การกำหนดนามธรรมเชิงเพลง

ลิริคัลแอบสแตรกชัน เป็นคำที่ดูเหมือนจะมีความหมายชัดเจนในตัวเอง แต่ในหลายชั่วอายุคนที่ผ่านมาที่มและความหมายของคำนี้ยังถูกถกเถียงกันอยู่ นักสะสมงานศิลปะชาวอเมริกัน Larry Aldrich ใช้คำนี้ในปี 1969 เพื่อกำหนดลักษณะของผลงานต่าง ๆ ที่เขาเพิ่งสะสมซึ่งเขารู้สึกว่าสื่อถึงการกลับสู่การแสดงออกส่วนตัวและการทดลองหลังยุคมินิมัลลิสม์ แต่ผู้วิจารณ์ศิลปะชาวฝรั่งเศส Jean José Marchand ใช้คำที่คล้ายกันคือ Abstraction Lyrique เมื่อหลายสิบปีก่อนหน้านั้นในปี 1947 เพื่ออ้างถึงแนวโน้มใหม่ในยุโรปที่เกิดขึ้นในงานจิตรกรรมซึ่งคล้ายกับ Abstract Expressionism ในสหรัฐอเมริกา ทั้งสองการใช้คำนี้หมายถึงศิลปะที่มีลักษณะเป็นองค์ประกอบที่เสรี อารมณ์ส่วนตัว และไม่เกี่ยวข้องกับความจริงเชิงวัตถุ แต่แนวโน้มเหล่านี้สามารถสืบย้อนไปได้ไกลกว่านั้นอย่างน้อยถึงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 และผลงานของ Wassily Kandinsky เพื่อค้นหาที่มาที่แท้จริงและความหมายของลิริคัลแอบสแตรกชัน และเพื่อเข้าใจวิธีการมีปฏิสัมพันธ์กับแนวโน้มเหล่านี้ในงานศิลปะ เราต้องย้อนกลับไปยังช่วงแรกเริ่มของศิลปะนามธรรม

การใส่ความลิริคัลในลิริคัลแอบสแตรกชัน

ในทศวรรษ 1910 กลุ่มศิลปินหลายกลุ่มต่างทดลองกับนามธรรมในมุมมองที่แตกต่างกัน ศิลปินคิวบิสม์ และ ฟิวเจอริสม์ ใช้ภาพจากโลกจริงและปรับเปลี่ยนในทางแนวคิดเพื่อสื่อความหมายเชิงนามธรรม ศิลปินซูพรีมาทิสม์ และคอนสตรัคติวิสต์ ใช้รูปทรงที่รู้จักในงานศิลปะของพวกเขา แต่ใช้ในทางคลุมเครือหรือเชิงสัญลักษณ์ หรือในทางที่พยายามสื่อถึงความเป็นสากล แต่กลุ่มศิลปินอีกกลุ่มหนึ่งกลับมองนามธรรมจากมุมมองที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิง

กลุ่มนี้ซึ่งมี Wassily Kandinsky เป็นตัวแทน มองนามธรรมจากมุมมองที่ว่าพวกเขาไม่รู้ว่าความหมายใดอาจมีในสิ่งที่พวกเขาวาด พวกเขาหวังว่าเพียงแค่การวาดอย่างเสรี โดยไม่มีแนวคิดล่วงหน้าด้านความงามหรือโลกวัตถุ จะสามารถสื่อสิ่งที่ไม่รู้จักผ่านผลงานของพวกเขา Kandinsky เปรียบผลงานของเขาเหมือนกับบทประพันธ์ดนตรีที่สื่ออารมณ์ในรูปแบบนามธรรมอย่างสมบูรณ์ งานจิตรกรรมของเขาจึงเต็มไปด้วยจินตนาการ อารมณ์ ความแสดงออก ส่วนตัว ความหลงใหล และเป็นเรื่องส่วนตัวอย่างแท้จริง หรือก็คือ ลิริคัล

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 76.8 × 118.1 นิ้ว (195.0 × 300.0 ซม.) พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ลิริคัลแอบสแตรกชันหลังสงคราม

ลิริคัลแอบสแตรกชันของ Kandinsky แตกต่างจากแนวโน้มศิลปะนามธรรมอื่น ๆ ในทศวรรษ 1920 และ 30 งานของเขาไม่ได้เกี่ยวข้องกับศาสนาใดโดยเฉพาะ แต่มีความรู้สึกทางจิตวิญญาณอย่างชัดเจน ศิลปินอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องกับสไตล์อย่าง De Stijl, Art Concrete และ Surrealism สร้างงานที่เป็นโลกียะและเปิดโอกาสให้ตีความในเชิงวิชาการได้ Kandinsky กำลังแสวงหาสิ่งที่ไม่สามารถนิยามหรืออธิบายได้อย่างสมบูรณ์ เขากำลังแสดงความสัมพันธ์ส่วนตัวกับความลึกลับของจักรวาลอย่างเปิดเผย เหมือนกับว่าเขาคิดค้นแนวคิดทางจิตวิญญาณแบบมีอยู่จริงขึ้นมา

แนวคิดมีอยู่จริง (Existentialism) เป็นปรัชญาที่โดดเด่นหลังสงครามโลกครั้งที่สอง เมื่อผู้คนพยายามเข้าใจสิ่งที่พวกเขารู้สึกว่าเป็นความไร้ความหมายของชีวิต นักคิดวิพากษ์ไม่เชื่อว่ามีอำนาจสูงสุดที่ยอมให้เกิดความหายนะที่พวกเขาเพิ่งเห็น แต่แทนที่จะกลายเป็นลัทธิไร้ความหมายในความไม่มีพระเจ้า ผู้ที่เชื่อในแนวคิดมีอยู่จริงพยายามหาทางผ่านความไร้ความหมายโดยรวมของชีวิตด้วยการแสวงหาความหมายส่วนตัว ดังที่นักเขียนแนวมีอยู่จริง Jean-Paul Sartre เขียนไว้ในหนังสือ Being and Nothingness ในปี 1943 ว่า “มนุษย์ถูกพิพากษาให้เป็นอิสระ; เขารับผิดชอบต่อทุกสิ่งที่เขาทำ” การแสวงหาสิ่งที่เป็นส่วนตัวอย่างแท้จริงเป็นหัวใจสำคัญของแนวคิดมีอยู่จริง และยังเป็นหัวใจของการกลับมาของลิริคัลแอบสแตรกชันหลังสงครามโลกครั้งที่สอง

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. คอลเลกชันส่วนตัว

ในชื่ออื่น ๆ

ตลอดทศวรรษ 1940 และ 50 เกิดขบวนการศิลปะนามธรรมมากมายที่ในทางใดทางหนึ่งเกี่ยวข้องกับการแสดงออกส่วนตัวเป็นพื้นฐานในการสื่อความหมายในงานศิลปะ Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Abstract Expressionism, ศิลปะสีฟิลด์ และแม้แต่ศิลปะเชิงแนวคิดและการแสดง ทั้งหมดนี้ในระดับหนึ่งสามารถสืบย้อนไปสู่การแสวงหาความหมายในเชิงมีอยู่จริง นักวิจารณ์ศิลปะที่ทรงอิทธิพลในยุคนั้น Harold Rosenberg เข้าใจเรื่องนี้ดีเมื่อเขาเขียนไว้ว่า “ในวันนี้ ศิลปินแต่ละคนต้องสร้างตัวเองขึ้นมาใหม่...ความหมายของศิลปะในยุคของเรามาจากหน้าที่ของการสร้างตัวเองนี้”

แต่เมื่อวัฒนธรรมเปลี่ยนไปในยุคต่อมา แนวโน้มเชิงมีอยู่จริงในศิลปะเหล่านี้หลายอย่างก็ถูกละทิ้ง และอีกครั้งหนึ่งแนวทางที่ไม่แสดงอารมณ์ เป็นรูปธรรม และเรขาคณิตในศิลปะนามธรรม ซึ่งเป็นตัวแทนโดย มินิมัลลิสม์ ได้เข้ามาแทนที่ แต่ไม่ใช่ศิลปินทุกคนที่จะละทิ้งประเพณีลิริคัล ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 กระแสก็กลับมาอีกครั้ง ดังที่ Larry Aldrich ชี้ให้เห็นเมื่อเขาใช้คำว่า Lyrical Abstraction อีกครั้งในปี 1969 ว่า “เมื่อต้นฤดูกาลที่ผ่านมา เป็นที่ชัดเจนว่าในจิตรกรรมมีการเคลื่อนไหวจากรูปทรงเรขาคณิต ขอบคม และมินิมัล ไปสู่ลิริคัลที่อ่อนโยน โรแมนติก และนามธรรมในสีที่นุ่มนวลและสดใส...สัมผัสของศิลปินยังคงเห็นได้ในงานประเภทนี้ แม้ว่าจะใช้ปืนพ่นสี ฟองน้ำ หรือวัตถุอื่น ๆ ในการวาด”

Jean-Paul Riopelle - Composition, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 1954. © Jean-Paul Riopelle

ลิริคัลแอบสแตรกชันร่วมสมัย

เป็นที่ชัดเจนว่า เช่นเดียวกับขบวนการศิลปะหลายอย่าง แนวโน้มที่กำหนดลิริคัลแอบสแตรกชันมีมาก่อนการตั้งชื่อ ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ศิลปินอย่าง Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee และ Wols เป็นผู้แสดงออกถึงแนวโน้มลิริคัลในนามธรรมเป็นครั้งแรก และหลายสิบปีต่อมา ศิลปินอย่าง Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages และ Joan Mitchell ได้นำแนวโน้มนี้สืบต่อไป จากนั้นในปลายทศวรรษ 1960 และ 70 ศิลปินอย่าง Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko และอีกหลายสิบคนได้ฟื้นฟูและขยายความสำคัญของแนวทางนี้

ในปี 2015 หนึ่งในเสียงที่น่าหลงใหลที่สุดในลิริคัลแอบสแตรกชันร่วมสมัย ศิลปินชาวสเปน Laurent Jiménez-Balaguer ได้จากไป แต่แนวคิด ทฤษฎี และเทคนิคของเขายังคงปรากฏอย่างทรงพลังในผลงานของศิลปินอย่าง Margaret Neill ซึ่งองค์ประกอบเส้นสายลิริคัลที่สานกันอย่างเป็นธรรมชาติเชื้อเชิญผู้ชมให้มีส่วนร่วมในความหมายส่วนตัว และของ Ellen Priest ซึ่งผลงานของเธอสะท้อนบทสนทนาความงามส่วนตัวที่ยาวนานและต่อเนื่องกับดนตรีแจ๊ส สิ่งที่รวมศิลปินเหล่านี้ไว้ด้วยกันคือการแสวงหาพื้นฐานของลิริคัลแอบสแตรกชัน: การแสดงออกถึงสิ่งที่เป็นส่วนตัว เป็นเรื่องเฉพาะตัว และเต็มไปด้วยอารมณ์ และทำเช่นนั้นในรูปแบบที่เป็นกวีนิพนธ์และนามธรรม

Ellen Priest - การศึกษาการเต้นของโลมา 15.

ภาพเด่น: Margaret Neil - Switchback (รายละเอียด).
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio