갤러리 타다우스 로팍, 미국 미니멀 아트에 경의를 표하다
미국 미니멀 아트의 유산이 파리 판탱에 위치한 Galerie Thaddaeus Ropac에서 열리는 Monumental Minimal 전시에서 선보입니다. 이 전시에는 1960년대 중반 미국 미니멀 아트의 가장 영향력 있는 여섯 작가인 칼 앙드레, 댄 플래빈, 도널드 저드, 솔 르윗, 로버트 맹골드, 로버트 모리스가 만든 20점 이상의 작품이 포함되어 있습니다. 전시된 여러 상징적인 작품 중 하나는 댄 플래빈의 “Monument for V. Tatlin”(1964)입니다. 이 형광등 조합 작품은 블라디미르 타틀린이 제안한 “제3인터내셔널을 위한 거대한 기념비”(1920)라는 탑을 참조합니다. 만약 그 탑이 세워졌다면, 이중 나선형의 나선 구조는 에펠탑보다 높았을 것이며, 철골 구조를 따라 기계식 차량이 오르내렸을 것입니다. 그러나 플래빈의 작품은 실제 타틀린 기념비보다는 “단계식” 마천루의 건축 형태와 더 닮아 있는데, 이는 진정한 미니멀한 표현입니다. 또한 도널드 저드의 “스택”, 로버트 모리스의 매달린 펠트 조각, 솔 르윗의 “Wall Drawing #1176 Seven Basic Colors and All Their Combinations in a Square within a Square”(2005) 재현작 등 고미니멀리즘의 악명 높은 예들도 전시되어 있습니다. 이 작품들의 품질과 중요성은 부인할 수 없으며, 자연광이 가득한 벽돌로 된 헛간 같은 공간에서 전시되어 작품에 친근함을 더합니다. 큐레이터들에 따르면, 이 전시의 목적은 “이 예술 혁명의 주요 주인공들이 제기한 여러 질문에 답하는 것”입니다. 하지만 작품 선정과 전시 방식은 몇 가지 추가적인 질문도 불러일으킵니다. 이 전시는 이 운동이 과거에 진 빚과 앞으로 이 입장이 남길 유산에 관한 대화를 촉발합니다.
상징적인 시작
Monumental Minimal의 중심 개념 중 하나는 미국 미니멀 아트를 탐구한다는 점입니다. 더 큰 미니멀리즘 운동은 전 세계에 걸쳐 있었습니다. 큐레이터들은 이 운동의 미국 개척자들에게 초점을 맞춤으로써 이 예술가들이 영감을 받은 유럽 뿌리를 밝혀내고자 했습니다. 앞서 언급했듯이, 러시아 구성주의는 플래빈의 “Monument for V. Tatlin”에 영감을 주었습니다. 덜 알려진 사실은 다른 미니멀리스트 작가들이 초기 유럽 현대주의 선구자들에게 진 빚입니다. 전시 설명에 따르면, 칼 앙드레는 자신의 조각 구조에 큰 영향을 준 인물로 콘스탄틴 브랑쿠시를 꼽았으며, 로버트 모리스는 1966년 헌터 대학에서 브랑쿠시를 주제로 석사 논문을 썼습니다. 한편, 로버트 맹골드는 데 스틸의 선구자 피에트 몬드리안의 작품에서 영감을 받았고, 전시된 솔 르윗의 벽화는 요제프 알버스의 색채 이론에서 그 뿌리를 찾을 수 있습니다.
칼 앙드레 - Fifth Copper Square, 2007. 0.3 x 49.8 x 49.8 cm. (0.1 x 19.6 x 19.6 in.). Galerie Thaddaeus Ropac 제공
하지만 저는 단순히 이 미국 미니멀리스트들에게 영향을 준 예술가들의 지리적 뿌리를 밝히는 것보다, 미국 미니멀리스트들이 한 작업의 진정한 차별점을 살펴보는 것이 더 중요하다고 생각합니다. 근본적인 차이는 타틀린, 브랑쿠시, 몬드리안 같은 예술가들이 상징적인 개념 세계를 다뤘다는 점입니다. 그들이 현실 세계를 상징하는 그림이나 조각을 만들었다는 뜻이 아니라, 새로운 상징적 추상 언어를 창조했다는 뜻입니다. 그들의 작품은 구체적인 ‘사물’을 참조하지 않고 아이디어를 상징했습니다. 예를 들어, 몬드리안은 순수함과 조화 같은 보편적 개념을 상징하고자 했고, 브랑쿠시는 대상의 본질이나 내면의 실체를 상징하는 작품을 만들고자 했습니다. 이 전시의 미니멀리스트들은 유럽 예술가들에게 미적 빚을 졌을지 모르지만, 그 빚은 거기서 끝납니다. 미국 미니멀 아트는 자기 참조적입니다. 그들이 내세우는 유일한 철학은 이 인공적인 사물들이 그 자체로 존재한다는 것입니다. 로버트 모리스가 말했듯이, “초월과 영적 가치를 거부한다”는 것입니다.
열린 미래
이 전시에서 제가 가장 좋아하는 점은 솔 르윗 벽화로 마무리된다는 점입니다. 르윗은 철학적으로 전시의 다른 작가들과 구별됩니다. 그는 벽화와 많은 다른 작품들을 누구나 반복할 수 있는 제안으로 구상했습니다. 벽화를 그리고 서명하여 독특한 작품으로 만드는 대신, 르윗은 작품에 대한 서면 계획을 구상했습니다. 그는 누구나 그 지침을 따라 작품을 재현할 수 있도록 충분히 상세히 설명했습니다. 그의 지침의 아름다움은 매번 완벽한 복제품이 나오지 않는다는 점입니다. 재료, 공간, 표면, 그리고 작가들의 손과 마음이 다르기 때문에 각 벽화는 실제로 독특한 작품이 됩니다. 이 작품이 이 전시를 마무리하기에 완벽한 이유는 미니멀리즘의 물리적이고 철학적인 유산과 전통을 예술가와 관람자가 스스로 통제할 수 있게 해주기 때문입니다.
도널드 저드 - Untitled (DSS 191), 1969. 조각, 황동과 파란색 양극산화 알루미늄. 15.6 x 286.3 x 15.2 cm. (6.1 x 112.7 x 6 in.). Paula Cooper Gallery, 뉴욕 제공 © Judd Foundation / ADAGP, 파리, 2018
이 전시는 과거 미니멀 아트가 어떻게 영적 탐구, 사회적 건설 탐구, 개념적 탐구, 그리고 저드 같은 작가들의 경우 순수한 객관적 탐구로 표현되었는지를 보여줍니다. 오늘날 우리에게 어떤 입장이 의미가 있을까요? 블라디미르 타틀린의 이상향적 관점이 우리 세대가 직면한 어려운 사회적 도전에 대해 어떤 희망을 줄 수 있을까요? 브랑쿠시와 몬드리안이 추구한 보편적 조화의 탐색이 현대 예술가들에게 유용한 지침을 제공할 수 있을까요? 요제프 알버스가 내세운 과학적 접근법에서 앞으로 나아갈 길을 찾을 수 있을까요? 아니면 이 미국 미니멀리스트들처럼 우리는 주로 피상적인 것에만 관심이 있을까요? Monumental Minimal은 이렇게 정리합니다: 이 모든 가능성은 동시에 아무것도 아닐 수도 있습니다. 미니멀리즘은 우리가 선택하는 만큼 거대하거나 미미한 영향을 우리에게 미칠 수 있습니다. 개인적으로, 도널드 저드 같은 작가가 이 말을 들으면 아마도 당황할지 모르지만, 저는 이 전시에서 아름답고 유용한 무언가, 즉 희망이라는 가능성을 느낍니다.
대표 이미지: 댄 플래빈, Untitled, 1975. 녹색 형광등 488 cm (192,13 in) 개인 소장, 유럽 제공 © Stephen Flavin / ADAGP, 파리, 2018. 사진: Florian Kleinefenn
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성
