ギリアン・エアーズの絵画における大胆な色彩と幾何学
著名なイギリスの抽象画家ギリアン・エアーズは、ほぼ70年間プロとしてアートを制作してきました。1950年にロンドンのカンバーウェル美術学校を卒業して以来、彼女は一つの純粋な情熱、すなわち絵画から決して揺らぐことはありませんでした。概念芸術、パフォーマンスアート、ランドアート、インスタレーションアート、マルチメディアアートといった世界的なトレンドの真っ只中にあっても、これらは彼女の作品の重要性に挑戦しましたが、エアーズは絵具でイメージを作るというシンプルな命題に専念し続けました。彼女の作品は常に抽象的でしたが、スタイルは常に進化してきました。彼女の作品の意味や、特定の作品を創作する際の動機について尋ねられると、彼女は会話を言葉から逸らします。「それは視覚的な体験です」と彼女は言います。「文学的なものではありません。」
ある種のネズミっぽさ
アートスクールでの初期の頃について話すとき、ギリアン・エアーズは一種の sly な表情を浮かべる。彼女は、多くの教授の教授法に全く興味を失ったことを思い出す。彼女と他の学生たちは、モデルの一つの身体の部分を繰り返し描くことや、ロンドンのカフェの前で一つのシーンをスケッチすることに、丸一日を費やすことを求められた。彼女はその繰り返しと疲れを知らない精密さを平凡だと感じた。彼女はモダニズムや抽象芸術を発見し、自分を生き生きとさせ、活気を与え、自由に感じさせるようなアートを創造したいと切望していた。
彼女は当時の自分を反体制的だと表現しています。しかし、彼女は言いました。「反対することが野望ではない。反体制的でありたいという欲望はなかったと思う。ただ、イライラしていただけだ。」そのイライラは、1950年代初頭にジャクソン・ポロックの作品に初めて出会ったときに最終的に認められました。彼が床で作業し、絵の具を緩やかで活発で生き生きとした方法で扱っている写真を見た彼女は、インスパイアされ、すぐにそのように自由になりたいと知りました。今日まで、アイアーズはポロックを大きなインスピレーションとして数えています。彼女が彼の技法、スタイル、または作品の外観を模倣したわけではなく、むしろ彼が彼女に古典的な混乱から抜け出す道を示してくれたのです。
Gillian Ayres - Distillation, 1957. Oil paint and household paint on hardboard. 84 x 60 in. © Gillian Ayres
真の使命
新たに意気込んだアイアーズは、1950年代にダイナミックで活気に満ちた抽象スタイルを発展させました。しかし、その作品は他の画家たちからの尊敬を得たものの、そして少しの程度で一般の人々からも認められたものの、モダニズムと抽象はまだイギリスでは広く受け入れられていませんでした。彼女は少数の絵画を展示し販売しましたが、経済的成功は彼女を逃れていました。そこで、彼女はバース美術学院での臨時講師のオファーを喜んで受け入れました。この美術学校は進歩的であることで知られています。彼女はバースに7年間滞在し、その後セント・マーチンズ美術学校で12年間講義を行い、ウィンチェスター美術学校で3年間絵画学科を指導しました。
教えている間、アイレスは自分のスタイルを進化させ続けました。彼女は生物形状を使って実験し、さまざまなカラーパレットを探求し、絵画的な作品とインパスト作品、平面の表面の間で揺れ動きました。そして、ほとんどすべての同僚が学生を他のより現代的なメディアに導いている中で、彼女の反逆者としての評判は高まりました。しかし、1970年代後半に彼女は明晰な瞬間を迎えました。急性膵炎の一件でほぼ死にかけた後、彼女は教育者としての成功にもかかわらず、実際にやりたいことは絵を描くことだけだと気づきました。彼女はすぐに学術キャリアを縮小し、ウェールズの田舎に移り、アートに専念することにしました。
Gillian Ayres - Lure, 1963. Oil on canvas. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres
色と形
新たに再献身したアイレスは、絵の具への愛に没頭しました。彼女はすでによりインパスト、テクスチャーのあるスタイルに引き寄せられており、今や彼女の作品はさらに絵画的で、より触覚的で、より豊かになりました。彼女は素手で絵の具を操作し、表面と直接的かつ個人的に繋がりました。この時期の彼女の絵画は、新しい色の関係や想像を超えた形の原始的な繁殖地のように見えます。無数の可能性が、複雑さにもかかわらず、どこか調和を達成しながら、陶酔的な構成から溢れ出しています。
この頃、アイアーズはもはや色調に興味がないことに気づきました。彼女は muted hues や色のニュアンスを何も求めていませんでした。彼女が求めていたのは強度でした。そして、鮮やかで純粋な色に焦点を当てると同時に、彼女は形のより具象的な使い方にも惹かれ始め、線を硬くし、より大きな色の領域が彼女の構図に存在することを許しました。彼女の絵画には落ち着いた自信の感覚が現れ、彼女が生まれついての仕事だと感じている本質的な仕事を常に考察する生活に関連しているのかもしれません。
Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Oil on canvas. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres
新しい幾何学
1990年代と2000年代初頭を通じて、アイアーズは彼女の作品において認識可能な形への進化を続けました。月や太陽、地平線、テーブルの上のごちそうや野原の花々に似た世界的な形のバラエティなど、自然の物体のヒントが現れたり消えたりします。彼女の作品のいくつかは、たとえ断片的であっても、幾何学的な形やパターンと戯れています。しかし、彼女の最近の作品に現れたのは、現実的な具象表現ではなく、むしろマティスがキャリアの後半において彼の象徴的なハードエッジの切り抜きを発展させたときに具現化したような、具象的な抽象視覚言語が主張されているのです。
この視覚言語は、長い間アイアーズが興味を持っていた版画のメディアに特に適している。近年、彼女は冬の間にスタジオで版画や木版画を作ることを楽しんでいる。彼女の版画の色はこれまで以上に鮮やかで純粋であり、ダイナミックな存在感で目を驚かせる大胆な関係を生み出している。彼女は版画制作のプロセスを再生産の衝動とつながるものとして言及している。しかし、その本質的に再生産的な特性にもかかわらず、彼女は多くの版画に手描きの要素を加える傾向があり、各作品をユニークなものにしている。この機械的プロセスと手描きの融合は、テクスチャーの層状の混合を生み出している。
Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres
無限の革新
テクノロジーとマルチメディアの実践がすべてのアートフェアやビエンナーレの最前線にあるように見える時代において、そして明白に社会的、文化的、政治的な作品がメディアの多くの注目を集める中で、ギリアン・エアーズが抽象絵画が常に重要であることを証明し続けていることは、ひとつの成果です。彼女は無数のトレンドの圧力に耐えながら、色、形、表面、絵具へのシンプルな愛に忠実であり続けています。彼女をインスパイアしたモダニストの巨匠たち、例えばピカソ、マティス、そしてミロの伝統の中で、エアーズは絵画の価値を示しながら、それがどれほどシンプルであり、同時にどれほど多様であるかを示しています。
そして、彼女のメディウムに対する一途な愛にもかかわらず、彼女の美的ビジョンと習慣は常に進化してきました。彼女はさまざまな絵画メディウムを使って作業し、それぞれのメディウムの特異性を探求し、受け入れてきました。そして、版画プロセスを含むように実践を広げることで、彼女は可能な限り絵画の境界を広げてきました。彼女は自分自身が複雑であることを証明しましたが、絵画の要素を色、形、空間にまで減らすことで、彼女は何世代にもわたる観客にシンプルに見る方法を教えてきました。「人はとても心配する、そわそわしたような感じで」と彼女は言います。「私は何かを見つけたい、そして私の絵画が人を元気づけるものであってほしいと思っていますが、絵を完成させる方法がわからないし、始める方法もわかりません。人々は理解したがりますが、そうでないことを願っています。ただ見てほしいのです。
Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres
特集画像: ギリアン・エアーズ - サン・アップ（詳細）、1960年。油彩。© ギリアン・エアーズ
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による
