankenthaler. Det viser seg at MoMA har hundrevis av verk av disse tre kunstnerne. Men merkelig nok er de ikke inkludert i denne utstillingen. Jeg gjorde et nytt søk, og la merke til at MoMA i Paris inneholder verk av en håndfull mannlige Dadaister. Så jeg sjekket om MoMA-arkivene har noe arbeid av noen av de innflytelsesrike kvinnelige Dadaistene. Det viser seg at de har mer enn et dusin verk av Hannah Höch og Sophie Taeuber Arp, men bare deres bedre kjente mannlige motparter er inkludert i denne utstillingen. Så kan vi si at denne utstillingen er omfattende? Knapt. Det vi kan si er at kuratorene har håndplukket verk av store navn kunstnere. Men det kalles en blockbuster, ikke en omfattende representasjon av historien eller MoMA-samlingen.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neon tubing and wire with glass tubing suspension frames, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Emily and Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

Vanskeligheten med innovasjon

Det neste adjektivet fra MoMA i Paris pressepakken som vi må utforske, er "innovativ." Dette er et meningsfullt ord, og et som med rette hører hjemme i enhver samtale om moderne kunst. Innovasjon antyder originalitet, kreativitet, eksperimentering, og noen ganger til og med geni. Så er det det rette ordet å bruke når man beskriver denne utstillingen? Som vi allerede vet, ble ikke kunstnerne valgt fordi de var, eller er, de mest kreative, de mest originale, de mest eksperimentelle, eller de største geniene. Med et lite antall unntak (som å inkludere den brasilianske konstruktivisten Lygia Clark i den velkjente minimalistiske hvite gutteklubben til Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly og Frank Stella), ble kunstnerne stort sett valgt på grunn av navngjenkjenning, eller fordi de passer inn i den eksisterende fortellingen om moderne kunsthistorie. Men dette er selvfølgelig ikke noe nytt. Det er den standard kuratoriske taktikken for omfattende historiske retrospektiver. Og det er greit. Men det er ikke innovativt. Igjen, kanskje når ordet innovativ brukes for å beskrive denne utstillingen, refererer det ikke til selve showet, men til arbeidet.

Hvis det er tilfelle, bør vi forvente å se de mest innovative representantene for modernismen inkludert i utstillingen. For å analysere om det er tilfelle, se på listen over Abstract Expressionists som er utstilt. Jackson Pollock er inkludert, det samme er Willem de Kooning. Men hvor er de andre? Hvor er Louise Nevelson, uten tvil den mest innovative skulptøren fra den generasjonen? Hennes arbeid er på MoMA. Hvorfor ikke inkludere det her? Hvor er Perle Fine? Eller Jay DeFeo? Eller for den saks skyld, hvis du skal inkludere arbeidet til Jackson Pollock, hvorfor ikke inkludere David Alfaro Siqueiros, den berømte meksikanske muralmaleren som ledet verkstedet i New York City (som Pollock deltok på) som først introduserte mange av metodene som Pollock brukte for sine ikoniske drypp- og sprutmalerier. Eller for den saks skyld, hvorfor ikke inkludere Janet Sobel, den kvinnelige sprutmaleren som også deltok på verkstedet til Siqueiros, og hvis studio Pollock besøkte før han "innovaterte" sin egen sprutteknikk. Verk av både Siqueiros og Sobel er i MoMA-samlingen. Deres fravær her viser at denne utstillingen ikke handler om innovasjon. Det er bare en gjentakelse av de standard halv-sannhetene som har utgitt seg for å være historie i generasjoner.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Synthetic polymer paint and newspaper on linen, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). The Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Left) and Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Oil on canvas, sixty-four panels, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Right)

Problemet med myter

Generelt sett er det eneste adjektivet som brukes for å beskrive MoMA i Paris som ikke lukter av overdrivelse "enestående." Dette er virkelig første gang så mange verk fra MoMA har vært utstilt samtidig i Frankrike. Så greit, per definisjon er dette enestående. (Selv om det ikke betyr at det ikke også er generisk.) Og den eneste overdrivelsen i pressemappen som kommer nær å være sann, er at MoMA er et av de "mest viktige museene" i verden. Den kommentaren er demonstrerbart faktabasert. At MoMA er ubestridelig viktig kan bevises på mange måter. Vi kan måle innflytelsen institusjonen utøver med sine anskaffelser på de andre store kunstsamlingene i verden. Tross alt, hvor mange kunstselgere viser private samlere viktigheten av kunstnerne de representerer ved å referere til hvilke museumsamlinger kunstneren er i? (Svaret er alle sammen.) Og vi kan måle antall besøkende MoMA mottar hvert år (rundt to til tre millioner). Og vi kan se på det årlige budsjettet til museet (rundt 150 millioner dollar) og lønnen til direktøren ($2,1 millioner i 2013). Alle disse måleparametrene indikerer at MoMA faktisk er massivt, globalt innflytelsesrikt, og derfor viktig.

Og det bringer oss til det siste adjektivet som brukes i forbindelse med denne utstillingen: "mytisk." Den ultimate målestokken for makt er evnen til å påvirke hva folk tror er sant. MoMA er mektig. Det har makten til enten å fortsette å skape og spre myter eller å sette rekorden på plass. Med denne utstillingen har både Fondation Louis Vuitton og MoMA kunngjort sin intensjon om å opprettholde status quo. Ja, verkene som vises er fulle av storhet. Men hvor mye av den storheten har å gjøre med autentisk verdi, og hvor mye har å gjøre med den vedvarende markedsføringsinnsatsen som i generasjoner har promotert historier om kunst og historie som er overdrivelser i beste fall, og direkte løgner i verste fall? Hva som virkelig ville vært innovativt, originalt og moderne, ville vært å sette opp en utstilling av denne størrelsen som forsøkte å fortelle sannheten om modernismen. Vis oss hvem Picasso kopierte. Vis oss hvem Pollock stjal fra. Vis oss de urfolkene, de kvinnelige kunstnerne, de ikke-hvite kunstnerne, og de utrente kunstnerne hvis nakker ble tråkket på av superstjernene vi alle kjenner og elsker. Det ville vært en "innovativ," "omfattende," og virkelig "enestående" "manifestoutstilling" jeg kunne støtte.

Utvalgt bilde: Yayoi Kusama – Accumulation No. 1, 1962. Sydd stoff, maling og stolfringe 37 x 39 x 43″ (94 x 99,1 x 109,2 cm). Museum of Modern Art, New York Gave fra William B. Jaffe og Evelyn A. J. Hall (ved bytte), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Alle bilder er levert av MoMA og Fondation Louis Vuitton

Av Phillip Barcio