Lyrisen Abstraktion Määrittäminen

Lyrical Abstraction on näennäisesti itseään määrittävä termi, ja silti sen alkuperästä ja merkityksestä on keskusteltu sukupolvien ajan. Amerikkalainen taidekeräilijä Larry Aldrich käytti termiä vuonna 1969 määritellessään erilaisten teosten luonteen, joita hän oli äskettäin kerännyt ja jotka hänen mielestään merkitsivät paluuta henkilökohtaiseen ilmaisuun ja kokeiluun Minimalismin jälkeen. Mutta ranskalainen taidekriitikko Jean José Marchand käytti termistä muunnelmaa, Abstraction Lyrique, vuosikymmeniä aikaisemmin, vuonna 1947, viitatessaan nousevaan eurooppalaiseen suuntaukseen maalauksessa, joka oli samanlainen kuin Yhdysvaltojen Abstrakti Ekspressionismi. Molemmat terminkäytöt viittasivat taiteeseen, joka oli luonteenomaista vapaista, tunteellisista, henkilökohtaisista kompositioista, jotka eivät liittyneet objektiiviseen todellisuuteen. Mutta näitä taipumuksia voidaan jäljittää vielä kauemmas, ainakin 1900-luvun ensimmäiseen vuosikymmeneen ja Wassily Kandinskyn työhön. Löytääksemme Lyrical Abstractionin todelliset juuret ja merkityksen sekä ymmärtääksemme, miten vuorovaikuttaa sen taipumusten kanssa taiteessa, meidän on katsottava abstraktin taiteen varhaisimpiin päiviin.

Lyrisen asettaminen lyriseen abstraktioon

1910-luvulla useat eri taiteilijaryhmät flirttailivat abstraktion kanssa, kukin omasta ainutlaatuisesta näkökulmastaan. Kubiistit ja futuristit työskentelivät todellisen maailman kuvastojen parissa ja muokkasivat niitä käsitteellisin tavoin ilmaisemaan abstrakteja ideoita. Suprematistit ja konstruktivistit työskentelivät tunnistettavien muotojen parissa taiteessaan, mutta käyttivät niitä epäselvillä tai symbolisilla tavoilla, tai tavalla, joka yritti välittää universaaleja asioita. Mutta toinen taiteilijaryhmä lähestyi abstraktiota täysin eri näkökulmasta kuin muut.

Wassily Kandinskyn epitomoimana tämä ryhmä lähestyi abstraktiota näkökulmasta, jossa he eivät tienneet, mitä merkitystä heidän maalaamillaan asioilla voisi olla. He toivoivat, että maalaamalla vapaasti, ilman ennakkokäsityksiä estetiikasta tai objektiivisesta maailmasta, jotain tuntematonta voitaisiin ilmaista heidän teoksissaan. Kandinsky vertasi maalauksiaan musiikillisiin sävellyksiin, jotka välittivät tunnetta täysin abstraktilla tavalla. Hänen abstraktit maalauksensa olivat mielikuvituksellisia, tunteellisia, ilmaisullisia, henkilökohtaisia, intohimoisia ja täysin subjektiivisia; toisin sanoen, lyyrisiä.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Oil on canvas. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Hermitage Museum, Saint Petersburg

Sodan jälkeinen lyyrinen abstraktio

Kandinskyn lyyrinen abstraktio erottui monista muista 1920- ja 30-lukujen abstraktin taiteen suuntauksista. Hänen taiteensa ei ollut erityisesti sidoksissa mihinkään uskontoon, mutta siinä oli jotain avoimen hengellistä. Muut taiteilijat, jotka liittyivät tyyleihin kuten De Stijl, Art Concrete ja Surrealismi, tekivät taidetta, joka oli maallista ja joka antoi mahdollisuuden objektiiviseen, akateemiseen tulkintaan. Kandinsky etsi jotain, jota ei koskaan voitu täysin määritellä tai selittää. Hän ilmaisi henkilökohtaista yhteyttään universumin mysteereihin avoimella tavalla. Se oli kuin hän olisi keksinyt eräänlaista hengellistä eksistentialismia.

Eksistentialismi oli filosofia, joka nousi esiin toisen maailmansodan jälkeen, kun ihmiset kamppailivat ymmärtääkseen, mitä he pitivät elämän merkityksettömyytenä. Kriittiset ajattelijat eivät voineet uskoa, että korkeampi voima voisi olla olemassa, joka sallisi sellaista tuhoa, jota he olivat juuri todistaneet. Mutta sen sijaan, että he olisivat tulleet nihilistisiksi ilmeisessä jumalan puutteessa, eksistentialistit yrittivät työskennellä läpi elämän ylivoimaisen merkityksettömyyden etsimällä henkilökohtaista merkitystä. Kuten eksistentialistinen kirjailija Jean-Paul Sartre kirjoitti kirjassaan Olemisen ja tyhjyyden vuonna 1943: "Ihminen on tuomittu olemaan vapaa; hän on vastuussa kaikesta, mitä hän tekee." Etsintä siitä, mikä on olennaisesti henkilökohtaista, oli ensisijaisen tärkeää eksistentialismille ja myös laajalle levinneelle lyyrisen abstraktion uudelle nousulle toisen maailmansodan jälkeen.

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. Private collection

Millä tahansa muilla nimillä

1940- ja 50-luvuilla syntyi suuri määrä abstrakteja taidesuuntauksia, jotka kaikki jollain tavalla perustuivat subjektiiviseen henkilökohtaiseen ilmaisuun merkityksen ilmaisemisen perustana taiteessa. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, abstrakti ekspressionismi, Color Field -taide ja jopa konseptuaalinen ja performanssitaide kaikki, jossain määrin, voitaisiin jäljittää samaan yleiseen eksistentiaaliseen etsintään. Yksi tämän ajan vaikutusvaltaisimmista taidekriitikoista, Harold Rosenberg, ymmärsi tämän, kun hän kirjoitti: "Tänä päivänä jokaisen taiteilijan on keksittävä itsensä... Taiteen merkitys aikamme aikana virtaa tästä itse- luomisen toiminnasta."

Mutta kun kulttuuri muuttui seuraavan sukupolven myötä, monet nämä eksistentialistiset suuntaukset taiteessa menettivät suosiotaan. Ja jälleen kerran tunteeton, konkreettinen, geometrinen lähestymistapa abstraktiin taiteeseen, jota kuvastaa Minimalismi, otti niiden paikan. Mutta eivät kaikki taiteilijat hylänneet lyyristä perinnettä. 1960-luvun loppuun mennessä suunta oli jälleen kääntynyt. Kuten Larry Aldrich huomautti, joka keksi termin Lyyrinen Abstraktio uudelleen vuonna 1969, "Aikaisemmin viime kaudella kävi ilmi, että maalauksessa oli liike kohti geometrisista, kovista reunoista ja minimalismista kohti enemmän lyyrisiä, aistillisia, romanttisia abstraktioita, joissa värit olivat pehmeämpiä ja eloisampia... Taiteilijan kosketus on aina näkyvissä tässä tyyppisessä maalauksessa, jopa silloin, kun maalaukset on tehty suihkepistoolilla, sienillä tai muilla esineillä."

Jean-Paul Riopelle - Composition, Oil on canvas, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Nykyajan lyyrinen abstraktio

On ilmeistä, että kuten usein taiteen liikkeiden kohdalla, Lyrical Abstractionia määrittävät suuntaukset olivat olemassa ennen termin keksimistä. 1900-luvun ensimmäisellä vuosikymmenellä taiteilijat kuten Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee ja Wols ilmensivät ensimmäisinä lyyrisiä suuntauksia abstraktiossa. Ja vuosikymmeniä myöhemmin taiteilijat kuten Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages ja Joan Mitchell jatkoivat niiden kehittämistä. Sitten 1960- ja 70-luvuilla taiteilijat kuten Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko ja kymmenet muut elvyttivät ja laajensivat tämän aseman merkitystä.

Vuonna 2015 yksi nykyaikaisen Lyrical Abstractionin kiehtovimmista äänistä, espanjalainen taiteilija Laurent Jiménez-Balaguer, kuoli. Mutta sen käsitteet, teoriat ja tekniikat jatkuvat voimakkaasti ilmenemistä tänään sellaisten taiteilijoiden työssä kuin Margaret Neill, jonka vaistomaiset sävellykset lyyrisistä, toisiinsa kietoutuneista viivoista kutsuvat katsojaa subjektiiviseen osallistumiseen henkilökohtaisessa merkityksessä, ja Ellen Priest, jonka työ elävöittää hänen elinikäistä ja jatkuvaa henkilökohtaista esteettistä keskusteluaan jazzmusiikin kanssa. Kaikkia näitä taiteilijoita yhdistää yhteinen side, joka on Lyrical Abstractionin peruslähtökohta: ilmaista jotain henkilökohtaista, subjektiivista ja tunteellista, ja tehdä se runollisella, abstraktilla tavalla.

Ellen Priest - Dolphin dance study 15.

Esittelykuva: Margaret Neil - Switchback (yksityiskohta).
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park