Centre Pompidou przygląda się kubizmowi w nowej, kompleksowej wystawie

17 października w Centrum Pompidou w Paryżu otwiera się pierwsza od 65 lat duża wystawa kubizmu. Kubizm (1907-1917) zgromadził ponad 300 dzieł, próbując poszerzyć nasze rozumienie jednego z najbardziej wpływowych nurtów sztuki XX wieku. Większość wystaw kubistycznych skupia się na twórcach ruchu: Pablo Picasso i Georges Braque. Ta wystawa również eksponuje ich prace, ale wykracza daleko poza ten ograniczony zakres. Zaczyna się od rzadko pokazywanych dzieł Paula Cézanne’a i Paula Gauguina oraz przykładów tradycyjnej sztuki afrykańskiej, która inspirowała Picassa. Następnie bada galaktykę artystów otaczających Picassa i Braque’a, którzy przejęli ich odkrycia i rozwinęli je w wiele innych odrębnych kierunków. Na wystawie znajdują się nie tylko obrazy, ale także jedne z najsłynniejszych przykładów rzeźby kubistycznej, takie jak kartonowa gitara złożona przez Picassa w 1914 roku. Na koniec widzimy dziedzictwo kubizmu w dziełach artystów takich jak Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi i Piet Mondrian. Według kuratorów celem tej ambitnej wystawy jest po prostu zaoferowanie widzom szerszego przeglądu historii tego ważnego nurtu. Jednak to, co faktycznie osiągnęli, sięga głębiej. Stworzyli pełną nadziei wystawę, która zachęca nas do przyjmowania idei naszych współczesnych i bez wahania budowania na geniuszu przeszłości.

Zmiana perspektywy

Istnieje wiele różnych wyjaśnień kubizmu. Niektórzy opisują go jako geometryczny sposób malowania świata. Inni nazywają go sposobem wprowadzenia czwartego wymiaru do sztuki poprzez ukazanie ruchu. Jeszcze inni mówią, że był to abstrakcyjny redukcjonizm kształtów i form spotykanych w codziennym życiu. Najlepsze wyjaśnienie, jakie kiedykolwiek słyszałem, to że kubizm był próbą ponownego zbadania perspektywy. Od czasów renesansu sztuka zachodnia kierowała się określonymi zasadami dotyczącymi sztuk wizualnych — zasadami realizmu, dopuszczalnej treści i perspektywy. Oczekiwano, że obrazy będą naśladować życie, stosując głębię, perspektywę i inne narzędzia iluzjonistyczne. Jednak w XIX wieku te zasady były kwestionowane. Impresjoniści podważali zasady dotyczące tematu, tworząc dzieła skupione wyłącznie na świetle. Dywizjoniści stosowali eksperymentalne pociągnięcia pędzla, by podważyć pytanie, czy kolor istnieje w rzeczywistości, czy jest tylko interpretowany przez mózg. Postimpresjoniści przyjęli mistycyzm, symbolizm i duchowość, dowodząc, że formalne elementy, takie jak kolor i przestrzeń, same w sobie mogą być wartościową treścią.

Paul Gauguin - Soyez mystérieuses, 1890. Polichromowany płaskorzeźba z drewna lipowego, 73 x 95 x 5 cm. Musée d’Orsay, Paryż. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Tony Querrec

Kubizm dodał do tego mieszania ideę, że rzeczywistość jest postrzegana przez ludzkie oko zupełnie inaczej niż jest zwykle przedstawiana w sztuce. Kiedy coś widzimy, nie widzimy tego spłaszczonego i nieruchomego. Świat ciągle się porusza, a my ciągle przez niego przechodzimy. Widujemy jego fragmenty z różnych kątów. Światło nieustannie się zmienia. Świat jest rozbity na kawałki — niektóre niewidzialne, ale wiemy, że istnieją. Kubizm próbuje pokazać fragmenty rzeczywistości złożone na nowo w jedną kompozycję. Analizuje świat z wielu jednoczesnych perspektyw, dekonstruując życie, by ukazać jego złożoność. Kubizm (1907-1917) pokazuje, że pod tym względem przynajmniej Cézanne był znacznie przed Picasso i Braque. Jednym z najwcześniejszych dzieł na wystawie jest obraz Cézanne’a „La Table de cuisine” (1890). Od stołu na pierwszym planie po kosze, krzesła i naczynia — każdy element na obrazie jest pokazany z nieco innego punktu widzenia. W tym dziele osiągnięto jednoczesność perspektyw, co czyni je wyraźnie proto-kubistycznym na 18 lat przed tym, jak Picasso i Braque doszli do tego samego pomysłu.

Paul Cézanne - La Table de cuisine. (Martwa natura z koszem), około 1888-1890. Olej na płótnie, 65 x 81,5 cm. Musée d’Orsay, Paryż. © RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Sztuka zapożyczania

Jednym z najbardziej odświeżających aspektów Kubizmu (1907-1917) jest to, że nie unika on faktu, iż artyści ci swobodnie zapożyczali od siebie nawzajem. Czasem tak bardzo cenimy oryginalność, wymagając od artystów dzikich innowacji. Ta wystawa pokazuje, że czasem innowacja to po prostu zrobienie małego kroku naprzód, budując na dokonaniach innych. Widzimy „Masque krou” z Wybrzeża Kości Słoniowej, jedną z afrykańskich masek, które bezpośrednio inspirowały Picassa. Twarz jest podzielona na ćwiartki; oczy są nierówne; rysy twarzy podzielone na geometryczne obszary cienia i światła. Dwa pobliskie obrazy Picassa — „Portret Gertrudy Stein” (1905-1906) i jego autoportret z 1907 roku — pokazują, jak precyzyjnie Picasso naśladował wizualny język afrykańskiej maski. Następnie widzimy, jak rozłożył te formalne aspekty i zrobił kolejny krok, używając tych idei do dekonstruowania obiektów w przestrzeni na obrazach takich jak „Pains et compotier aux fruits sur une table” (1908-1909) oraz do ukazania niewidocznych aspektów charakteru w dziełach takich jak „Portret Ambroise’a Vollarda” (1910).

Pablo Picasso - Portret Gertrudy Stein, 1905-1906. Olej na płótnie, 100 x 81,3 cm. The Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. © The Metropolitan Museum of Art, Dist RMN-Grand Palais / zdjęcie MMA. © Succession Picasso 2018

W miarę trwania wystawy widzimy, jak Sonia Delaunay zapożyczyła geometryczny język Picassa — nie po to, by badać świat fizyczny, lecz by użyć kształtów do zgłębiania metafizycznego potencjału relacji kolorów. Widzimy, jak Piet Mondrian również zapożyczył geometryczne aspekty kubizmu, ale w przeciwieństwie do Picassa, który komplikował rzeczywistość, Mondrian używał geometrii, by uprościć świat do jego najprostszych elementów. Widzimy, jak artyści tacy jak Juan Gris zapożyczyli od kubizmu, tworząc bardziej graficzny styl artystyczny, który zainspirował twórców plakatów. Widzimy też, jak kolaże kubizmu syntetycznego zainspirowały dadaistów takich jak Francis Picabia. Widzimy także tzw. dzieła „tubistyczne” Fernanda Légéra, ilustrujące subtelną odmianę stylu kubistycznego, która stała się zapowiedzią pop-artu. Pięknie jest to, że w tym rozwoju wpływów nie ma żadnego wstydu. Wręcz przeciwnie. Przemyślana kuracja przypomina nam o czystej radości budowania na pomysłach innych. Nikt nie powiedziałby, że któremukolwiek z tych artystów brakowało wyobraźni. Wręcz przeciwnie, Kubizm (1907-1917) dowodzi, że czasem wyobraźnia jest jeszcze bardziej owocna, gdy prosi o pomoc.

Zdjęcie główne: Pablo Picasso - Guitare, Paryż, styczeń-luty 1914. Metalowa i żelazna płyta, 77,5 x 35 x 19,3 cm. The Museum of Modern Art, Nowy Jork. © 2018. Cyfrowe zdjęcie, The Museum of Modern Art, Nowy Jork/Scala, Florencja. © Succession Picasso 2018
Autor: Phillip Barcio