アドルフ・ゴットリーブの暗く、抽象的なアート
アドルフ・ゴットリーブは20世紀中頃の抽象芸術の重要な人物の一人でした。彼の絵画は感情的で簡素かつ原始的であり、多くの人々はそれらを暗いと考えています。しかしゴットリーブ自身は自分を暗い存在の正反対と見なしていました。彼は自分をエネルギッシュで複雑、情熱的に現代的であり、芸術を通じて人類のためにより良いものへと道を照らす者だと感じていました。人類史上最も激動の時代の一つの始まりにニューヨーク市で生まれたゴットリーブは、確かに暗い時代に成熟しました。それは社会的、政治的、経済的な苦難の時代であり、社会の未来が現実的かつ具体的に問われていた時代でした。彼の芸術だけでなく著作からも、第一次世界大戦、大恐慌、第二次世界大戦の不安と曖昧さが彼の美学的な視野の発展に絶対に寄与したことは明らかです。しかしその美学的視野は、多くの批評家が示唆するような悲しみや破滅だけのものではありませんでした。実際には、ゴットリーブが単に人間の心と精神の真実を希望に満ちた方法で伝えようと努めたものでした。おそらくゴットリーブが感じ取ったそのような真実には、ある程度の狂気と混沌が含まれるのは避けられないことかもしれません。しかし、1974年に亡くなった際に残した膨大な作品群には、美しさ、静けさ、平和、崇高さも含まれていました。これらの逆説的な複雑さは、時に物議を醸した彼の世界観を定義し、最終的にアドルフ・ゴットリーブは抽象芸術を再定義し、その真の輝きと光が今ようやく認められ始めている作品群を生み出しました。
心からの芸術家
アドルフ・ゴットリーブは1904年にニューヨークの労働者階級の移民家庭に生まれました。当時ロウアーイーストサイドで育った多くの子供たちと比べると、彼は両親が成功した文房具店を営み、いつか彼に継がせることを望んでいたため、非常に恵まれたスタートを切りました。しかし彼は幼い頃から自分がなりたいのは芸術家だけだと確信していました。その確信は強く、15歳で学校を中退し、芸術に専念することを決めました。彼はアート・スチューデンツ・リーグの講義に出席しました。そこは多くの後に抽象表現主義運動の一員となる芸術家たちが通った、芸術家運営の教育機関でした。そして17歳の時、ゴットリーブはフランスへ向かう船で働いて渡欧しました。
若き日の自信は海外で実を結び、彼はすぐにヨーロッパの近代美術の世界に親しみました。1920年代のアメリカ美術と対照的に、当時のヨーロッパ美術は非常に創造的でした。彼はフォーヴィスム、キュビスム、スプレマティズム、未来派、そして幾何学的抽象に触れました。彼は博物館を頻繁に訪れ、見つけられる限りの無料の美術講座に参加しました。ビザの期限が切れると、さらにほぼ1年かけてヨーロッパ各地を旅しました。その過程で、ヨーロッパの芸術家たちが何か重要なものに繋がっていると確信しました。特に彼は部族芸術の広がる影響に魅了されました。この傾向は彼に、アメリカの具象美術の俗語的表現を拒み、古代の記号や何世紀も続く視覚的伝統の中に普遍性を求めるよう促しました。
アドルフ・ゴットリーブ - ブラック・スプラッシュ、1967年、カラーシルクスクリーン、31 1/8 × 23 1/8インチ、79.1 × 58.7センチ（左）およびフライング・ラインズ、1967年、カラーシルクスクリーン、30 × 22インチ、76.2 × 55.9センチ、写真提供：マールボロ・ギャラリー
哲学者としての芸術家
1922年にゴットリーブがニューヨークに戻ったとき、彼は芸術家としての自分の責任感を持ち帰りました。彼は自分を文化の近代化の力と見なし、芸術家は哲学者であり社会変革の担い手であるべきだという考えを受け入れました。彼は美術教育を終え、その後数年間でマーク・ロスコ、バーネット・ニューマン、デイヴィッド・スミス、ミルトン・エイブリーなど、後に世代を代表するアメリカの著名な芸術家となる芸術家兼哲学者たちと親しくなりました。ゴットリーブと彼の仲間たちは異端児でした。彼らは抽象芸術家、あるいは少なくとも抽象と解釈される作品を作る芸術家でしたが、自分たちの作品の意味について公に語ることを熱望していました。
当時、前衛芸術家、特に抽象芸術家はアメリカでは理解されておらず、ニューヨークでさえ広く尊敬されていませんでした。多くの芸術家は自分たちの価値やモダニズム美学の価値を主張するのに苦労していました。しかしゴットリーブは生まれながらの擁護者であり、優れた伝達者でした。彼は政治的・社会的に関与し、重要だと考えることにすぐに声を上げました。1935年、ゴットリーブと友人のマーク・ロスコ（当時はMarcus Rothkowitzとして知られていた）は「ザ・テン」というグループを結成し、自分たちの信念を行動に移しました。メンバーにはルー・シャンカー、イリヤ・ボロトフスキー、ベン・ジオン、ジョー・ソロモン、ナフム・チャクバソフ、ルー・ハリス、ラルフ・ローゼンバーグ、ヤンケル・クフェルドが含まれていました。ニューヨークのキュレーター界の主流の傾向に対する公然の抗議として、ザ・テンは抽象作品を共に展示し、「アメリカ絵画と写実絵画の同等性とされるもの」を拒否しました。
アドルフ・ゴットリーブ - レッド・グラウンド、紙に油彩、キャンバスに貼付
ピクトグラフ
ゴットリーブが最終的に発展させた成熟した抽象様式への最初の進展の一つは、1940年代初頭のピクトグラフ絵画の形で現れました。これらの作品は本質的に、普遍的な感情や気持ちを伝えることができる新しい象徴的なイメージの言語を創造しようとする試みでした。ゴットリーブはピクトグラフ絵画を、表面を平坦化し、深みや具象的要素に伴う錯覚を排除するように構想しました。また、キャンバスの全領域を平等に扱い、後に「オールオーバー」絵画と呼ばれることになる手法を先取りしました。彼のピクトグラフは子供の落書きを思わせる生々しさを持ち、部族社会の美学的傾向を呼び起こしました。
ある意味で、ゴットリーブはヒエログリフや漢字の伝統に倣い、新しいイメージのアルファベットを作ろうとしていました。しかし特定の物語を伝えるのではなく、彼は表現を最小限に絞り込みました。彼が参照する神話を綴るのではなく、その核心にある人類共通の感情を伝えようとしました。その目的を達成するために、彼は完全に独創的で外部の連想から自由なイメージを慎重に作り出し、その普遍的な性質が人々を分断する些細な文化的違いを超越することを望みました。
アドルフ・ゴットリーブ - ピクトグラフ、1942年、画家用ボードに油彩、29 1/4 × 23 1/4インチ、74.3 × 59.1センチ、写真提供：ホリス・タグガート・ギャラリーズ、ニューヨーク（左）および無題、1949年、紙にパステル、24 × 18インチ、61 × 45.7センチ、写真提供：バーグルーエン・ギャラリー、サンフランシスコ（右）
想像の風景
ゴットリーブがピクトグラフを発展させる中で、彼は簡素化の過程を経ました。その過程で彼は想像の風景と呼ぶ一連の作品にたどり着きました。ピクトグラフがイメージのどの部分にも明確な強調を置かなかったのに対し、ゴットリーブはこれらの絵画で地平線を導入し、画面を二つの明確な領域に分けました。地平線の下にはピクトグラフの落書きを置き、上には色彩豊かな幾何学的形状を配置しました。想像の風景は二つのイメージの間に階層的な関係を示唆しました。下に描かれたのは感情的で複雑な人間の苦悩の表現であり、上に浮かぶのは普遍的な純粋さの単純で直接的な表現でした。
想像の風景はさらに簡素化され、ゴットリーブがバーストと呼んだ作品群になりました。これらの作品では地平線を排除しましたが、下の落書きと上の統一された形状は残しました。バーストは大きな色面を用い、色彩と形状の要素を統合しました。これらはほとんど神聖なレベルでの瞑想を誘い、上位と下位の意識の共生関係の概念を伝えているように見えました。
アドルフ・ゴットリーブ - 想像の風景、1971年、ファブリアーノ紙に色彩アクアティント、余白あり、26 3/10 × 32 1/2インチ、66.7 × 82.6センチ
アドルフ・ゴットリーブの遺産
1970年、ゴットリーブは脳卒中を患い、左半身の機能を失いました。それでもなお制作を続け、亡くなる1年前にはバーストシリーズの中でも最も深遠で極端な表現を生み出しました。彼の生涯の終わりまでに、彼は独自の作品群だけでなく、他の作家の作品に与えた影響でも知られていました。彼の哲学は抽象表現主義者たちの思想に不可欠なものでした。また彼の美学的視野はカラーフィールド絵画やミニマリズムの台頭に影響を与えたと考えられています。
しかし、アドルフ・ゴットリーブが70年の生涯で創り出した絵画、彫刻、版画の美学的遺産と同じくらい重要なのは、彼が属したより大きな芸術共同体に対して果たした貢献です。それは形式的な進歩や世代、運動を超えたものです。ゴットリーブは芸術家を社会から切り離された存在ではなく、密接に結びついた存在と見なしていました。彼は芸術が文明を変革する可能性を信じ、すべての人に理解されるように美学的な考えを率直で平易な言葉で語ることが重要だと考えました。彼は芸術家が文化が自らを理解する能力に不可欠であると認識し、作品を通じてすべての芸術家が自分たちの時代の狂気、混沌、輝き、美しさ、暗闇、そして光を表現する責任を持つことを示しました。
特集画像：アドルフ・ゴットリーブ -
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フィリップ・Barcio 著
