Farbige Kühnheit und Geometrie in der Malerei von Gillian Ayres

Die gefeierte britische abstrakte Künstlerin Gillian Ayres schafft seit fast 70 Jahren professionell Kunst. Seit ihrem Abschluss an der Camberwell School of Art in London im Jahr 1950 hat sie nie von ihrer einen reinen Leidenschaft abgelassen: dem Malen. Selbst inmitten globaler Strömungen wie Konzeptkunst, Performancekunst, Land Art, Installationskunst und Multimedia-Kunst, die alle die Relevanz ihrer Arbeit infrage stellten, blieb Ayres der einfachen Idee treu, Bilder mit Farbe zu schaffen. Ihre Arbeit war stets abstrakt, obwohl sich ihr Stil ständig weiterentwickelte. Auf die Frage nach der Bedeutung ihres Gesamtwerks oder dem Antrieb für ein bestimmtes Werk lenkt sie das Gespräch von Worten ab. „Es ist eine visuelle Erfahrung“, sagt sie, „keine literarische.“

Ein gewisses Unbehagen

Wenn sie von ihren frühen Tagen an der Kunstschule erzählt, nimmt Gillian Ayres einen gewissen verschmitzten Ausdruck an. Sie erinnert sich, wie sehr sie die Lehrmethoden vieler ihrer Professoren abschreckten. Sie und die anderen Studierenden mussten ganze Tage damit verbringen, sich auf Dinge wie das wiederholte Zeichnen eines Körperteils eines Modells oder das Skizzieren einer Szene vor einem Londoner Café zu konzentrieren. Sie empfand die Wiederholung und die unermüdliche Genauigkeit als eintönig. Sie sehnte sich danach, die Moderne und abstrakte Kunst zu entdecken und die Art von Kunst zu schaffen, die sie lebendig, kraftvoll und frei fühlen ließ.

Sie beschreibt sich in jenen Tagen als subversiv. Doch sie sagte: „Es ist kein Ehrgeiz, gegen den Strom zu schwimmen. Ich glaube nicht, dass es den Wunsch gab, subversiv zu sein. Man fühlte sich einfach unruhig.“ Dieses Unbehagen wurde schließlich Anfang der 1950er Jahre bestätigt, als sie zum ersten Mal auf die Arbeiten von Jackson Pollock stieß. Die Bilder, die sie von ihm sah, wie er auf dem Boden arbeitete und Farbe auf lockere, lebendige Weise handhabte, inspirierten sie, und sie wusste sofort, dass sie so frei sein wollte. Bis heute zählt Ayres Pollock zu ihren wichtigsten Inspirationsquellen; nicht, weil sie seine Technik, seinen Stil oder das Aussehen seiner Werke kopierte, sondern weil er ihr einen Weg zeigte, aus dem klassischen Durcheinander auszubrechen.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Ölfarbe und Haushaltsfarbe auf Hartfaserplatte. 213 x 152 cm. © Gillian Ayres

Eine wahre Berufung

Neu gestärkt verbrachte Ayres die 1950er Jahre damit, einen dynamischen, lebendigen abstrakten Stil zu entwickeln. Obwohl die Arbeit ihr den Respekt anderer Maler und in geringem Maße auch der Öffentlichkeit einbrachte, waren Moderne und Abstraktion in Großbritannien noch nicht weit verbreitet anerkannt. Sie hatte eine kleine Anzahl von Gemälden ausgestellt und verkauft, doch finanzieller Erfolg blieb ihr verwehrt. So nahm sie gerne eine befristete Stelle als Lehrerin an der Bath Academy of Art an, einer Kunstschule, die für ihre Fortschrittlichkeit bekannt war. Sie blieb schließlich sieben Jahre in Bath, wechselte dann für zwölf Jahre an die Saint Martin's School of Art und leitete drei Jahre lang die Malereiabteilung an der Winchester School of Art.

Während ihrer Lehrtätigkeit entwickelte Ayres ihren Stil weiter. Sie experimentierte mit biomorphen Formen, erforschte verschiedene Farbpaletten und schwankte zwischen malerischen, Impasto-Werken und flachen Flächen. Ihr Ruf als Rebellin wuchs, da sie weiterhin entschieden für die Malerei eintrat, während fast alle ihre Kollegen ihre Schüler zu anderen, zeitgemäßeren Medien lenkten. Doch Ende der 1970er Jahre hatte sie einen klaren Moment. Nach einer beinahe tödlichen akuten Bauchspeicheldrüsenentzündung erkannte sie, dass sie trotz ihres Erfolgs als Lehrerin eigentlich nur malen wollte. Sie beendete daraufhin ihre akademische Laufbahn und zog aufs Land nach Wales, um sich ganz ihrer Kunst zu widmen.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Öl auf Leinwand. 152,4 x 152,4 cm. © Gillian Ayres

Farbe und Form

Neu gewidmet tauchte Ayres tief in ihre Liebe zur Farbe ein. Sie hatte sich bereits zu einem stärker impastohaften, strukturierten Stil hingezogen gefühlt, und nun wurden ihre Werke noch malerischer, greifbarer und üppiger. Sie benutzte ihre bloßen Hände, um die Farbe zu formen, und verband sich so direkt und persönlich mit den Oberflächen. Ihre Gemälde aus dieser Zeit wirken wie urzeitliche Brutstätten für neue Farbbeziehungen und ungeahnte Formen. Unzählige Möglichkeiten brechen aus den ekstatischen Kompositionen hervor und erreichen trotz ihrer Komplexität eine gewisse Harmonie.

