Odkryj tajemnice orfizmu w malarstwie

W dziedzinie sztuki abstrakcyjnej mistycyzm i nauka czasem stają się nieświadomymi towarzyszami. Przykładem jest Orfizm, krótkotrwały i czasem źle rozumiany ruch artystyczny z początków XX wieku. Korzenie artystyczne orfizmu tkwią w kubizmie, fowizmie i dywizjonizmie. Mistyczne korzenie sugeruje jego nazwa, pochodząca od mitycznego muzyka i poety Orfeusza, którego muzyka miała moc oczarowywania diabła i poruszania nawet kamieni do tańca. Naukowe podstawy orfizmu sięgają pism Michela Eugène’a Chevreula, którego nazwisko wyryte jest na Wieży Eiffla, a który był być może najmniej mistycznym, najbardziej sceptycznym francuskim uczonym w historii. W jakiś sposób, w zbiegu tych wszystkich wpływów narodził się orfizm, który wpłynął na pokolenia abstrakcyjnych artystów.

Narodziny Orfizmu

Orfizm opisuje praktykę niewielkiej grupy głównie europejskich malarzy, którzy tworzyli jasne, kolorowe obrazy abstrakcyjne w quasi-kubistycznym stylu mniej więcej między 1912 a 1916 rokiem (choć założyciele kontynuowali pracę w tym stylu przez wiele kolejnych dziesięcioleci). Ruch ten został nazwany przez Guillaume’a Apollinaira, francuskiego krytyka sztuki, który ukuł także terminy kubizm i surrealizm. Apollinaire zauważył, że niewielka liczba malarzy rozwija unikalną praktykę częściowo opartą na teoriach kubizmu, ale z naciskiem na żywe kontrastujące kolory i coraz bardziej abstrakcyjną treść.

Apollinaire nazwał tych malarzy orfistami, nawiązując do idealizowanej reputacji Orfeusza jako najwyższego artysty. Słowo to miało stanowić kontrast wobec hiperpraktycznego kubizmu analitycznego. Apollinaire zauważył, jak orfiści używają koloru, linii i formy w taki sam sposób, w jaki muzycy używają nut, tworząc abstrakcyjne kompozycje, które mogą wzbudzać emocje.

Mimo że Apollinaire próbował nadać orfizmowi poetycki charakter, trzej założyciele ruchu byli w rzeczywistości sztywno naukowi w swoim podejściu do malarstwa. Choć rzeczywiście inspirowali się abstrakcyjnymi cechami muzyki, nie próbowali angażować się w nic duchowego czy magicznego. Badali konkretne teorie dotyczące wpływu koloru na ludzkie emocje.

Sonia Delaunay - Rythme coloré, 1952. Olej na płótnie. 105,9 × 194,6 cm. © Sonia Delaunay

Oddzielanie kolorów od przedmiotów

Orfiści interesowali się unikalnymi cechami linii, koloru i formy niezależnie od estetycznych zjawisk, z którymi są zwykle kojarzone. Szczególnie inspirowali się pracami trzech teoretyków sztuki, z których każdy rozkładał na części pierwsze elementy malarstwa, by analizować potencjalną moc jego poszczególnych składników. Pierwszym był Paul Signac, zagorzały zwolennik pointylizmu i jego twórca Georges Seurat. Signac pisał obszernie o dywizjonizmie, teorii stojącej za pointylizmem, która wykazała, że kolory mogą osiągnąć większy efekt, jeśli są mieszane w oczach widza, a nie na płótnie.

Drugim wpływem na orfistów był francuski akademik Charles Henry, którego teorie o emocjonalnych skojarzeniach sugerowały, że linia, kolor i forma mają autonomiczne abstrakcyjne powiązania w ludzkiej świadomości, które można oddzielić od obiektywnej treści. Najważniejszym jednak wpływem były teorie koloru Michela Eugène’a Chevreula, naukowca, którego nazwisko widnieje na Wieży Eiffla, analizującego wpływ różnych kolorów na obserwatorów oraz na siebie nawzajem, w tym efekt zwany iluzją Chevreula, czyli wrażenie jasnej linii oddzielającej dwa intensywne, sąsiadujące kolory.

Robert Delaunay - Rhythm n°1, 1938. Olej na płótnie. 529 x 592 cm. Dekoracja ścienna dla Salon des Tuileries. Musée d'Art Moderne de la ville de Paris.

Kontrast jednoczesny

Najbardziej wpływową pracą Chevreula było badanie zjawiska zwanego kontrastem jednoczesnym, które dotyczyło wzajemnego oddziaływania kolorów. Pracując dla firmy barwników, Chevreul zauważył, że kolory wyglądają inaczej w zależności od tego, jakie inne kolory mają obok siebie. To względne porównanie zainspirowało go do testowania różnych kombinacji kolorów i doprowadziło do wielu obserwacji na temat psychologicznych efektów tych zestawień na ludzkich obserwatorach.

Teoria, że różne kombinacje kolorów mogą wywoływać odmienne reakcje emocjonalne u ludzi, miała głęboki wpływ na orfistów. Badali oni tzw. „wibracyjne” efekty różnych zestawień kolorów, zauważając, że wizualnie odmienne kombinacje kolorów przyczyniają się do poczucia ruchu, co skłoniło niektórych do porównywania ich dzieł z pracami futuryzmu, który również był głęboko zainteresowany ruchem i szybkością. Łącząc neoimpresjonistyczne teorie dywizjonizmu z uproszczonym geometrycznym językiem wizualnym kubizmu, a następnie dodając jasne kontrastujące kolory w celu stworzenia wrażenia ruchu i psychologicznego odczucia, orfiści stworzyli unikalne połączenie estetyczne, które wkrótce przekształciło się w jeden z pierwszych czysto abstrakcyjnych ruchów artystycznych.

Franz Kupka - Dynamic Disks, 1931-33. Gwasz na papierze. 27,9 x 27,9 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork, darowizna Richarda S. Zeislera, 2007. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż

Kim byli orfiści?

Trzech malarzy uznawanych za założycieli ruchu to Franz Kupka, Sonia Delaunay oraz mąż Sonii, Robert Delaunay. To oni stworzyli styl estetyczny, który stał się ikoną ruchu, i najskuteczniej przekazali teoretyczne podstawy swojej twórczości. Kilku innych artystów również eksperymentowało z tym stylem, w tym Francis Picabia, Albert Gleizes, Fernand Léger oraz amerykański malarz abstrakcyjny Patrick Henry Bruce. Jednak większość z nich szybko porzuciła ten trend na rzecz innych, pojawiających się stylów.

Franz Kupka - Disks of Newton (Studium do „Fugi w dwóch kolorach”), 1912. Olej na płótnie. 100,3 x 73,7 cm. © Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż

Franz Kupka

Ten urodzony w Austro-Węgrzech malarz rozpoczął karierę jako ilustrator książek. Choć był związany z grupami artystów, w tym futurystami, kubistami i Grupą Puteaux, unikał bezpośrednich powiązań z jakimkolwiek ruchem czy stylem. Jego oddanie zrozumieniu efektów i obiektywnych właściwości koloru doprowadziło go do stworzenia własnych kół kolorów, opartych na podobnych wcześniejszych pracach Isaaca Newtona. W 1912 roku Kupka namalował dzieło uważane wówczas za przełomowe w orfizmie, Fugue in Two Colors. Wcześniej tego samego roku, przygotowując się do tego obrazu, namalował dzieło, które dla wielu stało się jeszcze słynniejsze, Disks of Newton (Studium do „Fugi w dwóch kolorach”). Mimo że miał około 40 lat, zgłosił się na ochotnika do walki w I wojnie światowej. Po wojnie kontynuował malarstwo, dalej zgłębiając geometrię, kolor, formę i linię oraz ich abstrakcyjną zdolność do oddziaływania na ludzkie emocje.

Sonia Delaunay - Prismes electriques, 1914. Olej na płótnie. 250 × 250 cm. Musée national d'art moderne (MNAM), Centrum Georges Pompidou, Paryż

Sonia Delaunay

Urodzona jako Sarah Stern na Ukrainie i kształcona w sztuce w Niemczech, Sonia Delaunay przeprowadziła się do Paryża, by zostać artystką w 1905 roku. Wkrótce wyszła za mąż za handlarza dziełami sztuki Wilhelma Uhde i spędzała dużo czasu w jego galerii. Tam poznała uznanego i odnoszącego sukcesy malarza Roberta Delaunaya. Sonia rozwiodła się z pierwszym mężem i w 1909 roku poślubiła Roberta Delaunaya. Razem rozwinęli radykalne badania Roberta nad kolorem, co bezpośrednio doprowadziło do powstania unikalnego stylu, który stał się orfizmem.

Sonia była nie tylko płodną i wpływową malarką; pracowała także jako projektantka w modzie, teatrze i przemyśle. Przez całą karierę koncentrowała się na wewnętrznej mocy kolorów i geometrycznych form, by wpływać na ludzkie postrzeganie i przekazywać abstrakcyjne prawdy. W 1964 roku Sonia miała retrospektywę swoich prac w Luwrze, stając się pierwszą żyjącą kobietą-artystką uhonorowaną w ten sposób.

Sonia Delaunay - Ilustracja mody, 1925. Akwarela i ołówek na papierze. 38 x 55,6 cm.

Robert Delaunay

Zapalony badacz, przenikliwy teoretyk i utalentowany malarz, Robert Delaunay interesował się kolorem od najwcześniejszych etapów swojej twórczości. Już w wieku 19 lat prezentował dojrzałe prace. Jego obrazy z tamtego czasu inspirowane były teorią dywizjonizmu i były jednymi z dzieł wyśmiewanych przez francuskiego krytyka sztuki Louisa Vauxcellesa jako składające się z „małych kostek” koloru, co doprowadziło do późniejszego ukucia terminu kubizm.

Sam Delaunay nie utożsamiał się z żadnym konkretnym stylem malarskim i przez całą karierę opierał się określeniu orfista. Niemniej jednak osobiście i zawodowo współpracował z wieloma artystami związanymi z kubizmem i różnymi równoczesnymi ruchami abstrakcyjnymi. Jego uwaga zawsze skupiała się na kolorze. Nawet malując w stylu kubizmu analitycznego, jego żywe kolory wyróżniały się na tle innych malarzy pracujących z podobnymi pomysłami w tamtym czasie.

Robert Delaunay - Paysage au disque, 1907. Olej na płótnie. 55 x 46 cm. Musée national d'art moderne (MNAM), Centrum Georges Pompidou, Paryż

Dziedzictwo orfizmu

Ci wizjonerzy wierzyli w moc koloru do wyrażania emocji i odczuć niezależnie od skojarzeń z formami przedstawiającymi. Byli eksperymentatorami i zwolennikami czystej abstrakcji jako sposobu komunikowania najgłębszych aspektów ludzkiego doświadczenia. Podobnie jak inni luminarze początku XX wieku, tacy jak Picasso i Kandinsky, Kupka i Delaunayowie wytyczyli nowe drogi, tworząc praktykę, która skutecznie pomogła wprowadzić czystą abstrakcję na światową scenę. Orfizm był krótkotrwały dla większości artystów, ale trzej założyciele ruchu praktykowali go aż do śmierci. Pomogli zainspirować inne ruchy, takie jak liryczna i geometryczna abstrakcja, i do dziś są uważani za inspirację dla wielu artystów abstrakcyjnych.

Zdjęcie główne: Robert Delaunay - La ville de Paris, 1911. Olej na płótnie. 47,05 x 67,8 cala. The Toledo Museum of Art
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio