Farbige Kühnheit und Geometrie in der Malerei von Gillian Ayres

Die gefeierte britische abstrakte Künstlerin Gillian Ayres schafft seit fast 70 Jahren professionell Kunst. Seit ihrem Abschluss an der Camberwell School of Art in London im Jahr 1950 hat sie nie von ihrer einen reinen Leidenschaft abgelassen: dem Malen. Selbst inmitten globaler Trends wie Konzeptkunst, Performancekunst, Land Art, Installationskunst und Multimedia-Kunst, die jeweils die Relevanz ihrer Arbeit in Frage stellten, blieb Ayres der einfachen Prämisse treu, Bilder mit Farbe zu schaffen. Ihre Arbeiten waren immer abstrakt, obwohl sich ihr Stil kontinuierlich weiterentwickelt hat. Wenn sie nach der Bedeutung ihres Werkes oder dem Anstoß für ein bestimmtes Werk gefragt wird, lenkt sie das Gespräch von Worten ab. „Es ist ein visuelles Erlebnis“, sagt sie, „kein literarisches.“

Eine gewisse Schäbigkeit

Wenn sie über ihre frühen Tage an der Kunstschule spricht, nimmt Gillian Ayres eine Art schalkhaftes Wesen an. Sie erinnert sich, dass sie von den Lehrmethoden vieler ihrer Professoren völlig abgeschreckt war. Sie und die anderen Studenten mussten ganze Tage damit verbringen, sich auf Dinge zu konzentrieren, wie das wiederholte Zeichnen eines Körperteils eines Modells oder das Skizzieren einer Szene vor einem Café in London. Sie empfand die Wiederholung und die unermüdliche Präzision als alltäglich. Sie sehnte sich danach, den Modernismus und abstrakte Kunst zu entdecken und die Art von Kunst zu schaffen, die sie lebendig, lebhaft und frei fühlen ließ.

Sie beschreibt sich in jenen Tagen als subversiv. Sie hat jedoch gesagt: „Es ist kein Ehrgeiz, gegen den Strom zu schwimmen. Ich glaube nicht, dass es den Wunsch gab, subversiv zu sein. Man fühlte sich einfach unruhig.“ Diese Unruhe wurde schließlich in den frühen 1950er Jahren validiert, als sie zum ersten Mal mit der Arbeit von Jackson Pollock in Berührung kam. Die Bilder, die sie von ihm sah, wie er auf dem Boden arbeitete und die Farbe auf eine lockere, aktive, lebendige Weise handhabte, inspirierten sie, und sie wusste sofort, dass sie so frei sein wollte. Bis heute zählt Ayres Pollock als eine große Inspiration; nicht, dass sie seine Technik, seinen Stil oder das Erscheinungsbild seiner Arbeiten kopierte, sondern vielmehr, dass er ihr einen Weg zeigte, aus dem klassischen Durcheinander auszubrechen.

Gillian Ayres - Destillation, 1957. Ölfarbe und Haushaltsfarbe auf Hartfaserplatte. 84 x 60 Zoll. © Gillian Ayres

Eine wahre Berufung

Neu ermutigt verbrachte Ayres die 1950er Jahre damit, einen dynamischen, lebendigen abstrakten Stil zu entwickeln. Obwohl ihre Arbeiten ihr den Respekt anderer Maler und in gewissem Maße auch des Publikums einbrachten, waren Modernismus und Abstraktion in Großbritannien noch nicht weit verbreitet akzeptiert. Sie hatte eine kleine Anzahl von Gemälden ausgestellt und verkauft, aber finanzieller Erfolg blieb ihr verwehrt. Daher nahm sie glücklich an, als ihr eine vorübergehende Stelle als Lehrerin an der Bath Academy of Art angeboten wurde, einer Kunstschule, die für ihren progressiven Ansatz bekannt ist. Sie blieb schließlich sieben Jahre in Bath, bevor sie 12 Jahre lang an der Saint Martin's School of Art unterrichtete und drei Jahre lang die Malerei-Abteilung an der Winchester School of Art leitete.

Während des Unterrichts entwickelte Ayres ihren Stil weiter. Sie experimentierte mit biomorphen Formen, erkundete eine Vielzahl von Farbpaletten und schwankte zwischen malerischen, Impasto-Werken und flachen Oberflächen. Und ihr Ruf als Rebell wuchs, während sie weiterhin entschieden für die Malerei eintrat, als fast alle ihre Kollegen ihre Schüler in andere, zeitgenössischere Medien lenkten. Doch dann hatte sie Ende der 1970er Jahre einen Moment der Klarheit. Nachdem sie fast an einer akuten Pankreatitis gestorben wäre, erkannte sie, dass sie trotz ihres Erfolgs als Pädagogin eigentlich nur malen wollte. Sie beendete umgehend ihre akademische Karriere und zog auf das Land in Wales, um sich vollzeit ihrer Kunst zu widmen.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Öl auf Leinwand. 152,4 x 152,4 cm. © Gillian Ayres

Farbe und Form

Neu geweiht, vertiefte sich Ayres in ihre Liebe zur Malerei. Sie hatte sich bereits einem mehr impasto, strukturierten Stil zugewandt, und nun wurde ihre Arbeit noch malerischer, taktiler und üppiger. Sie benutzte ihre bloßen Hände, um die Farbe zu manipulieren, und verband sich direkt, persönlich mit den Oberflächen. Ihre Gemälde aus dieser Zeit scheinen wie urzeitliche Brutstätten für neue Farbbeziehungen und unvorstellbare Formen. Unzählige Möglichkeiten brechen aus den ekstatischen Kompositionen hervor und erreichen auf irgendeine Weise Harmonie trotz ihrer Komplexität.

Es war um diese Zeit, dass Ayres erkannte, dass sie kein Interesse mehr an Ton hatte. Sie wollte nichts von gedämpften Farbtönen oder Nuancen in der Farbe. Sie wollte Intensität. Und zusammen mit ihrem Fokus auf lebendige, reine Farben begann sie auch, sich einer figurativeren Verwendung von Formen zuzuwenden, indem sie ihre Linien verhärtete und größeren Farbflächen erlaubte, ihre Kompositionen zu bewohnen. Ein Gefühl von ruhigem Selbstbewusstsein trat in ihren Gemälden hervor, vielleicht in Bezug auf ein Leben, das nun in ständiger Kontemplation über die wesentliche Arbeit verbracht wurde, für die sie sich geboren fühlte.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Öl auf Leinwand. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Eine neue Geometrie

Im Laufe der 1990er und frühen 2000er Jahre entwickelte sich Ayres weiter in Richtung eines Gefühls für erkennbare Formen in ihren Kompositionen. Hinweise auf natürliche Objekte erscheinen und verschwinden, wie ein Mond oder eine Sonne, eine Horizontlinie oder eine weltliche Ansammlung von Formen, die einem Festmahl auf einem Tisch oder Blumen auf einem Feld ähneln. Einige ihrer Kompositionen spielen mit geometrischen Formen und Mustern, auch wenn nur in Fragmenten. Aber es ist immer noch nicht so sehr die realistische Figuration, die in ihren neuesten Arbeiten entstanden ist, sondern es ist, als hätte sich eine figurative abstrakte visuelle Sprache durchgesetzt, ähnlich dem, was sich materialisierte, als Matisse in der späteren Phase seiner Karriere seine ikonischen hard-edge Ausschnitte entwickelte.

Diese visuelle Sprache eignet sich besonders gut für das Medium der Druckgrafik, das Ayres schon lange interessiert. In den letzten Jahren hat sie es genossen, während der Wintermonate in ihrem Atelier Drucke und Holzschnitte zu erstellen. Die Farben in ihren Drucken sind lebendiger und reiner als je zuvor, und schaffen gewagte Beziehungen, die das Auge mit ihrer dynamischen Präsenz schockieren. Sie bezeichnet den Druckprozess als etwas, das mit dem Drang zur Reproduktion verbunden ist. Aber trotz seiner im Wesentlichen reproduktiven Qualität neigt sie dazu, vielen der Drucke, die sie erstellt, handgemalte Elemente hinzuzufügen, wodurch jedes Kunstwerk einzigartig wird. Diese Fusion von mechanischen Prozessen und Handmalerei führt zu einer geschichteten Mischung aus Texturen.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & Aquatinta mit Carborundum (Siliziumkarbid) & Handmalerei auf Papier. 68,6 x 78,7 cm. © Gillian Ayres

Grenzenlose Innovation

In einer Zeit, in der Technologie und multimediale Praktiken scheinbar im Vordergrund jeder Kunstmesse und Biennale stehen und in der offen soziale, kulturelle und politische Arbeiten viel Aufmerksamkeit der Medien auf sich ziehen, ist es eine Leistung, dass Gillian Ayres weiterhin beweist, dass abstrakte Malerei immer relevant ist. Sie hat dem Druck unzähliger Trends standgehalten und ist dabei ihrer einfachen Liebe zu Farbe, Form, Oberfläche und Farbe treu geblieben. In der Tradition der Modernistenmeister, die sie inspirierten, wie Picasso, Matisse und Miro, hat Ayres den Wert der Malerei demonstriert, indem sie gleichzeitig zeigt, wie einfach und wie vielfältig sie sein kann.

Und doch, trotz ihrer einseitigen Liebe zu dem Medium, haben sich ihre ästhetische Vision und ihre Gewohnheiten kontinuierlich weiterentwickelt. Sie hat in verschiedenen Maltechniken gearbeitet und die spezifischen Eigenschaften jedes Mediums erkundet und angenommen. Indem sie ihre Praxis auf Drucktechniken ausgeweitet hat, hat sie die Grenzen der Malerei immer wieder gedehnt, wann immer sie konnte. Sie hat sich als komplex erwiesen, und doch hat sie, indem sie die Elemente der Malerei auf Farbe, Form und Raum reduziert hat, mehreren Generationen von Betrachtern beigebracht, einfach zu schauen. „Man macht sich schreckliche Sorgen, auf eine zappelige Art“, sagt sie. „Ich möchte etwas finden, und ich möchte, dass meine Gemälde aufbauend sind, aber ich glaube nicht, dass ich weiß, wie man ein Bild fertigstellt, und ich weiß auch nicht, wie man anfängt. Die Leute möchten verstehen, und ich wünschte, sie würden es nicht tun. Ich wünschte, sie würden einfach schauen."

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & Aquatinta mit Carborundum (Siliziumkarbid) & Handmalerei auf Papier. 55,9 x 45,7 cm. © Gillian Ayres

Vorschaubild: Gillian Ayres - Sun Up (Detail), 1960. Öl auf Leinwand. © Gillian Ayres
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio