Nicolete Gray's Subtle Contribution to Abstraction

Nicolete Gray was geen kunstenaar; zij was een deskundige in letterkunst. Toch leidde haar begrip van de betekenis van visuele talen ertoe dat zij een kenmerkende bijdrage leverde aan de geschiedenis van de abstracte kunst. Geboren in 1911, groeide Gray op in een gezin waar het gebruikelijk was dat zij schrijvers, kunstenaars, musici en historici ontmoette. Haar vader, de Engelse dichter en kunstgeleerde Robert Laurence Binyon, was bijzonder goed thuis in de kunst en literatuur van de 19e eeuw, een waardering die hij aan zijn dochter doorgaf. Gray was enthousiast over de filosofieën van de Pre-Rafaëlieten; zij zag in hun ideeën schoonheid en grootsheid — een streven naar het beste wat mensen kunnen doen. Ook waardeerde zij het bloemrijke, exotische uiterlijk van Victoriaanse letters. Echter, in de jaren dertig, toen Gray aan haar carrière begon, waren de overdadigheden van de romantische esthetiek allang uit de mode. Eenvoud was de trend. Maar in plaats van zich aan te passen aan de smaak van het publiek, koos Gray ervoor haar enthousiasme te delen en te proberen de publieke smaak aan haar kant te krijgen. In 1938 schreef zij wat tot op de dag van vandaag wordt beschouwd als de definitieve tekst over Victoriaanse lettertypen: Nineteenth Century Ornamented Types and Title Pages (Faber & Faber Limited, Londen). Ze vierde de esthetische grondslagen van het schrift en wees erop: “Lettering heeft een formaliteit en een belangrijkheid die verder gaat dan louter leesbaarheid.” Dit was een schokkend standpunt voor die tijd. Het suggereerde dat geschreven taal — iets dat altijd als puur functioneel werd beschouwd — aparte formele kwaliteiten bezat die gewaardeerd konden worden op basis van hun esoterische, abstracte potentieel. Het boek deed zijn werk en veranderde de publieke opinie, wat Gray inspireerde om haar hele leven onderzoek te doen en les te geven over typografie. Toen zij in 1997 overleed, liet zij een opmerkelijk nalatenschap achter, gebaseerd op de gelijktijdige waardering van grootsheid en eenvoud, en het geloof dat realisme en abstractie slechts twee manieren zijn om naar hetzelfde veld van menselijke cultuur te kijken.

Abstract en Concreet

Twee jaar voordat zij haar boek over 19^de-eeuwse lettertypen publiceerde, maakte Gray furore in de beeldende kunstwereld door de tentoonstelling te organiseren die algemeen wordt beschouwd als de eerste galerie-expositie van abstracte kunst in Engeland. Ze was bevriend met veel van de abstracte kunstenaars die destijds in Groot-Brittannië werkten en was zich bewust van de vooringenomenheid die het Engelse publiek had tegen modernistische, en in het bijzonder abstracte kunst. Ze noemde haar tentoonstelling “Abstract en Concreet,” verwijzend naar het idee dat abstractie iets is dat in formele termen begrepen en besproken kan worden door iedereen. In de tentoonstelling waren kunstenaars opgenomen die destijds in Engeland leefden en werkten, waaronder Barbara Hepworth, Ben Nicholson, Piet Mondriaan, Henry Moore, Naum Gabo, en J.C. Stephenson, evenals kunstenaars van buiten Groot-Brittannië, zoals Hans Arp, Wassily Kandinsky, Alexander Calder, Lazlo Moholy-Nagy, Alberto Giacometti, en Joan Miró.

In de catalogus voor “Abstract en Concreet” noemde Gray haar samenstelling een “beknopte weergave van de hedendaagse praktijk van abstract schilderen, beeldhouwen en constructie.” Toen de tentoonstelling in 1936 in een galerie in Oxford openging, negeerde de beeldende kunstwereld het. Een criticus noemde het zelfs “een vrolijke grap.” Desondanks was de reactie van het algemene publiek beter dan verwacht. Gray reisde met de tentoonstelling naar galeries in Liverpool en Cambridge. De vaart was zo overweldigend dat uiteindelijk een Londense galerie ermee instemde de tentoonstelling te huisvesten. Financieel gezien was “Abstract en Concreet” echter geen groot succes — de mensen die het waardeerden behoorden niet tot de rijke verzamelaarsklasse. Ongelooflijk genoeg bood Mondriaan de drie schilderijen die hij in de tentoonstelling had aan voor slechts £50. Gray kocht er een van. Maar los van de financiën was de impact van de tentoonstelling op de publieke verbeelding diepgaand. Voor het eerst omarmde het Britse publiek de schoonheid, universaliteit en het potentieel van modernistische abstracte kunst.

Een verhaal van twee Dantes

Tien jaar nadat zij bijna in haar eentje het Britse publiek had overtuigd de legitimiteit van abstracte kunst te accepteren, maakte Gray wat sommigen een ommekeer van 180 graden noemden door een boek te publiceren met de titel “Rossetti, Dante and Ourselves” (Faber & Faber Limited, Londen, 1947). Het boek was een sympathieke studie van het werk en de ideeën van de oprichter van de Pre-Rafaëlitische Broederschap, Dante Gabriel Rossetti (1828 – 1882), en de 13e-eeuwse Italiaanse dichter Dante Alighieri (1265 – 1321). Het omarmde mystiek en romantiek in de kunsten en stelde de twee Dantes voor als nog steeds volledig relevant voor moderne mensen. Het boek had net zo’n grote invloed op de meningen van het Britse publiek als de tentoonstelling “Abstract en Concreet.” Toch is het vanuit één oogpunt moeilijk voor te stellen dat dezelfde persoon voor beide verantwoordelijk kon zijn. In die tegenstelling schuilt echter genialiteit. Gray beschouwde realisme niet als noodzakelijk gescheiden van abstractie. Zij vond dat hun methoden en doelen samen moesten worden genomen.

Deze mening werd rechtstreeks gevormd door de studies die Gray maakte over lettertypen. Ze reisde de wereld rond om te kijken hoe letters in het dagelijks leven worden gebruikt. Ze zag dat de formele visuele kwaliteiten van woorden de manier kunnen veranderen waarop mensen reageren op architectuur, reclame-uitingen en nieuws. Er zijn verborgen boodschappen in de abstracte aspecten van woorden en letters. Zelfs als een woord of letter niet “gelezen” kan worden door een kijker, kan die kijker toch visueel geletterd genoeg zijn om iets te begrijpen van wat de symbolen betekenen op basis van hun uiterlijk en context. Ditzelfde standpunt is de kern van de bijdrage die Gray leverde aan abstractie — het vangt de essentie van hoe wij de verschillen tussen realistische en abstracte kunst begrijpen. Zelfs wanneer we een figuratief schilderij kunnen “lezen,” zijn het vaker de abstracte kwaliteiten van het werk — de kleuren, of de compositieharmonieën en -dissonanties — die de gevoelens overbrengen die we uit het werk halen. Tegelijkertijd is een abstract kunstwerk misschien niet leesbaar vanuit een verhalend oogpunt, maar voor iemand die geletterd is in de esoterische aspecten van visuele talen valt er nog steeds veel te begrijpen.

Afbeelding: Nicolette Gray - Lettering As Drawing (Boekomslag).
Foto gebruikt ter illustratie
Door Phillip Barcio