MoMA i Paris - Vert av Fondation Louis Vuitton

En høyt omtalt utstilling av moderne kunst åpnet i Paris denne uken, og den inspirerer til en god del feiring. Men kanskje burde den også inspirere til like mye bekymring. Being Modern: MoMA in Paris viser rundt 200 verk fra samlingen til Museum of Modern Art i New York. Utstillingen holdes i museet Fondation Louis Vuitton, designet av Frank Gehry, og markerer første gang et betydelig utvalg av verk fra MoMA vises i Frankrike. Det er ganske lett å liste opp de mange grunnene til at denne utstillingen blir hyllet som noe flott for Frankrike, for MoMA og for moderne kunst generelt. Tross alt spenner listen over kunstnere og kunstverk som inngår i utstillingen over hele museets historie, fra grunnleggelsen i 1929 til i dag. Den inkluderer mange av de største navnene innen kunst de siste 100 årene. Så åpenbart bør enhver mulighet til å se så mange innflytelsesrike og kjente verk benyttes av alle som kan komme seg til stedet. Men bare et øyeblikk bør vi også ta et alvorlig blikk på hvorfor utstillingen også skaper uro: nemlig den overveldende mengden overdrevne skrytetaler som spres om viktigheten av arrangementet. De offisielle pressematerialene, som er gjengitt og sitert til det kjedsommelige i pressen, omtaler gjentatte ganger utstillingen som en «manifestutstilling» og beskriver MoMA som et av de «viktigste museene» i verden. Utstillingen blir kalt «nyskapende», «omfattende» og «uten sidestykke». Om og om igjen dukker ordet «mytisk» opp. Og det er nettopp det siste adjektivet, «mytisk», som virker mest farlig, fordi det er det ene inntrykket om denne utstillingen som ikke kan avfeies som ren overdrivelse. Myter er mektige. Og når det gjelder en utstilling av denne størrelsen, har mytene den skaper og opprettholder evnen til å forme den globale fortellingen om kunst i generasjoner framover.

Avdekk de adjektivene

Det mest åpenbart latterlige adjektivet som brukes for å beskrive Being Modern: MoMA in Paris er «omfattende». Spesielt sier pressematerialet at «Being Modern: MoMA in Paris er denførste omfattende utstillingen i Frankrike av samlingen til Museum of Modern Art.» Men i sannhet, selv om utstillingen er betydelig – den viser rundt 200 gjenstander – er den nåværende størrelsen på hele MoMA-samlingen rundt 200 000 gjenstander. Så denne utstillingen viser omtrent en tusendel av det MoMA eier. Det er bare et lite glimt av hele arkivet. Hvorfor kalle det omfattende? Svaret kan være at utvalgsnemnda, som inkluderte representanter fra både Fondation Louis Vuitton og MoMA, mener at det mikroskopiske antallet gjenstander de valgte fullt ut representerer karakteren og innholdet i de resterende 199 800 gjenstandene som ikke er med. Men er det i det hele tatt sant?

Når man ser på listen over kunstnere som inngår i MoMA in Paris, virker den på ingen måte representativ for hele MoMA-samlingen. Mer enn 75 000 gjenstander fra den samlingen er arkivert på nett, så jeg gjorde et raskt tekstsøk i den databasen etter tre kunstnere som ikke er med i denne utstillingen, men som jeg anser som blant de mest innflytelsesrike moderne kunstnerne noensinne: Louise Bourgeois, Anni Albers og Helen Frankenthaler. Det viser seg at MoMA eier hundrevis av verk av disse tre kunstnerne. Men merkelig nok er de ikke med i denne utstillingen. Jeg gjorde et nytt søk, og la merke til at MoMA in Paris inneholder verk av noen få mannlige dadaister. Så jeg sjekket om MoMA-arkivet har verk av noen av de innflytelsesrike kvinnelige dadaistene. Det viser seg at de har mer enn et dusin verk av Hannah Höch og Sophie Taeuber Arp, men bare deres mer kjente mannlige motstykker er med i denne utstillingen. Så kan vi si at denne utstillingen er omfattende? Langt ifra. Det vi kan si er at kuratorene håndplukket verk av store navn. Men det kalles en storutstilling, ikke en omfattende representasjon av historie eller MoMA-samlingen.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neonrør og ledning med glassrørsoppheng, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239,8 x 179 x 65,4 cm). Museum of Modern Art, New York. Gave fra Emily og Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

Vanskeligheten med nyskaping

Det neste adjektivet fra MoMA in Paris pressemateriale vi må avdekke er «nyskapende». Dette er et meningsfullt ord, og et som med rette hører hjemme i enhver samtale om moderne kunst. Nyskaping innebærer originalitet, skaperevne, eksperimentering og noen ganger til og med geni. Så er det riktig ord å bruke om denne utstillingen? Som vi allerede vet, ble ikke kunstnerne valgt fordi de var, eller er, de mest kreative, mest originale, mest eksperimentelle eller de største geniene. Med noen få unntak (som å inkludere den brasilianske konstruktivisten Lygia Clark sammen med den velkjente minimalistiske gutteklubben med Carl Andre, Sol LeWitt, Ellsworth Kelly og Frank Stella), ble kunstnerne valgt stort sett på grunn av navnekjennskap, eller fordi de passet inn i den eksisterende fortellingen om moderne kunsthistorie. Men dette er selvfølgelig ikke noe nytt. Det er den vanlige kuratoriske taktikken for store historiske retrospektiver. Og det er greit. Men det er ikke nyskapende. På den annen side, kanskje når ordet nyskapende brukes om denne utstillingen, refererer det ikke til selve utstillingen, men til verkene.

Hvis det er tilfelle, bør vi forvente å se de mest nyskapende representantene for modernismen inkludert i utstillingen. For å analysere om det er tilfelle, se på listen over abstrakte ekspresjonister som vises. Jackson Pollock er med, det samme er Willem de Kooning. Men hvor er de andre? Hvor er Louise Nevelson, uten tvil den mest nyskapende skulptøren i den generasjonen? Hennes verk finnes i MoMA. Hvorfor ikke inkludere det her? Hvor er Perle Fine? Eller Jay DeFeo? Eller, for den saks skyld, hvis du skal inkludere verk av Jackson Pollock, hvorfor ikke inkludere David Alfaro Siqueiros, den berømte meksikanske veggmaleren som holdt verkstedet i New York (som Pollock deltok på) som først introduserte mange av metodene Pollock brukte for sine ikoniske drypp- og sprutmalerier? Eller hvorfor ikke inkludere Janet Sobel, den kvinnelige sprutmaleren som også deltok på verkstedet til Siqueiros, og hvis atelier Pollock besøkte før han «nyskapte» sin egen sprutteknikk? Verk av både Siqueiros og Sobel finnes i MoMA-samlingen. Deres fravær her viser at denne utstillingen ikke handler om nyskaping. Det er bare en gjentakelse av de vanlige halve sannhetene som har utgitt seg for å være historie i generasjoner.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Syntetisk polymermaling og avis på lin, 87 x 84 1/2″ (221 x 214,6 cm). Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (venstre) og Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Oljemaleri på lerret, sekstifire paneler, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). Museum of Modern Art, New York. Gave fra kunstneren, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (høyre)

Problemet med myter

Alt i alt er det eneste adjektivet som brukes om MoMA in Paris som ikke lukter av overdrivelse «uten sidestykke». Dette er virkelig første gang så mange verk fra MoMA vises samtidig i Frankrike. Så greit, per definisjon er dette uten sidestykke. (Selv om det ikke betyr at det ikke også er generisk.) Og den eneste skrytefrasen i pressematerialet som kommer nær sannheten, er at MoMA er et av de «viktigste museene» i verden. Den kommentaren er åpenbart sann. At MoMA er ubestridelig viktig kan bevises på mange måter. Vi kan måle innflytelsen institusjonen har med sine anskaffelser på de andre store kunstsamlingene i verden. Tross alt, hvor mange kunstselgere viser private samlere viktigheten av kunstnerne de representerer ved å referere til hvilke museumsamlinger kunstneren er i? (Svaret er alle.) Og vi kan måle antall besøkende MoMA mottar hvert år (rundt to til tre millioner). Og vi kan se på museets årlige budsjett (rundt 150 millioner dollar) og lønnen til direktøren ($2,1 millioner i 2013). Alle disse målene viser at MoMA virkelig er enormt, globalt innflytelsesrikt, og derfor viktig.

Og det bringer oss til det siste adjektivet som brukes i forbindelse med denne utstillingen: «mytisk». Den ultimate målestokken for makt er evnen til å påvirke hva folk tror er sant. MoMA er mektig. Det har makt til enten å fortsette å skape og spre myter eller til å rette opp i sannheten. Med denne utstillingen har både Fondation Louis Vuitton og MoMA kunngjort sin intensjon om å opprettholde status quo. Ja, verkene som vises er fulle av prakt. Men hvor mye av den prakten har å gjøre med ekte verdi, og hvor mye har å gjøre med den vedvarende markedsføringsinnsatsen som i generasjoner har fremmet historier om kunst og historie som i beste fall er overdrivelser, og i verste fall rene løgner? Det som virkelig ville være nyskapende, originalt og moderne, ville være å sette opp en utstilling av denne størrelsen som forsøkte å fortelle sannheten om modernismen. Vis oss hvem Picasso kopierte. Vis oss hvem Pollock plagierte. Vis oss de urfolkskunstnerne, kvinnelige kunstnerne, ikke-hvite kunstnerne og de utrente kunstnerne som ble tråkket på av superstjernene vi alle kjenner og elsker. Det ville være en «nyskapende», «omfattende» og virkelig «uten sidestykke» «manifestutstilling» jeg kunne støtte.

Fremhevet bilde: Yayoi Kusama – Accumulation No. 1, 1962. Sydd fylt stoff, maling og stolfrans, 37 x 39 x 43″ (94 x 99,1 x 109,2 cm). Museum of Modern Art, New York. Gave fra William B. Jaffe og Evelyn A. J. Hall (ved bytte), 2012. © 2017 Yayoi Kusama

Alle bilder med tillatelse fra MoMA og Fondation Louis Vuitton

Av Phillip Barcio