La sutil contribución de Nicolete Gray a la abstracción

Nicolete Gray no era una artista; era una experta en tipografía. Y, sin embargo, su comprensión de la semántica de los lenguajes visuales la llevó a hacer una contribución distintiva a la historia del arte abstracto. Nacida en 1911, Gray creció en un hogar donde era común que conociera a escritores, artistas, músicos e historiadores. Su padre, el poeta inglés y erudito del arte Robert Laurence Binyon, era especialmente conocedor del arte y la escritura del siglo XIX, una apreciación que transmitió a su hija. Gray se regocijó en las filosofías de los prerrafaelitas; vio en sus ideas belleza y grandiosidad —un esfuerzo por lo mejor que los humanos pueden hacer. También apreciaba el aspecto florido y exótico del texto victoriano. Sin embargo, en la década de 1930, cuando Gray comenzaba su carrera, los excesos de la estética romántica estaban muy fuera de moda. La simplicidad era la tendencia. Pero en lugar de sucumbir a los gustos públicos, Gray optó por compartir su entusiasmo e intentar cambiar los gustos públicos a su favor. En 1938, escribió lo que aún hoy se considera el texto definitivo sobre tipografías victorianas: Nineteenth Century Ornamented Types and Title Pages (Faber & Faber Limited, Londres). Celebró los fundamentos estéticos de la escritura y señaló: “La rotulación tiene una formalidad y una importancia por encima de la mera legibilidad.” Este fue un punto de vista impactante para la época. Sugería que el lenguaje escrito —algo que siempre se había dado por sentado como puramente utilitario— poseía cualidades formales separadas que podían ser apreciadas según su potencial esotérico y abstracto. El libro cumplió su función y cambió la opinión pública, inspirando a Gray a continuar investigando y enseñando el tema de la tipografía durante toda su vida. Cuando murió en 1997, dejó un legado notable basado en la apreciación simultánea de la grandiosidad y la simplicidad, y en la creencia de que el realismo y la abstracción son solo dos formas de mirar el mismo campo de la cultura humana.

Abstracto y Concreto

Dos años antes de publicar su libro sobre tipografías del siglo XIX, Gray causó sensación en el mundo del arte al curar lo que se cree ampliamente que fue la primera exposición de arte abstracto en Inglaterra. Era amiga de muchos de los artistas abstractos que trabajaban en Gran Bretaña en ese momento y era consciente del sesgo que tenía el público inglés contra el arte modernista, y en particular, el arte abstracto. Llamó a su exposición “Abstracto y Concreto”, haciendo referencia a la idea de que la abstracción es algo que se puede entender y discutir en términos formales que cualquiera puede comprender. En la muestra se incluyeron artistas que vivían y trabajaban en Inglaterra en ese momento, incluyendo a Barbara Hepworth, Ben Nicholson, Piet Mondrian, Henry Moore, Naum Gabo, y J.C. Stephenson, así como artistas de fuera de Gran Bretaña, como Hans Arp, Wassily Kandinsky, Alexander Calder, Lazlo Moholy-Nagy, Alberto Giacometti, y Joan Miró.

En el catálogo de “Abstract and Concrete”, Gray llamó a su curaduría una “representación concisa de la práctica contemporánea de la pintura abstracta, la escultura y la construcción.” Cuando la exposición se inauguró en una galería en Oxford en 1936, el establecimiento de las bellas artes la desairó. Un crítico incluso la llamó “una broma divertida.” No obstante, la reacción del público en general fue mejor de lo esperado. Gray llevó la exposición a galerías en Liverpool y Cambridge. El impulso fue tan abrumador que finalmente una galería de Londres aceptó albergar la muestra. Sin embargo, financieramente, “Abstract and Concrete” no fue un gran éxito: las personas que la apreciaban no formaban parte de la clase adinerada de coleccionistas. Increíblemente, Mondrian ofreció las tres pinturas que tenía en la exposición por solo £50. Gray compró una de ellas. Pero dejando de lado la economía, el impacto de la exposición en la imaginación pública fue profundo. Por primera vez, el público británico abrazó la belleza, la universalidad y el potencial del arte abstracto modernista.

Un Cuento de Dos Dantes

Una década después de convencer casi a sí misma a las audiencias británicas de aceptar la legitimidad del arte abstracto, Gray dio lo que algunas personas consideraron un giro de 180 grados al publicar un libro titulado “Rossetti, Dante y Nosotros” (Faber & Faber Limited, Londres, 1947). El libro fue un estudio simpático sobre la obra y las ideas del fundador de la Hermandad Prerrafaelita, Dante Gabriel Rossetti (1828 – 1882), y del poeta italiano del siglo XIII, Dante Alighieri (1265 – 1321). Abrazó el misticismo y el romanticismo en las artes, y mantuvo a los dos Dantes como aún completamente relevantes para las personas modernas. El libro fue tan influyente en las opiniones del público británico como lo había sido la exposición “Abstract and Concrete”. Sin embargo, desde una perspectiva, es difícil imaginar cómo la misma persona pudo haber sido responsable de ambas. En esa contradicción, sin embargo, se esconde el genio. Gray no consideraba que el realismo fuera necesariamente separado de la abstracción. Ella sentía que sus métodos y propósitos debían ser tomados juntos.

Esta opinión fue informada directamente por los estudios que Gray realizó sobre la tipografía. Viajó por el mundo observando las formas en que se utiliza la tipografía en la vida cotidiana. Vio que las cualidades visuales formales de las palabras pueden cambiar la forma en que las personas reaccionan ante la arquitectura, los materiales de marketing y las noticias. Hay mensajes ocultos en los aspectos abstractos de las palabras y las letras. Incluso si una palabra o letra no puede ser "leída" por un espectador, ese espectador podría ser lo suficientemente alfabetizado visualmente como para entender algo sobre lo que los símbolos significan en función de su apariencia y contexto. Este mismo punto de vista es la raíz de la contribución que Gray hizo a la abstracción: captura la esencia de cómo entendemos las diferencias entre el arte realista y el abstracto. Incluso cuando podemos "leer" una pintura figurativa, más a menudo que no son las cualidades abstractas de la obra —sus colores, o sus armonías y disonancias compositivas— las que transmiten los sentimientos que percibimos de la obra. Al mismo tiempo, una obra de arte abstracto puede no ser legible desde un punto de vista narrativo, pero para alguien alfabetizado en los aspectos esotéricos de los lenguajes visuales, todavía hay mucho que entender.

Imagen destacada: Nicolette Gray - Lettering como Dibujo (Portada del libro).
Foto utilizada solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio