ギリアン・エアーズの絵画における大胆な色彩と幾何学
高く評価されている英国の抽象画家Gillian Ayresは、ほぼ70年にわたりプロとして芸術を制作してきました。1950年にロンドンのカンバーウェル美術学校を卒業して以来、彼女は一つの純粋な情熱、すなわち絵画から決して揺らぐことはありませんでした。コンセプチュアル・アート、パフォーマンス・アート、ランド・アート、インスタレーション・アート、マルチメディア・アートといった世界的な潮流が彼女の作品の意義を問いかける中でも、Ayresは絵の具でイメージを作るという単純明快な命題に専念し続けました。彼女の作品は常に抽象的でありながら、その様式は絶えず進化してきました。彼女の作品群の意味や特定の作品の動機について尋ねられると、彼女は言葉から話をそらします。「それは視覚的な体験です」と彼女は言います。「文学的なものではありません」。
ある種の苛立ち
美術学校での初期の頃を語るとき、Gillian Ayresはどこか狡猾な表情を見せます。彼女は多くの教授の教育方法に全く興味を失ったことを思い出します。彼女や他の学生たちは、モデルの一部位を繰り返し描くことや、ロンドンのカフェの前の一場面をスケッチすることに一日中費やすことを求められました。彼女はその反復と疲れ知らずの精密さを単調だと感じていました。彼女はモダニズムや抽象芸術を発見し、生き生きと自由に感じられるような芸術を創り出したいと切望していました。
彼女は当時の自分を反逆的だと表現します。しかし彼女はこうも言っています。「反抗することが目的ではありません。反逆的でありたいという願望はなかったと思います。ただ苛立ちを感じていただけです。」その苛立ちは1950年代初頭、ジャクソン・ポロックの作品に初めて出会ったときにようやく正当化されました。彼が床の上で自由に絵の具を扱う写真を見て、彼女はすぐに自分もあのように自由になりたいと感じました。今日に至るまでAyresはポロックを大きなインスピレーションの源としています。彼の技法や様式、作品の外観を模倣したわけではなく、彼が古典的な混沌から抜け出す道を示してくれたことに感謝しています。
Gillian Ayres - Distillation, 1957年。硬質ボードに油彩と家庭用塗料。84 x 60インチ。© Gillian Ayres
真の天職
新たな勇気を得たAyresは1950年代に活気あふれる抽象様式を発展させました。しかし、その作品は他の画家たちや一部の一般の人々から尊敬を得たものの、モダニズムや抽象芸術はまだ英国では広く受け入れられていませんでした。彼女は少数の絵画を展示し販売しましたが、経済的成功は得られませんでした。そこで彼女は進歩的な美術学校として知られるバース美術学院での臨時教職を喜んで受け入れました。結局7年間バースに留まり、その後セント・マーチンズ美術学校で12年間講師を務め、ウィンチェスター美術学校では3年間絵画科の責任者を務めました。
教職に就きながらもAyresは様式の進化を続けました。彼女は生物的形態を試し、様々な色彩の組み合わせを探求し、画肌の盛り上がった厚塗り作品と平坦な面の間を行き来しました。彼女の反逆者としての評判は高まり、ほとんどの同僚が学生をより現代的な媒体へ導く中、彼女は絵画を堅く支持し続けました。しかし1970年代後半、急性膵炎で死にかけた経験を経て、教育者としての成功にもかかわらず、彼女が本当に望んでいたのは絵を描くことだけだと気づきました。彼女はすぐに学問の道を縮小し、ウェールズの田舎に移り住み、芸術に専念する生活を始めました。
Gillian Ayres - Lure, 1963年。キャンバスに油彩。152.4 x 152.4 cm。© Gillian Ayres
色彩と形
新たに専念したAyresは絵の具への愛に没頭しました。彼女はすでに厚塗りで質感のある様式に傾いていましたが、さらに画肌は豊かで触覚的になり、より華やかになりました。彼女は素手で絵の具を扱い、表面と直接的かつ個人的に結びつきました。この時期の彼女の絵画は、新たな色の関係や想像を超えた形の原始的な温床のように見えます。無数の可能性が歓喜に満ちた構成から溢れ出し、その複雑さにもかかわらず調和を成し遂げています。
この頃、Ayresはもはやトーンに興味がないことに気づきました。彼女はくすんだ色合いや色の微妙な変化を望まず、強烈さを求めました。鮮やかで純粋な色彩に焦点を当てると同時に、形のより具象的な使い方にも傾き、線を硬くし、より大きな色の面が構成に存在感を持つようになりました。彼女の絵画には落ち着いた自信が漂い、それはおそらく自分が生まれ持った本質的な仕事を絶えず思索する生活に由来しているのでしょう。
Gillian Ayres - Aeolus, 1987年。キャンバスに油彩。213 x 213 cm。© Gillian Ayres
新たな幾何学
1990年代から2000年代初頭にかけて、Ayresは構成の中で認識可能な形の感覚へさらに進化を続けました。月や太陽、地平線、宴の膳や野原の花のような多様な形が現れたり消えたりします。彼女の構成のいくつかは幾何学的な形や模様と戯れていますが、それは断片的なものに過ぎません。しかし、彼女の最近の作品に現れたのは写実的な具象ではなく、むしろ具象的な抽象視覚言語が自己主張しているようです。これはマティスが晩年に象徴的なハードエッジの切り絵を発展させたときに現れたものに似ています。
この視覚言語は、Ayresが長年興味を持ってきた版画の技法に特に適しています。近年、彼女は冬の間にスタジオで版画や木版画を楽しんでいます。彼女の版画の色彩はこれまでになく鮮やかで純粋であり、目を驚かせる大胆な関係性を生み出しています。彼女は版画制作の過程を再生の衝動と結びつけていますが、その本質的に複製的な性質にもかかわらず、多くの版画に手描きの要素を加え、各作品を唯一無二のものにしています。この機械的な工程と手描きの融合は、層状の質感の混合をもたらしています。
Gillian Ayres - Rombuk, 2001年。リフトグラウンドとアクアティント、カーバランダム（炭化珪素）および手描き。紙に。68.6 x 78.7 cm。© Gillian Ayres
限りなき革新
技術やマルチメディアの実践があらゆる美術展やビエンナーレの最前線にあり、社会的・文化的・政治的な作品がメディアの注目を集める時代にあって、Gillian Ayresが抽象絵画は常に重要であることを証明し続けているのは大きな功績です。彼女は数えきれないほどの流行の圧力に耐えながら、色彩、形、表面、絵の具への単純な愛に忠実であり続けました。彼女が影響を受けたモダニストの巨匠たち、例えばピカソ、マティス、ミロの伝統の中で、Ayresは絵画の価値を示し、それがいかに単純でありながら多様であり得るかを同時に示しました。
それでも彼女の媒体への一途な愛情にもかかわらず、彼女の美的視野と習慣は絶えず進歩してきました。彼女は様々な絵画の媒体を用い、それぞれの媒体の特性を探求し受け入れてきました。そして版画制作を取り入れることで、可能な限り絵画の境界を広げてきました。彼女は複雑でありながら、色、形、空間という絵画の要素を削ぎ落とすことで、何世代にもわたる鑑賞者に「ただ見る」ことを教えてきました。「人はとても心配しがちで、そわそわします」と彼女は言います。「何かを見つけたいし、私の絵が心を高揚させるものであってほしい。でも絵の完成の仕方も始め方もわからない。人は理解したがるけれど、そうしてほしくない。彼らにはただ見てほしいのです」
Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001年。リフトグラウンドとアクアティント、カーバランダム（炭化珪素）および手描き。紙に。55.9 x 45.7 cm。© Gillian Ayres
特集画像：Gillian Ayres - Sun Up（部分）、1960年。キャンバスに油彩。© Gillian Ayres
すべての画像は説明のために使用しています
フィリップ・Barcioによる