Etwa zu dieser Zeit erkannte Ayres, dass sie kein Interesse mehr an Tonwerten hatte. Sie wollte nichts von gedämpften Tönen oder Farbnuancen. Sie wollte Intensität. Und neben ihrem Fokus auf lebendige, reine Farbe begann sie auch, sich einer figurativeren Verwendung von Formen zuzuwenden, ihre Linien zu verhärten und größere Farbflächen in ihre Kompositionen einzubeziehen. Ein Gefühl von ruhiger Zuversicht entstand in ihren Gemälden, vielleicht im Zusammenhang mit einem Leben, das nun in ständiger Betrachtung der wesentlichen Arbeit verbracht wurde, zu der sie sich berufen fühlte.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Öl auf Leinwand. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Eine neue Geometrie

In den 1990er und frühen 2000er Jahren entwickelte Ayres ihren Stil weiter in Richtung erkennbarer Formen in ihren Kompositionen. Andeutungen natürlicher Gegenstände tauchen auf und verschwinden wieder, wie ein Mond oder eine Sonne, eine Horizontlinie oder eine weltliche Ansammlung von Formen, die an ein Festmahl auf einem Tisch oder Blumen auf einer Wiese erinnern. Einige ihrer Kompositionen spielen mit geometrischen Formen und Mustern, wenn auch nur in Fragmenten. Doch es ist nicht so sehr realistische Figuration, die in ihren jüngsten Werken aufgetaucht ist, sondern eher eine figurative abstrakte Bildsprache, die sich durchgesetzt hat, ähnlich der, die sich zeigte, als Matisse in der späteren Phase seiner Laufbahn seine ikonischen Hard-Edge-Schnitte entwickelte.

Diese Bildsprache eignet sich besonders gut für das Medium des Drucks, das Ayres schon lange interessiert. In den letzten Jahren hat sie es genossen, in den Wintermonaten in ihrem Atelier Drucke und Holzschnitte anzufertigen. Die Farben in ihren Drucken sind lebendiger und reiner als je zuvor und schaffen kühne Beziehungen, die das Auge mit ihrer dynamischen Präsenz überraschen. Sie bezeichnet den Druckprozess als etwas, das mit dem Drang zur Vervielfältigung verbunden ist. Trotz seiner im Grunde reproduktiven Qualität fügt sie vielen ihrer Drucke handgemalte Elemente hinzu, wodurch jedes Kunstwerk einzigartig wird. Diese Verbindung von mechanischen Verfahren und Handmalerei führt zu einer vielschichtigen Mischung von Texturen.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Tiefdruck & Aquatinta mit Carborundum (Siliziumkarbid) & Handmalerei auf Papier. 68,6 x 78,7 cm. © Gillian Ayres

Grenzenlose Erneuerung

In einer Zeit, in der Technik und Multimedia-Praktiken auf jeder Kunstmesse und Biennale im Vordergrund zu stehen scheinen und in der offen sozial-, kultur- und politisch engagierte Werke viel Aufmerksamkeit der Medien erhalten, ist es eine Leistung, dass Gillian Ayres weiterhin beweist, dass abstrakte Malerei immer relevant ist. Sie hat dem Druck unzähliger Strömungen standgehalten und ist dabei ihrer einfachen Liebe zu Farbe, Form, Oberfläche und Farbe treu geblieben. In der Tradition der Modernisten, die sie inspirierten, wie Picasso, Matisse und Miró, hat Ayres den Wert der Malerei gezeigt, indem sie gleichzeitig demonstrierte, wie einfach und wie vielfältig sie sein kann.

Und doch haben sich trotz ihrer zielstrebigen Liebe zum Medium ihre ästhetische Vision und ihre Gewohnheiten ständig weiterentwickelt. Sie hat mit verschiedenen Malmitteln gearbeitet und die Eigenheiten jedes einzelnen erforscht und angenommen. Durch die Erweiterung ihrer Praxis um Drucktechniken hat sie die Grenzen der Malerei immer wieder erweitert, wann immer sie konnte. Sie hat sich als vielschichtig erwiesen, und doch hat sie durch die Reduktion der Elemente der Malerei auf Farbe, Form und Raum mehreren Generationen von Betrachtern beigebracht, einfach nur zu schauen. „Man sorgt sich schrecklich, auf eine unruhige Art“, sagt sie. „Ich will etwas finden, und ich möchte, dass meine Gemälde erhebend sind, aber ich glaube nicht, dass ich weiß, wie man ein Bild beendet, und ich weiß auch nicht, wie man anfängt. Die Leute wollen verstehen, und ich wünschte, sie würden es nicht. Ich wünschte, sie würden einfach nur schauen.“

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Tiefdruck & Aquatinta mit Carborundum (Siliziumkarbid) & Handmalerei auf Papier. 55,9 x 45,7 cm. © Gillian Ayres

Titelbild: Gillian Ayres - Sun Up (Detail), 1960. Öl auf Leinwand. © Gillian Ayres
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio