갤러리 타다우스 로팍, 미국 미니멀 아트에 경의를 표하다
미국 미니멀 아트의 유산이 모뉴멘탈 미니멀 전시에서 파리 판틴의 갤러리 타다우스 로팍에서 전시되고 있습니다. 이 전시에는 1960년대 중반의 가장 지배적인 미국 미니멀 아티스트 여섯 명이 만든 20개 이상의 작품이 포함되어 있습니다: 칼 안드레, 댄 플라빈, 도널드 저드, 솔 르윗, 로버트 맨골드, 로버트 모리스. 전시된 여러 상징적인 작품 중에는 댄 플라빈의 “V. 타틀린을 위한 기념물” (1964)이 있습니다. 이 빛나는 형광 전구 조합은 블라디미르 타틀린이 제안한 “제3인터내셔널을 위한 거대한 기념물” (1920)을 참조합니다. 만약 이 탑이 건설되었다면, 그 이중 나선형의 나선 형태는 에펠탑보다 더 높았을 것이며, 철강 골격을 따라 위아래로 이동하는 기계식 자동차가 특징이었을 것입니다. 그러나 플라빈의 작품은 실제 타틀린 기념물보다는 "세트백" 마천루의 건축 형태와 더 유사한데, 이는 진정한 미니멀 제스처입니다. 또한 도널드 저드의 “스택”, 로버트 모리스의 걸린 펠트 조각, 솔 르윗의 “벽화 #1176 일곱 가지 기본 색상과 그 모든 조합을 포함한 정사각형 내의 정사각형” (2005)의 재현과 같은 고미니멀리즘의 악명 높은 예시들도 전시되고 있습니다. 이 작품들의 품질과 중요성은 부인할 수 없지만, 그들이 전시되는 환경—자연광이 가득한 벽돌로 된 헛간 같은 구조물—은 작품에 접근성을 더해줍니다. 큐레이터들에 따르면, 이 전시의 목적은 “이 예술 혁명의 주요 주인공들이 제기한 많은 질문들을 다루는 것”이라고 합니다. 그러나 작품의 선택과 그 전시는 몇 가지 추가적인 질문을 제기합니다. 이 운동이 과거에 빚진 미적 부채에 대한 대화와 이 입장의 미래 유산이 어떻게 될 것인지에 대한 대화를 촉발합니다.
상징적인 시작
모뉴멘탈 미니멀의 중심 개념 중 하나는 미국 미니멀 아트를 탐구한다는 것입니다. 더 큰 미니멀리즘 운동은 전 세계 대부분에 걸쳐 있었습니다. 큐레이터들은 이 운동의 미국 개척자들에게 특별히 주목함으로써, 이러한 예술가들이 영감을 얻은 유럽의 뿌리를 밝혀낼 기회를 만들기를 희망했습니다. 앞서 언급했듯이, 러시아 구성주의는 플라빈의 "V. 타틀린을 위한 기념물"에 영감을 주었습니다. 덜 알려진 사실은 이러한 다른 미니멀리스트 예술가들이 초기 유럽 모더니스트 선배들에게 지고 있는 빚입니다. 전시회의 교육 자료에서 언급하듯이, 칼 안드레는 자신의 조각 구조에 대한 주요 영향으로 콘스탄틴 브랑쿠시를 인용했으며, 브랑쿠시는 1966년 헌터 컬리지에서 로버트 모리스가 작성한 석사 논문의 주제이기도 했습니다. 한편, 로버트 맨골드는 데 스틸의 개척자 피트 몬드리안의 작업에서 영감을 받았고, 전시된 솔 르윗의 벽화는 요제프 알버스의 색 이론으로부터 그 영감을 추적합니다.
칼 안드레 - 다섯 번째 구리 광장, 2007. 0.3 x 49.8 x 49.8 cm. (0.1 x 19.6 x 19.6 in.). 제공: 갤러리 타데우스 로팍
그러나 나는 이러한 미국 미니멀리스트들에게 영향을 준 예술가들의 지리적 뿌리를 지적하는 것보다, 미국 미니멀리스트들이 한 작업을 진정으로 구별짓는 것이 무엇인지 살펴보는 것이 더 중요하다고 생각한다. 근본적인 차이는 타틀린, 브랑쿠시, 그리고 몬드리안과 같은 예술가들이 상징적 개념 우주에서 작업하고 있었다는 것이다. 나는 그들이 실제 세계를 상징하는 그림과 조각을 만들고 있었다고 말하는 것이 아니다. 오히려 그들은 새로운 상징적 추상 언어를 발명하고 있었다. 그들의 작업은 구체적인 "사물"을 참조하지 않았지만, 아이디어를 상징했다. 예를 들어, 몬드리안은 순수함과 조화와 같은 보편적인 개념을 상징하기를 희망했으며, 브랑쿠시는 그의 주제의 본질 또는 내적 현실을 상징하는 작업을 만들기를 희망했다. 이 전시의 미니멀리스트들은 이러한 유럽 예술가들에게 미적 빚을 지고 있을 수 있지만, 그 빚은 거기서 끝난다. 미국 미니멀리스트 예술은 자기 지향적이다. 그것이 지지하는 유일한 철학은 이러한 인공 물체들이 그 자체로 존재하는 것이라는 것이다. 로버트 모리스가 말했듯이, "초월과 영적 가치는 없다."
열린 결말의 미래
이 전시회에서 제가 가장 좋아하는 점은 Sol LeWitt Wall Drawing로 끝난다는 것입니다. LeWitt는 전시회에 있는 다른 예술가들과 철학적으로 구별됩니다. 그는 자신의 벽 그림과 다른 많은 작품들을 누구나 반복할 수 있는 제안으로 구상했습니다. 벽 그림을 그린 후 독특한 예술 작품으로 서명하는 대신, LeWitt는 작품에 대한 서면 계획을 구상했습니다. 그는 어떤 예술가(또는 비예술가)라도 지침을 복사하고 작품을 재현할 수 있도록 충분한 세부사항으로 설명했습니다. 그의 지침의 아름다움은 매번 완벽한 복사본이 만들어지지 않는다는 것입니다. 재료, 공간, 표면, 그리고 예술가들의 손과 마음 사이의 불가피한 차이 때문에, 각 벽 그림은 실제로 독특하게 됩니다. 이 전시회를 마무리하기에 완벽한 작품인 이유는 그것이 예술가와 관객이 미니멀리즘의 물리적이고 철학적인 유산과 유산을 통제할 수 있도록 힘을 준다는 점입니다.
도널드 저드 - 제목 없음 (DSS 191), 1969. 조각, 황동 및 파란색 아노다이즈드 알루미늄. 15.6 x 286.3 x 15.2 cm. (6.1 x 112.7 x 6 in.). 뉴욕의 파울라 쿠퍼 갤러리 제공 © 저드 재단 / ADAGP, 파리, 2018
이 전시는 과거 미니멀 아트가 어떻게 영적 탐구, 사회적으로 건설적인 탐구, 개념적 탐구로 표현되었는지를 보여줍니다. 그리고 Judd와 같은 예술가의 경우, 순수하게 객관적인 탐구로 표현되었습니다. 이 중 어떤 입장이 오늘날 우리에게 관련이 있을까요? Vladimir Tatlin의 유토피아적 관점이 우리가 직면한 어려운 사회적 도전 과제에 대해 우리 세대에 어떤 희망을 줄 수 있을까요? Brancusi와 Mondrian이 수용한 보편적인 조화의 탐구가 현대 예술가들에게 유용한 지침을 제공할 수 있을까요? Josef Albers가 주장한 과학적 접근에서 앞으로 나아갈 길을 찾을 수 있을까요? 아니면 이러한 미국 미니멀리스트들처럼 우리는 주로 피상적인 것에 관심이 있을까요? Monumental Minimal이 요약합니다: 이 모든 것이 가능성이며, 그 중 어떤 것도 아닐 수 있습니다. 미니멀리즘은 우리가 선택하는 만큼 우리에게 거대하거나 미미한 영향을 미칠 수 있습니다. 개인적으로, 이것을 듣는 것이 아마도 Donald Judd와 같은 예술가를 불편하게 만들겠지만, 저는 이 전시에서 아름다움과 유용함을 느낍니다: 희망으로 알려진 가능성의 감각.
특집 이미지: 댄 플라빈, 제목 없음, 1975. 녹색 형광등 488 cm (192.13 in) 유럽의 개인 소장품 제공 © 스티븐 플라빈 / ADAGP, 파리, 2018. 사진: 플로리안 클라인펜
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
