Centre Pompidou przygląda się kubizmowi w nowej, kompleksowej wystawie

17 października w Centrum Pompidou otwiera się pierwsza od 65 lat wielka wystawa kubizmu w Paryżu. Kubizm (1907-1917) gromadzi ponad 300 dzieł w próbie poszerzenia naszej wiedzy o jednym z najbardziej wpływowych ruchów artystycznych XX wieku. Większość wystaw kubistycznych koncentruje się na założycielach ruchu: Pablo Picasso i Georgesie Braque'u. Ta wystawa również podkreśla ich prace, ale wykracza daleko poza ten ograniczony zakres. Zaczyna się od badania rzadko wystawianych dzieł Paula Cézanne'a i Paula Gauguina oraz przykładów tradycyjnej sztuki afrykańskiej, która wpłynęła na Picassa. Następnie bada galaktykę artystów otaczających Picassa i Braque'a, którzy wzięli ich odkrycia i rozszerzyli je na wiele innych odrębnych pozycji. Wystawione są nie tylko obrazy, ale także niektóre z najsłynniejszych przykładów rzeźby kubistycznej, takie jak złożona z tektury gitara, którą Picasso stworzył w 1914 roku. Na koniec widzimy dziedzictwo kubizmu poprzez prace artystów takich jak Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi i Piet Mondrian. Według kuratorów celem tej ambitnej wystawy jest po prostu zaoferowanie widzom szerszego przeglądu historii tego ważnego ruchu. Ale to, co faktycznie osiągnęli, sięga nieco głębiej. Zgromadzili nadziejną wystawę, która zachęca nas do przyjęcia idei naszych współczesnych i bezwstydnego budowania na geniuszu przeszłości.

Zmiana perspektywy

Istnieje wiele różnych wyjaśnień kubizmu. Niektórzy opisują go jako geometryczny sposób malowania świata. Inni nazywają to sposobem wprowadzania czwartej wymiaru do sztuki poprzez ukazywanie ruchu. Jeszcze inni mówią, że był to abstrakcyjny redukcjonizm kształtów i form występujących w codziennym życiu. Najlepsze wyjaśnienie, jakie kiedykolwiek słyszałem, to to, że kubizm był próbą ponownego zbadania perspektywy. Od czasów renesansu sztuka zachodnia była kierowana przez konkretne zasady dotyczące sztuki wizualnej — zasady dotyczące realizmu, akceptowalnej treści i perspektywy. Oczekiwano, że obrazy będą naśladować życie, przyjmując głębię, perspektywę i inne iluzjonistyczne narzędzia. Jednak w całym XIX wieku te zasady były kwestionowane. Impresjoniści podważyli zasady dotyczące tematyki, tworząc dzieła, które były wyłącznie o świetle. Dywizjoniści używali eksperymentalnych pociągnięć pędzla, aby stawiać pytania o to, czy kolor istnieje w rzeczywistości, czy jest tylko interpretowany w mózgu. Postimpresjoniści przyjęli mistycyzm, symbolizm i duchowość, udowadniając, że formalne elementy, takie jak kolor i przestrzeń, mogą same w sobie być warte poszukiwania jako treść.

Paul Gauguin - Bądźcie tajemnicze, 1890. Polichromowany relief w drewnie lipowym, 73 x 95 x 5 cm. Muzeum d’Orsay, Paryż. © RMN-Grand Palais (Muzeum d'Orsay) / Tony Querrec

Kubizm dodał do tej mieszanki ideę, że rzeczywistość jest postrzegana przez ludzkie oko zupełnie inaczej niż to, jak jest zazwyczaj przedstawiana w sztuce. Kiedy widzimy coś, nie widzimy tego spłaszczonego i idealnie nieruchomego. Świat zawsze się porusza, a my zawsze przez niego przechodzimy. Widzimy kawałki i fragmenty z różnych kątów. Światło nieustannie się zmienia. Świat jest podzielony na kawałki i fragmenty — niektóre z nich są niewidoczne, ale wiemy, że tam są. Kubizm stara się pokazać fragmenty rzeczywistości złożone w jedną kompozycję. Analizuje świat z wielu jednoczesnych perspektyw, dekonstruując życie, aby pokazać jego złożoność. Kubizm (1907-1917) pokazuje, jak w tym względzie przynajmniej, Cézanne był znacznie przed Picasso i Braque. Jednym z najwcześniejszych dzieł na wystawie jest obraz Cézanne'a „La Table de cuisine” (1890). Od stołu na pierwszym planie po kosze, krzesła i naczynia, każdy przedmiot na obrazie jest pokazany z subtelnie innego punktu widzenia. W tej pracy osiągnięto jednoczesność perspektyw, ogłaszając ją jako wyraźnie proto-kubistyczną 18 lat przed tym, jak Picasso i Braque dotarli do tego samego pomysłu.

Paul Cézanne - Stół kuchenny. (Martwa natura z koszem), ok. 1888-1890. Olej na płótnie, 65 x 81,5 cm. Muzeum d’Orsay, Paryż. © RMN-Grand Palais (Muzeum d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Sztuka Pożyczania

Jednym z najbardziej odświeżających aspektów kubizmu (1907-1917) jest to, że nie unika on faktu, iż ci artyści swobodnie czerpali od siebie nawzajem. Czasami kładziemy tak duży nacisk na oryginalność, wymagając od artystów szalonej innowacji. Ta wystawa pokazuje, że czasami innowacja oznacza po prostu zrobienie małego kroku naprzód, opierając się na osiągnięciach innych. Widzimy „Masque krou” z Wybrzeża Kości Słoniowej, jedną z afrykańskich masek, które bezpośrednio zainspirowały Picassa. Twarz jest podzielona na kwadranty; oczy są w nierównowadze; cechy są podzielone na geometryczne obszary cienia i światła. Dwa pobliskie obrazy Picassa—„Portret Gertrudy Stein” (1905-1906) i jego autoportret z 1907 roku—pokazują, jak precyzyjnie Picasso naśladował wizualny język afrykańskiej maski. A jednak widzimy, jak rozłożył te formalne aspekty i zrobił następny krok, wykorzystując te pomysły do dekonstrukcji obiektów w przestrzeni w obrazach takich jak „Pains et compotier aux fruits sur une table” (1908-1909), oraz do ujawnienia niewidocznych aspektów charakteru w dziełach takich jak „Portret Ambroise’a Vollarda” (1910).

Pablo Picasso - Portret Gertrudy Stein, 1905-1906. Olej na płótnie, 100 x 81,3 cm. Muzeum Sztuki Metropolitalnej, Nowy Jork. © Muzeum Sztuki Metropolitalnej, Dist RMN-Grand Palais / obraz MMA. © Sukcesja Picasso 2018

W miarę trwania wystawy widzimy, jak Sonia Delaunay pożyczyła język geometryczny od Picassa — nie po to, aby badać świat fizyczny, ale aby wykorzystać kształty do eksploracji metafizycznego potencjału relacji kolorów. Widzimy, jak Piet Mondrian również pożyczył geometryczne aspekty kubizmu, ale w przeciwieństwie do Picassa, który skomplikował rzeczywistość, Mondrian użył geometrii, aby uprościć świat do jego najbardziej podstawowych elementów. Widzimy, jak artyści tacy jak Juan Gris czerpali z kubizmu, aby stworzyć bardziej graficzny styl artystyczny, który zainspirował artystów plakatowych. I widzimy, jak kolaże syntetycznego kubizmu zainspirowały dadaistów takich jak Francis Picabia. Widzimy również tzw. prace „tubistyczne” autorstwa Fernanda Légera, ilustrujące subtelną zmianę stylu kubistycznego, która stała się prekursorem sztuki pop. Pięknie, nie ma wstyd w tym postępie wpływów. Wręcz przeciwnie. Przemyślana kuracja przypomina nam o czystej radości budowania na pomysłach innych. Nikt nie powiedziałby, że któremukolwiek z tych artystów brakowało wyobraźni. Przeciwnie, Kubizm (1907-1917) dowodzi, że czasami wyobraźnia jest jeszcze bardziej owocna, gdy prosi o pomoc.

Obraz wyróżniony: Pablo Picasso - Guitare, Paryż, styczeń-luty 1914. Blacha metalowa i żelazo, 77,5 x 35 x 19,3 cm. Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork. © 2018. Obraz cyfrowy, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork/Scala, Florencja. © Sukcesja Picasso 2018
Autor: Phillip Barcio