La sutil contribución de Nicolete Gray a la abstracción

Nicolete Gray no fue una artista; fue una experta en tipografía. Y sin embargo, su comprensión de la semántica de los lenguajes visuales la llevó a hacer una contribución distintiva a la historia del arte abstracto. Nacida en 1911, Gray creció en un hogar donde era común que conociera a escritores, artistas, músicos e historiadores. Su padre, el poeta inglés y estudioso del arte Robert Laurence Binyon, tenía un conocimiento especial sobre el arte y la escritura del siglo XIX, una apreciación que transmitió a su hija. Gray se deleitaba con las filosofías de los prerrafaelitas; veía en sus ideas belleza y grandiosidad — un esfuerzo por alcanzar lo mejor que los humanos pueden hacer. También valoraba el aspecto florido y exótico de la tipografía victoriana. Sin embargo, para la década de 1930, cuando Gray comenzaba su carrera, los excesos de la estética romántica estaban fuera de moda. La sencillez era la tendencia. Pero en lugar de sucumbir a los gustos públicos, Gray optó por compartir su entusiasmo e intentar cambiar los gustos del público a su favor. En 1938, escribió lo que hasta hoy se considera el texto definitivo sobre las tipografías victorianas: Nineteenth Century Ornamented Types and Title Pages (Faber & Faber Limited, Londres). Celebró los fundamentos estéticos de la escritura y señaló: “La rotulación tiene una formalidad y una importancia que van más allá de la mera legibilidad.” Este era un punto de vista sorprendente para la época. Sugería que el lenguaje escrito — algo que siempre se había dado por sentado como puramente utilitario — poseía cualidades formales separadas que podían apreciarse según su potencial esotérico y abstracto. El libro cumplió su propósito y cambió la opinión pública, inspirando a Gray a continuar investigando y enseñando sobre tipografía durante toda su vida. Cuando murió en 1997, dejó un legado notable basado en la apreciación simultánea de la grandiosidad y la sencillez, y en la creencia de que el realismo y la abstracción son solo dos formas de mirar el mismo campo de la cultura humana.

Abstracto y Concreto

Dos años antes de publicar su libro sobre tipografías del siglo XIX, Gray causó sensación en el mundo del arte al organizar lo que se considera ampliamente la primera exposición de arte abstracto en Inglaterra. Era amiga de muchos de los artistas abstractos que trabajaban en Gran Bretaña en ese momento y conocía el prejuicio que el público inglés tenía contra el arte modernista, y en particular contra el arte abstracto. Llamó a su exposición “Abstracto y Concreto”, haciendo referencia a la idea de que la abstracción es algo que puede entenderse y discutirse en términos formales que cualquiera puede comprender. En la muestra participaron artistas que vivían y trabajaban en Inglaterra en ese momento, incluyendo a Barbara Hepworth, Ben Nicholson, Piet Mondrian, Henry Moore, Naum Gabo y J.C. Stephenson, así como artistas de fuera de Gran Bretaña, como Hans Arp, Wassily Kandinsky, Alexander Calder, Lazlo Moholy-Nagy, Alberto Giacometti y Joan Miró.

En el catálogo de “Abstracto y Concreto”, Gray llamó a su curaduría una “representación concisa de la práctica contemporánea de la pintura, escultura y construcción abstractas.” Cuando la muestra se inauguró en una galería en Oxford en 1936, el establecimiento del arte fino la despreció. Un crítico incluso la llamó “una broma divertida.” Sin embargo, la reacción del público general fue mejor de lo esperado. Gray llevó la exposición a galerías en Liverpool y Cambridge. El impulso fue tan abrumador que finalmente una galería de Londres aceptó acoger la muestra. Sin embargo, financieramente, “Abstracto y Concreto” no fue un gran éxito — las personas a las que les gustó no formaban parte de la clase adinerada coleccionista. Increíblemente, Mondrian ofreció las tres pinturas que tenía en la muestra por solo 50 libras. Gray compró una de ellas. Pero dejando de lado la economía, el impacto de la exposición en la imaginación pública fue profundo. Por primera vez, el público británico abrazó la belleza, la universalidad y el potencial del arte abstracto modernista.

Una historia de dos Dantes

Una década después de casi convencer por sí sola al público británico de aceptar la legitimidad del arte abstracto, Gray dio lo que algunas personas consideraron un giro de 180 grados al publicar un libro titulado “Rossetti, Dante y Nosotros” (Faber & Faber Limited, Londres, 1947). El libro fue un estudio comprensivo sobre la obra e ideas del fundador de la Hermandad Prerrafaelita, Dante Gabriel Rossetti (1828 – 1882), y del poeta italiano del siglo XIII, Dante Alighieri (1265 – 1321). Abrazó el misticismo y el romanticismo en las artes, y sostuvo que los dos Dantes seguían siendo totalmente relevantes para las personas modernas. El libro fue tan influyente en la opinión pública británica como lo había sido la exposición “Abstracto y Concreto”. Sin embargo, desde una perspectiva, es difícil imaginar cómo la misma persona pudo haber sido responsable de ambos. En esa contradicción, sin embargo, se esconde el genio. Gray no consideraba el realismo como necesariamente separado de la abstracción. Sentía que sus métodos y propósitos debían tomarse juntos.

Esta opinión se basaba directamente en los estudios que Gray realizó sobre la tipografía. Viajó por el mundo observando las formas en que se usa la tipografía en la vida cotidiana. Vio que las cualidades visuales formales de las palabras pueden cambiar la forma en que las personas reaccionan ante la arquitectura, los materiales publicitarios y las noticias. Hay mensajes ocultos en los aspectos abstractos de las palabras y letras. Incluso si un espectador no puede “leer” una palabra o letra, ese espectador podría ser lo suficientemente alfabetizado visualmente para entender algo sobre lo que significan los símbolos basándose en su apariencia y contexto. Este mismo punto de vista es la raíz de la contribución que Gray hizo a la abstracción — captura la esencia de cómo entendemos las diferencias entre el arte realista y el abstracto. Incluso cuando podemos “leer” una pintura figurativa, más a menudo son las cualidades abstractas de la obra — sus colores, o sus armonías y disonancias compositivas — las que transmiten los sentimientos que percibimos de la obra. Al mismo tiempo, una obra abstracta puede no ser legible desde un punto de vista narrativo, pero para alguien alfabetizado en los aspectos esotéricos de los lenguajes visuales todavía hay mucho que entender.

Imagen destacada: Nicolette Gray - Rotulación como dibujo (Portada del libro).
Foto usada solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio