Att definiera den lyriska abstraktionen

Lyrisk Abstraktion är en till synes självdefinierande term, och ändå har dess ursprung och betydelse debatterats i generationer. Den amerikanske konstsamlaren Larry Aldrich använde termen 1969 för att definiera naturen av olika verk han nyligen hade samlat som han ansåg signalerade en återgång till personlig uttryck och experimenterande efter Minimalismen. Men den franske konstkritikern Jean José Marchand använde en variant av termen, Abstraction Lyrique, flera decennier tidigare, 1947, för att referera till en framväxande europeisk trend inom måleri som liknade Abstract Expressionism i USA. Båda användningarna av termen hänvisade till konst som kännetecknades av fria, känslomässiga, personliga kompositioner som inte var relaterade till objektiv verklighet. Men dessa tendenser kan spåras ännu längre tillbaka, åtminstone till det första decenniet av 1900-talet och verken av Wassily Kandinsky. För att avslöja de sanna rötterna och betydelsen av Lyrisk Abstraktion, och för att förstå hur man interagerar med dess tendenser i konsten, måste vi se tillbaka på de tidigaste dagarna av abstrakt konst.

Att sätta det lyriska i lyrisk abstraktion

Under 1910-talet flörtade flera olika grupper av konstnärer med abstraktion, var och en från ett unikt perspektiv. Kubist och Futurist konstnärer arbetade med bilder från den verkliga världen och förändrade dem på konceptuella sätt för att uttrycka abstrakta idéer. Suprematist och konstruktivistiska konstnärer arbetade med igenkännbara former i sin konst, men använde dem på tvetydiga eller symboliska sätt, eller på ett sätt som försökte förmedla universaliteter. Men en annan grupp av konstnärer närmade sig abstraktion från ett helt annat perspektiv än de andra.

Epitomiserad av Wassily Kandinsky, närmade sig denna grupp abstraktion från perspektivet att de inte visste vilken mening det kunde finnas i det de målade. De hoppades att genom att helt enkelt måla fritt, utan förutfattade meningar om estetik eller den objektiva världen, kunde något okänt uttryckas genom deras arbete. Kandinsky liknade sina målningar vid musikaliska kompositioner, som kommunicerade känslor på ett helt abstrakt sätt. Hans abstrakta målningar var fantasifulla, känslosamma, uttrycksfulla, personliga, passionerade och helt subjektiva; med andra ord, lyriska.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Oil on canvas. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Hermitage Museum, Saint Petersburg

Efterkrigstidens lyriska abstraktion

Den lyriska abstraktionen av Kandinsky stod i kontrast till många av de andra abstrakta konsttendenserna under 1920- och 30-talen. Hans konst var inte specifikt kopplad till någon religion, men det fanns något uppenbart spirituellt i den. Andra konstnärer kopplade till stilar som De Stijl, Art Concrete och Surrealism skapade konst som var sekulär och som kunde tolkas objektivt och akademiskt. Kandinsky sökte något som aldrig helt kunde definieras eller förklaras. Han uttryckte sin personliga koppling till universums mysterier på ett öppet sätt. Det var som om han uppfann en slags spirituell existentialism.

Existentialismen var en filosofi som kom i fokus efter andra världskriget, när människor kämpade för att förstå vad de uppfattade som livets meningslöshet. Kritiska tänkare kunde inte tro att en högre makt kunde existera som skulle tillåta den typ av förstörelse de just hade bevittnat. Men istället för att bli nihilistiska i den uppenbara avsaknaden av Gud, försökte existentialisterna arbeta sig igenom livets övergripande meningslöshet genom att söka personlig mening. Som den existentialistiska författaren Jean-Paul Sartre skrev i sin bok Being and Nothingness 1943, "Människan är dömd att vara fri; hon är ansvarig för allt hon gör." Sökandet efter vad som i grunden är personligt var avgörande för existentialismen, och också för den utbredda återuppvaknandet av lyrisk abstraktion efter andra världskriget.

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. Private collection

Med alla andra namn

Under 1940- och 50-talen uppstod ett stort antal abstrakta konstnärliga rörelser som alla på ett eller annat sätt involverade subjektivt personligt uttryck som grund för att uttrycka mening i konsten. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Abstract Expressionism, Color Field konst, och till och med konceptuell och performancekonst kan alla, i viss mån, spåras tillbaka till samma allmänna existentiella sökande. En av de mest inflytelserika konstkritikerna under denna tid, Harold Rosenberg, förstod detta när han skrev, "I dag måste varje konstnär åta sig att uppfinna sig själv... Konstens mening i vår tid flyter från denna funktion av självskapande."

Men när kulturen förändrades med nästa generation föll många av dessa existentiella tendenser inom konsten ur favör. Och återigen tog en känslolös, konkret, geometrisk ansats till abstrakt konst, epitomiserad av Minimalism, deras plats. Men inte alla konstnärer övergav den lyriska traditionen. I slutet av 1960-talet hade tidvattnet återigen vänt. Som påpekades av Larry Aldrich, som återmyntade termen Lyrical Abstraction 1969, "Tidigt förra säsongen blev det uppenbart att det i måleri fanns en rörelse bort från det geometriska, hårda och minimala, mot mer lyriska, sensuella, romantiska abstraktioner i färger som var mjukare och mer livfulla... Konstnärens touch är alltid synlig i denna typ av måleri, även när målningarna görs med spraypistoler, svampar eller andra föremål."

Jean-Paul Riopelle - Composition, Oil on canvas, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Samtida Lyrisk Abstraktion

Det är uppenbart att, som ofta är fallet med rörelser inom konsten, de tendenser som definierar Lyrisk Abstraktion föregick myntandet av termen. Under de första decennierna av 1900-talet personifierade konstnärer som Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee och Wols först lyriska tendenser i abstraktion. Och decennier senare förde konstnärer som Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages och Joan Mitchell dem vidare. Sedan, under slutet av 1960-talet och 70-talet, revitaliserade och utvidgade konstnärer som Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko och dussintals andra relevansen av denna position.

År 2015 avled en av de mest fascinerande rösterna inom samtida Lyrisk Abstraktion, den spanska konstnären Laurent Jiménez-Balaguer. Men dess koncept, teorier och tekniker fortsätter att manifestera sig på kraftfulla sätt idag i arbetet av sådana konstnärer som Margaret Neill, vars instinktiva kompositioner av lyriska, sammanflätade linjer bjuder in betraktaren till en subjektiv delaktighet av personlig mening, och av Ellen Priest, vars arbete väcker liv i hennes livslånga och pågående, personliga estetiska samtal med jazzmusik. Det som förenar alla dessa konstnärer i ett gemensamt band är den grundläggande strävan inom Lyrisk Abstraktion: att uttrycka något personligt, subjektivt och känslomässigt, och att göra det på ett poetiskt, abstrakt sätt.

Ellen Priest - Dolphin dance study 15.

Utvald bild: Margaret Neil - Switchback (detalj).
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio