Lyrisen Abstraktion Määrittäminen

Lyyristinen abstraktio on näennäisesti itsensä määrittelevä termi, mutta sen alkuperästä ja merkityksestä on keskusteltu sukupolvien ajan. Amerikkalainen taidekeräilijä Larry Aldrich käytti termiä vuonna 1969 määritelläkseen erilaisten teosten luonteen, joita hän oli äskettäin kerännyt ja jotka hänen mielestään merkitsivät paluuta henkilökohtaiseen ilmaisuun ja kokeiluun minimalismin jälkeen. Mutta ranskalainen taidekriitikko Jean José Marchand käytti termistä muunnelmaa, Abstraction Lyrique, vuosikymmeniä aiemmin, vuonna 1947, viitatakseen nousevaan eurooppalaiseen maalaustrendiin, joka muistutti Yhdysvaltojen abstraktia ekspressionismia. Molemmat termit viittasivat taiteeseen, jolle oli ominaista vapaat, tunteelliset, henkilökohtaiset sommitelmat, jotka eivät liittyneet objektiiviseen todellisuuteen. Mutta nämä suuntaukset voidaan jäljittää vielä kauemmas, ainakin 1900-luvun ensimmäiselle vuosikymmenelle ja Wassily Kandinskyn töihin. Lyyristisen abstraktion todellisten juurien ja merkityksen paljastamiseksi sekä sen taiteellisten taipumusten ymmärtämiseksi meidän on katsottava abstraktin taiteen varhaisimpia päiviä.

Lyyristisyyden tuominen lyyristiseen abstraktioon

1910-luvulla useat eri taiteilijaryhmät kokeilivat abstraktiota kukin omasta näkökulmastaan. Kubistiset ja futuristiset taiteilijat työskentelivät todellisen maailman kuvaston kanssa ja muokkasivat sitä käsitteellisillä tavoilla ilmaistakseen abstrakteja ideoita. Suprematistiset ja konstruktivistiset taiteilijat käyttivät taiteessaan tunnistettavia muotoja, mutta epämääräisillä tai symbolisilla tavoilla tai pyrkien välittämään yleispäteviä totuuksia. Mutta toinen taiteilijaryhmä lähestyi abstraktiota täysin eri näkökulmasta kuin muut.

Tätä ryhmää edusti Wassily Kandinsky, joka lähestyi abstraktiota näkökulmasta, ettei hän tiennyt, mitä merkitystä maalauksilla voisi olla. Hän toivoi, että maalaamalla vapaasti, ilman ennakko-olettamuksia estetiikasta tai objektiivisesta maailmasta, jotain tuntematonta voisi ilmaantua teosten kautta. Kandinsky vertasi maalauksiaan musiikkisävellyksiin, jotka välittävät tunteita täysin abstraktilla tavalla. Hänen abstraktit maalauksensa olivat mielikuvituksellisia, tunteikkaita, ilmaisuvoimaisia, henkilökohtaisia, intohimoisia ja täysin subjektiivisia; toisin sanoen lyyristisiä.

Wassily Kandinsky - Sommitelma 6, 1913. Öljy kankaalle. 76,8 × 118,1" (195,0 × 300,0 cm). Eremitaasimuseo, Pietari

Sodan jälkeinen lyyristinen abstraktio

Kandinskyn lyyristinen abstraktio erosi monista 1920- ja 30-lukujen muista abstrakteista taidesuuntauksista. Hänen taiteensa ei ollut erityisesti sidoksissa mihinkään uskontoon, mutta siinä oli jotain selvästi hengellistä. Muut taiteilijat, jotka liittyivät tyyleihin kuten De Stijl, Art Concrete ja surrealismi, tekivät maalausta, joka oli maallista ja soveltui objektiiviseen, akateemiseen tulkintaan. Kandinsky etsi jotain, jota ei voinut täysin määritellä tai selittää. Hän ilmaisi henkilökohtaista yhteyttään universumin salaisuuksiin avoimella tavalla. Se oli kuin hän olisi keksinyt eräänlaisen hengellisen eksistentialismin.

Eksistentialismi oli filosofia, joka nousi esiin toisen maailmansodan jälkeen, kun ihmiset kamppailivat ymmärtääkseen elämän näennäistä merkityksettömyyttä. Kriittiset ajattelijat eivät voineet uskoa, että korkeamman voiman olisi voinut olla olemassa, joka sallisi juuri nähdyn tuhon. Mutta sen sijaan, että he olisivat muuttuneet nihilistisiksi jumalan ilmeisen poissaolon vuoksi, eksistentialistit yrittivät löytää henkilökohtaista merkitystä elämän yleisen merkityksettömyyden keskellä. Kuten eksistentialistinen kirjailija Jean-Paul Sartre kirjoitti kirjassaan Olemassaolo ja ei-mikään vuonna 1943, ”Ihminen on tuomittu olemaan vapaa; hän on vastuussa kaikesta, mitä tekee.” Henkilökohtaisen etsintä oli eksistentialismin ydin, samoin kuin lyyristisen abstraktion laaja uudelleen nousu toisen maailmansodan jälkeen.

Wassily Kandinsky - Viimeinen tuomio, 1912. Yksityiskokoelma

Muiden nimien alla

1940- ja 50-luvuilla syntyi suuri määrä abstrakteja taidesuuntauksia, jotka kaikki tavalla tai toisella perustuivat subjektiiviseen henkilökohtaiseen ilmaisuun merkityksen välittämisen perustana. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, abstrakti ekspressionismi, värikenttätaide ja jopa konseptuaalinen ja performanssitaide voidaan jossain määrin jäljittää samaan yleiseen eksistentiaaliseen etsintään. Yksi tämän ajan vaikutusvaltaisimmista taidekriitikoista, Harold Rosenberg, ymmärsi tämän kirjoittaessaan: ”Nykyään jokaisen taiteilijan on ryhdyttävä keksimään itsensä... Taiteen merkitys ajassamme kumpuaa tästä itsensä luomisen tehtävästä.”

Mutta kulttuurin muuttuessa seuraavan sukupolven myötä monet nämä eksistentiaaliset taipumukset taiteessa menettivät suosiotaan. Ja jälleen kerran tunteettoman, konkreettisen, geometrisen lähestymistavan abstraktiin taiteeseen, jota edusti minimalismi, nousi valtaan. Mutta kaikki taiteilijat eivät hylänneet lyyristä perinnettä. 1960-luvun loppuun mennessä suuntaus oli jälleen kääntynyt. Kuten Larry Aldrich, joka uudelleen lanseerasi termin Lyrical Abstraction vuonna 1969, totesi: ”Viime kauden alussa kävi ilmi, että maalauksessa oli liike pois geometrisesta, terävärajaisesta ja minimalistisesta kohti lyyristä, aistillista, romanttista abstraktiota pehmeämmissä ja eloisammissa väreissä... Taiteilijan kädenjälki on aina näkyvissä tämän tyyppisessä maalauksessa, vaikka maalaukset tehtäisiin ruiskumaaleilla, sienillä tai muilla esineillä.”

Jean-Paul Riopelle - Sommitelma, öljy kankaalle, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Nykyaikainen lyyristinen abstraktio

On ilmeistä, että kuten usein taidesuuntauksissa, lyyrististä abstraktiota määrittävät taipumukset olivat olemassa jo ennen termin keksimistä. 1900-luvun ensimmäisinä vuosikymmeninä taiteilijat kuten Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee ja Wols ilmensivät ensimmäisinä lyyristisiä taipumuksia abstraktiossa. Ja vuosikymmeniä myöhemmin taiteilijat kuten Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages ja Joan Mitchell jatkoivat niitä. Sitten 1960- ja 70-luvuilla taiteilijat kuten Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko ja kymmenet muut elvyttivät ja laajensivat tämän suuntauksen merkitystä.

Vuonna 2015 yksi nykyaikaisen lyyristisen abstraktion kiehtovimmista äänistä, espanjalainen taiteilija Laurent Jiménez-Balaguer, kuoli. Mutta sen käsitteet, teoriat ja tekniikat ilmenevät edelleen voimakkaasti tänä päivänä sellaisten taiteilijoiden töissä kuin Margaret Neill, jonka vaistonvaraiset sommitelmat lyyristisistä, lomittuneista viivoista kutsuvat katsojan subjektiiviseen osallistumiseen henkilökohtaisen merkityksen äärellä, sekä Ellen Priest, jonka työ herättää eloon hänen elinikäisen ja jatkuvan henkilökohtaisen esteettisen keskustelunsa jazz-musiikin kanssa. Kaiken tämän taiteilijat yhdistää lyyristisen abstraktion perusajatus: ilmaista jotain henkilökohtaista, subjektiivista ja tunteellista, ja tehdä se runollisella, abstraktilla tavalla.

Ellen Priest - Delfiinien tanssin tutkimus 15.

Kuvassa: Margaret Neil - Switchback (yksityiskohta).
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Phillip Barcio