질리안 에이어스의 그림에서 대담한 색상과 기하학

영국의 저명한 추상 미술가 Gillian Ayres는 거의 70년 동안 전문적으로 예술 활동을 해왔습니다. 1950년 런던의 캄버웰 미술학교를 졸업한 이후, 그녀는 한결같이 한 가지 순수한 열정, 즉 그림 그리기에 전념해 왔습니다. 개념미술, 퍼포먼스 아트, 랜드 아트, 설치 미술, 멀티미디어 아트와 같은 전 세계적인 흐름이 그녀의 작품의 의미를 도전했음에도 불구하고, Ayres는 오직 물감으로 이미지를 만드는 단순한 명제에 충실했습니다. 그녀의 작품은 항상 추상적이었지만, 스타일은 끊임없이 진화해 왔습니다. 그녀의 작품 세계의 의미나 특정 작품을 만든 동기에 대해 묻는 질문에 그녀는 말을 피하며 이렇게 말합니다. “이것은 시각적 경험입니다,” “문학적 경험이 아닙니다.”

어느 정도의 불만

미술학교 초창기 시절을 이야기할 때, Gillian Ayres는 약간 교활한 표정을 짓습니다. 그녀는 많은 교수들의 교육 방식에 완전히 실망했던 기억을 떠올립니다. 그녀와 다른 학생들은 모델의 한 신체 부위를 반복해서 그리기나 런던의 한 카페 앞 장면을 스케치하는 데 하루 종일 집중해야 했습니다. 그녀는 그 반복과 지칠 줄 모르는 정밀함을 지루하게 느꼈습니다. 그녀는 모더니즘과 추상 미술을 발견하고, 자신을 살아있고 활기차며 자유롭게 느끼게 하는 예술을 창조하고 싶어 했습니다.

그 시절 자신을 반항적인 사람으로 묘사하지만, 그녀는 “반항하려는 야망은 아니었습니다. 반항하고자 하는 욕망은 없었고, 단지 불만스러웠던 것뿐입니다.”라고 말했습니다. 그 불만은 1950년대 초반, 처음으로 잭슨 폴록의 작품을 접하면서 마침내 정당성을 얻었습니다. 바닥에서 작업하며 느슨하고 활기차고 생동감 있게 물감을 다루는 그의 모습을 본 그녀는 영감을 받았고, 즉시 자신도 그렇게 자유로워지고 싶다는 것을 알았습니다. 오늘날까지 Ayres는 폴록을 주요 영감으로 꼽습니다; 그의 기법, 스타일, 작품의 외형을 모방한 것은 아니지만, 그가 고전적인 혼란에서 벗어나는 길을 보여주었기 때문입니다.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. 경질판에 유화 및 가정용 페인트. 84 x 60 인치. © Gillian Ayres

진정한 소명

새로운 용기를 얻은 Ayres는 1950년대에 역동적이고 활기찬 추상 스타일을 발전시켰습니다. 그러나 그 작품들은 다른 화가들의 존경과 어느 정도 대중의 인정을 받았음에도 불구하고, 모더니즘과 추상 미술은 아직 영국에서 널리 받아들여지지 않았습니다. 그녀는 소수의 그림을 전시하고 판매했지만, 경제적 성공은 따르지 않았습니다. 그래서 진보적인 미술학교로 알려진 바스 미술 아카데미에서 임시 교사 자리를 제안받았을 때 기꺼이 수락했습니다. 그녀는 바스에서 7년간 머문 후, 세인트 마틴 미술학교에서 12년간 강의했고, 윈체스터 미술학교에서 3년간 회화과장을 역임했습니다.

가르치는 동안 Ayres는 계속해서 자신의 스타일을 발전시켰습니다. 그녀는 생물형태적 형태를 실험하고, 다양한 색상 팔레트를 탐구했으며, 화려한 임파스토 기법과 평면 작업 사이를 오갔습니다. 그리고 거의 모든 동료들이 학생들을 다른 현대적인 매체로 이끌 때에도 그녀는 그림 그리기를 굳건히 옹호하며 반항적인 명성을 쌓았습니다. 그러나 1970년대 후반, 급성 췌장염으로 거의 죽을 뻔한 경험 후, 그녀는 교육자로서의 성공에도 불구하고 진정으로 원하는 것은 그림 그리기임을 깨달았습니다. 그녀는 즉시 학계 생활을 정리하고 웨일스 시골로 이주하여 전념했습니다.

Gillian Ayres - Lure, 1963. 캔버스에 유화. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

색과 형태

새롭게 전념한 Ayres는 물감에 대한 사랑에 몰두했습니다. 그녀는 이미 임파스토, 질감 있는 스타일로 기울고 있었고, 이제 그녀의 작품은 더욱 화려하고 촉감적이며 풍성해졌습니다. 그녀는 맨손으로 물감을 다루며 표면과 직접적이고 개인적으로 연결되었습니다. 이 시기의 그녀의 그림들은 새로운 색상 관계와 상상할 수 없던 형태의 원시적 번식지처럼 보입니다. 무수한 가능성이 황홀한 구성에서 터져 나오며, 복잡함에도 불구하고 조화를 이룹니다.

이 무렵 Ayres는 더 이상 명암에 관심이 없다는 것을 깨달았습니다. 그녀는 흐릿한 색조나 색상의 미묘한 차이를 원하지 않았습니다. 그녀는 강렬함을 원했습니다. 그리고 생생하고 순수한 색에 집중하는 것과 함께, 형태를 더 구상적으로 사용하기 시작했고, 선을 굳히며 더 넓은 색상 영역이 작품에 자리 잡도록 했습니다. 그녀의 그림에는 차분한 자신감이 나타났는데, 이는 아마도 자신이 태어나서 해야 할 본질적인 작업을 끊임없이 성찰하며 살아온 삶과 관련이 있을 것입니다.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. 캔버스에 유화. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

새로운 기하학

1990년대와 2000년대 초반에 걸쳐 Ayres는 작품에서 인지할 수 있는 형태의 감각을 더욱 발전시켰습니다. 달이나 태양, 지평선, 식탁 위의 잔치나 들판의 꽃과 같은 자연물의 암시가 나타났다 사라지곤 합니다. 일부 작품은 기하학적 형태와 무늬를 조각조각 암시하기도 합니다. 그러나 최근 작품에서 나타난 것은 사실적인 구상이 아니라, 마티스가 경력 후반기에 상징적인 하드 엣지 오려내기를 발전시켰을 때와 유사한 구상적 추상 시각 언어가 자리 잡은 것입니다.

이 시각 언어는 오랫동안 Ayres가 관심을 가져온 판화 매체에 특히 잘 어울립니다. 최근 몇 년간 그녀는 겨울철에 작업실에서 판화와 목판화를 즐겨 만들고 있습니다. 그녀의 판화 색상은 그 어느 때보다 생생하고 순수하여, 역동적인 존재감으로 눈을 놀라게 하는 대담한 관계를 만듭니다. 그녀는 판화 제작 과정을 복제하려는 충동과 연결된 것으로 여기지만, 본질적으로 복제적인 특성에도 불구하고 많은 판화에 손으로 그린 요소를 추가하여 각 작품을 독특하게 만듭니다. 기계적 과정과 손 그림의 융합은 질감이 겹겹이 쌓인 혼합을 만들어냅니다.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. 리프트그라운드 및 아쿠아틴트, 카보런덤(탄화규소) 및 손 그림 종이 위. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

한계 없는 혁신

기술과 멀티미디어 기법이 모든 아트페어와 비엔날레의 최전선에 있고, 노골적인 사회적·문화적·정치적 작품이 언론의 많은 관심을 받는 시대에, Gillian Ayres가 추상 회화가 항상 의미가 있음을 계속 증명해 온 것은 큰 성취입니다. 그녀는 수많은 유행의 압력에도 굴하지 않고, 색, 형태, 표면, 물감에 대한 단순한 사랑에 충실했습니다. 그녀에게 영감을 준 모더니스트 거장들, 예를 들어 피카소, 마티스, 미로의 전통 속에서, Ayres는 회화가 얼마나 단순하면서도 다양할 수 있는지를 동시에 보여주며 그 가치를 입증했습니다.

그럼에도 불구하고 그녀의 매체에 대한 일편단심 사랑, 미적 비전, 습관은 끊임없이 발전해 왔습니다. 그녀는 다양한 회화 매체를 사용하며 각 매체의 특성을 탐구하고 수용했습니다. 그리고 판화 제작 과정을 포함시켜 회화의 경계를 확장해 왔습니다. 그녀는 복잡한 존재임을 증명했지만, 회화의 요소를 색, 형태, 공간으로 축소함으로써 여러 세대의 관람객에게 단순히 보는 법을 가르쳤습니다. 그녀는 말합니다. “나는 몹시 초조해하며 걱정합니다,” “무언가를 찾고 싶고, 내 그림이 고양되길 바라지만, 그림을 어떻게 끝내야 할지, 어떻게 시작해야 할지 모르겠습니다. 사람들은 이해하기를 좋아하지만, 나는 그들이 그러지 않길 바랍니다. 그냥 보기만 하길 바랍니다.”

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. 리프트그라운드 및 아쿠아틴트, 카보런덤(탄화규소) 및 손 그림 종이 위. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

대표 이미지: Gillian Ayres - Sun Up (세부), 1960. 캔버스에 유화. © Gillian Ayres
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공