Att definiera den lyriska abstraktionen

Lyrisk Abstraktion är en till synes självförklarande term, och ändå har dess ursprung och betydelse debatterats i generationer. Den amerikanske konstsamlaren Larry Aldrich använde termen 1969 för att definiera arten av olika verk han nyligen samlat på sig, som han ansåg signalerade en återgång till personlig uttrycksfrihet och experimenterande efter minimalismen. Men den franske konstkritikern Jean José Marchand använde en variant av termen, Abstraction Lyrique, årtionden tidigare, 1947, för att hänvisa till en framväxande europeisk trend inom måleriet liknande abstrakt expressionism i USA. Båda användningarna av termen syftade på konst som kännetecknades av fria, känslosamma, personliga kompositioner utan koppling till objektiv verklighet. Men dessa tendenser kan spåras ännu längre tillbaka, åtminstone till det första decenniet av 1900-talet och arbetet av Wassily Kandinsky. För att avslöja de verkliga rötterna och betydelsen av Lyrisk Abstraktion, och för att förstå hur man ska förhålla sig till dess tendenser i konsten, måste vi se till de allra första dagarna av abstrakt konst.

Att sätta det lyriska i lyrisk abstraktion

Under 1910-talet flirtade flera olika grupper av konstnärer med abstraktion, var och en från ett unikt perspektiv. Kubistiska och Futuristiska konstnärer arbetade med bilder från den verkliga världen och förändrade dem på konceptuella sätt för att uttrycka abstrakta idéer. Suprematistiska och konstruktivistiska konstnärer arbetade med igenkännbara former i sin konst, men använde dem på tvetydiga eller symboliska sätt, eller på ett sätt som försökte förmedla allmängiltigheter. Men en annan grupp konstnärer närmade sig abstraktionen från ett helt annat perspektiv än de övriga.

Denna grupp, som epitomiseras av Wassily Kandinsky, närmade sig abstraktionen från perspektivet att de inte visste vilken mening det kunde finnas i det de målade. De hoppades att genom att helt enkelt måla fritt, utan förutfattade meningar om estetik eller den objektiva världen, kunde något okänt uttryckas genom deras verk. Kandinsky liknade sina målningar vid musikaliska kompositioner, som förmedlade känslor på ett helt abstrakt sätt. Hans abstrakta målningar var fantasifulla, känslosamma, uttrycksfulla, personliga, passionerade och helt subjektiva; med andra ord lyriska.

Wassily Kandinsky - Komposition 6, 1913. Olja på duk. 76,8 × 118,1" (195,0 × 300,0 cm). Eremitagemuseet, Sankt Petersburg

Lyrisk abstraktion efter kriget

Kandinskys lyriska abstraktion stod i kontrast till många av de andra abstrakta konsttendenserna under 1920- och 30-talen. Hans konst var inte specifikt kopplad till någon religion, men det fanns något tydligt andligt i den. Andra konstnärer förknippade med stilar som De Stijl, Art Concrete och surrealism skapade konst som var världslig och lämpade sig för objektiv, akademisk tolkning. Kandinsky sökte något som aldrig helt kunde definieras eller förklaras. Han uttryckte sin personliga koppling till universums mysterier på ett öppet sätt. Det var som om han uppfann en slags andlig existentialism.

Existentialismen var en filosofi som blev framträdande efter andra världskriget, när människor kämpade för att förstå vad de uppfattade som livets meningslöshet. Kritiska tänkare kunde inte tro att en högre makt kunde existera som tillät den förstörelse de just bevittnat. Men istället för att bli nihilistiska i den uppenbara frånvaron av gud, försökte existentialisterna arbeta sig igenom livets övergripande meningslöshet genom att söka personlig mening. Som existentialistförfattaren Jean-Paul Sartre skrev i sin bok Being and Nothingness 1943, ”Människan är dömd att vara fri; han är ansvarig för allt han gör.” Jakten på det som i grunden är personligt var avgörande för existentialismen, och också för den utbredda återuppkomsten av lyrisk abstraktion efter andra världskriget.

Wassily Kandinsky - Den yttersta domen, 1912. Privat samling

Under andra namn

Under 1940- och 50-talen uppstod ett stort antal abstrakta konströrelser som på ett eller annat sätt involverade subjektivt personligt uttryck som grund för att förmedla mening i konsten. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, abstrakt expressionism, färgfältskonst och till och med konceptuell och performancekonst kan alla, till viss del, spåras tillbaka till samma allmänna existentiella sökande. En av de mest inflytelserika konstkritikerna under denna tid, Harold Rosenberg, förstod detta när han skrev, ”Idag måste varje konstnär ge sig i kast med att uppfinna sig själv...Konstens mening i vår tid flödar från denna funktion av självskapande.”

Men när kulturen förändrades med nästa generation föll många av dessa existentiella tendenser i konsten i onåd. Och återigen tog en okänslig, konkret, geometrisk ansats till abstrakt konst, epitomiserad av minimalismen, deras plats. Men inte alla konstnärer övergav den lyriska traditionen. I slutet av 1960-talet hade vinden åter vänt. Som Larry Aldrich påpekade, som återinförde termen Lyrisk Abstraktion 1969, ”Tidigt förra säsongen blev det tydligt att det inom måleriet skedde en rörelse bort från det geometriska, hårdkantade och minimala, mot mer lyriska, sinnliga, romantiska abstraktioner i färger som var mjukare och mer livfulla...Konstnärens handlag är alltid synligt i denna typ av måleri, även när målningarna görs med sprutpistoler, svampar eller andra föremål.”

Jean-Paul Riopelle - Komposition, olja på duk, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Samtida lyrisk abstraktion

Det är uppenbart att, som ofta är fallet med rörelser inom konsten, de tendenser som definierar lyrisk abstraktion föregick själva myntandet av termen. Under de första årtiondena av 1900-talet förkroppsligade konstnärer som Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee och Wols först lyriska tendenser i abstraktionen. Och årtionden senare förde konstnärer som Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages och Joan Mitchell vidare dessa. Sedan, under slutet av 1960- och 70-talen, vitaliserade och utvidgade konstnärer som Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko och dussintals andra positionens relevans.

År 2015 gick en av de mest fascinerande rösterna inom samtida lyrisk abstraktion, den spanske konstnären Laurent Jiménez-Balaguer, bort. Men dess begrepp, teorier och tekniker fortsätter att manifestera sig på kraftfulla sätt idag i verk av sådana konstnärer som Margaret Neill, vars instinktiva kompositioner av lyriska, sammanflätade linjer inbjuder betraktaren till ett subjektivt deltagande i personlig mening, och Ellen Priest, vars verk väcker till liv hennes livslånga och pågående personliga estetiska samtal med jazzmusiken. Det som förenar alla dessa konstnärer i ett gemensamt band är den grundläggande strävan i lyrisk abstraktion: att uttrycka något personligt, subjektivt och känslosamt, och att göra det på ett poetiskt, abstrakt sätt.

Ellen Priest - Delfindansstudie 15.

Framträdande bild: Margaret Neil - Switchback (detalj).
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio