Die Definition der Lyrischen Abstraktion

Lyrische Abstraktion ist ein scheinbar selbsterklärender Begriff, doch über Generationen hinweg wurden Ursprung und Bedeutung diskutiert. Der amerikanische Kunstsammler Larry Aldrich verwendete den Begriff 1969, um die Natur verschiedener Werke zu definieren, die er kürzlich gesammelt hatte und die seiner Meinung nach eine Rückkehr zu persönlichem Ausdruck und Experimentierfreude nach dem Minimalismus signalisierten. Doch der französische Kunstkritiker Jean José Marchand nutzte eine Variante des Begriffs, Abstraction Lyrique, bereits Jahrzehnte früher, 1947, um einen aufkommenden europäischen Trend in der Malerei zu benennen, der dem abstrakten Expressionismus in den USA ähnelte. Beide Verwendungen des Begriffs bezogen sich auf Kunst, die durch freie, gefühlsbetonte, persönliche Kompositionen gekennzeichnet war, die nichts mit objektiver Wirklichkeit zu tun hatten. Doch diese Tendenzen lassen sich noch weiter zurückverfolgen, mindestens bis zum ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts und dem Werk von Wassily Kandinsky. Um die wahren Wurzeln und die Bedeutung der Lyrischen Abstraktion zu entdecken und zu verstehen, wie man mit ihren Tendenzen in der Kunst umgeht, müssen wir auf die frühesten Tage der abstrakten Kunst blicken.

Das Lyrische in der Lyrischen Abstraktion

In den 1910er Jahren spielten mehrere verschiedene Künstlergruppen mit der Abstraktion, jede aus einer einzigartigen Perspektive. Kubistische und Futuristische Künstler arbeiteten mit Bildern aus der realen Welt und veränderten sie auf konzeptuelle Weise, um abstrakte Ideen auszudrücken. Suprematistische und konstruktivistische Künstler arbeiteten mit erkennbaren Formen in ihrer Kunst, nutzten sie jedoch auf mehrdeutige oder symbolische Weise oder versuchten, Allgemeingültigkeiten zu vermitteln. Doch eine andere Künstlergruppe näherte sich der Abstraktion aus einer völlig anderen Perspektive als die übrigen.

Diese Gruppe, verkörpert durch Wassily Kandinsky, betrachtete die Abstraktion aus der Sicht, dass sie nicht wussten, welche Bedeutung das, was sie malten, haben könnte. Sie hofften, dass durch freies Malen, ohne vorgefasste Vorstellungen von Ästhetik oder der objektiven Welt, etwas Unbekanntes durch ihre Arbeit ausgedrückt werden könnte. Kandinsky verglich seine Gemälde mit musikalischen Kompositionen, die Gefühle auf völlig abstrakte Weise vermitteln. Seine abstrakten Gemälde waren einfallsreich, gefühlsbetont, ausdrucksstark, persönlich, leidenschaftlich und völlig subjektiv; mit anderen Worten: lyrisch.

Wassily Kandinsky - Komposition 6, 1913. Öl auf Leinwand. 195,0 × 300,0 cm. Eremitage Museum, Sankt Petersburg

Lyrische Abstraktion nach dem Krieg

Die Lyrische Abstraktion Kandinskys stand im Gegensatz zu vielen anderen abstrakten Kunsttendenzen der 1920er und 30er Jahre. Seine Kunst war nicht speziell mit einer Religion verbunden, doch sie hatte etwas offen Geistliches. Andere Künstler, die mit Stilen wie De Stijl, Art Concrete und Surrealismus assoziiert wurden, schufen Kunst, die weltlich war und sich einer objektiven, akademischen Interpretation anbot. Kandinsky suchte etwas, das niemals vollständig definiert oder erklärt werden konnte. Er drückte seine persönliche Verbindung zu den Geheimnissen des Universums auf offene Weise aus. Es war, als hätte er eine Art geistigen Existenzialismus erfunden.

Der Existenzialismus war eine Philosophie, die nach dem Zweiten Weltkrieg an Bedeutung gewann, als die Menschen versuchten zu verstehen, was sie als Sinnlosigkeit des Lebens wahrnahmen. Kritische Denker konnten nicht glauben, dass eine höhere Macht existieren könnte, die eine solche Zerstörung zuließ, wie sie gerade erlebt worden war. Doch anstatt im scheinbaren Fehlen Gottes nihilistisch zu werden, versuchten die Existenzialisten, sich durch die übergreifende Sinnlosigkeit des Lebens hindurchzuarbeiten, indem sie persönlichen Sinn suchten. Wie der existenzialistische Autor Jean-Paul Sartre 1943 in seinem Buch Das Sein und das Nichts schrieb: „Der Mensch ist zur Freiheit verurteilt; er ist für alles verantwortlich, was er tut.“ Die Suche nach dem, was im Wesentlichen persönlich ist, war für den Existenzialismus von größter Bedeutung und auch für das weitverbreitete Wiederaufleben der Lyrischen Abstraktion nach dem Zweiten Weltkrieg.

Wassily Kandinsky - Das Jüngste Gericht, 1912. Privatsammlung

Unter anderen Namen

In den 1940er und 50er Jahren entstanden zahlreiche abstrakte Kunstbewegungen, die alle auf die eine oder andere Weise subjektiven persönlichen Ausdruck als Grundlage für die Bedeutungsvermittlung in der Kunst nutzten. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachismus, Art Brut, abstrakter Expressionismus, Farbflächenmalerei und sogar Konzept- und Aktionskunst lassen sich bis zu einem gewissen Grad auf dieselbe allgemeine existenzielle Suche zurückführen. Einer der einflussreichsten Kunstkritiker dieser Zeit, Harold Rosenberg, erkannte dies, als er schrieb: „Heute muss jeder Künstler sich selbst erfinden... Die Bedeutung der Kunst in unserer Zeit entspringt dieser Funktion der Selbstschöpfung.“

Doch mit dem Wandel der Kultur in der nächsten Generation gerieten viele dieser existenziellen Tendenzen in der Kunst aus der Mode. Und erneut trat eine emotionslose, konkrete, geometrische Herangehensweise an abstrakte Kunst, verkörpert durch Minimalismus, an ihre Stelle. Doch nicht alle Künstler verließen die lyrische Tradition. Ende der 1960er Jahre hatte sich das Blatt erneut gewendet. Wie von Larry Aldrich hervorgehoben, der den Begriff Lyrische Abstraktion 1969 neu prägte: „Anfang der letzten Saison wurde deutlich, dass sich in der Malerei eine Bewegung weg von der geometrischen, klar abgegrenzten und minimalistischen hin zu lyrischeren, sinnlicheren, romantischen Abstraktionen in weicheren und lebendigeren Farben vollzog... Die Handschrift des Künstlers ist bei dieser Art von Malerei immer sichtbar, selbst wenn die Bilder mit Spritzpistolen, Schwämmen oder anderen Gegenständen geschaffen werden.“

Jean-Paul Riopelle - Komposition, Öl auf Leinwand, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Zeitgenössische Lyrische Abstraktion

Es ist offensichtlich, dass – wie oft bei Kunstbewegungen – die Tendenzen, die die Lyrische Abstraktion definieren, dem Begriff vorausgingen. In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts verkörperten Künstler wie Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee und Wols erstmals lyrische Tendenzen in der Abstraktion. Jahrzehnte später führten Künstler wie Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages und Joan Mitchell diese weiter. Dann revitalisierten und erweiterten in den späten 1960er und 70er Jahren Künstler wie Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko und viele andere die Bedeutung dieser Richtung.

2015 verstarb einer der faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Lyrischen Abstraktion, der spanische Künstler Laurent Jiménez-Balaguer. Doch ihre Konzepte, Theorien und Techniken manifestieren sich heute weiterhin kraftvoll in Werken von Künstlern wie Margaret Neill, deren instinktive Kompositionen aus lyrischen, ineinander verschlungenen Linien den Betrachter zu einer subjektiven Teilnahme an persönlicher Bedeutung einladen, und Ellen Priest, deren Werk ihre lebenslange und fortwährende persönliche ästhetische Auseinandersetzung mit Jazzmusik lebendig werden lässt. Was all diese Künstler in einem gemeinsamen Band verbindet, ist die grundlegende Suche der Lyrischen Abstraktion: etwas Persönliches, Subjektives und Gefühlvolles auszudrücken und dies auf eine poetische, abstrakte Weise zu tun.

Ellen Priest - Delfintanzstudie 15.

Titelbild: Margaret Neil - Switchback (Detail).
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio