파리의 MoMA - 루이 비통 재단 주최

이번 주 파리에서 현대 미술에 대한 큰 기대를 모은 전시회가 열렸으며, 이는 상당한 축하를 불러일으키고 있습니다. 그러나 아마도 이 전시는 동등한 양의 우려도 불러일으켜야 할 것입니다. 모던을 말하다: 파리의 MoMA는 뉴욕 현대 미술관의 소장품 중 약 200점을 전시하고 있습니다. 프랭크 게리 디자인의 루이 비통 재단 박물관에서 열리는 이 전시는 MoMA의 상당한 작품 선택이 프랑스에서 전시되는 첫 번째 사례를 의미합니다. 이 전시가 프랑스, MoMA, 그리고 현대 미술 전반에 걸쳐 훌륭한 일로 찬양받고 있는 이유는 무수히 많습니다. 결국, 전시회에 포함된 예술가와 작품의 목록은 1929년 설립 이후 오늘날까지의 박물관 역사 전체를 아우릅니다. 지난 100년간의 가장 큰 예술가들의 이름이 많이 포함되어 있습니다. 따라서 이렇게 많은 영향력 있고 유명한 작품을 볼 수 있는 기회는 가능한 모든 사람들이 놓치지 말아야 할 것입니다. 그러나 잠시만이라도 이 전시가 불안감을 유발하는 이유를 진지하게 살펴봐야 합니다. 즉, 이 사건의 중요성에 대해 퍼져나가는 엄청난 과장입니다. 공식 보도 자료는 언론에 의해 지겹도록 인용되고 재인쇄되며, 이 전시회를 "선언적 전시"라고 반복해서 부르며, MoMA를 "세계에서 가장 중요한 박물관" 중 하나로 묘사합니다. 이 전시는 "혁신적", "포괄적", "비할 데 없는" 것으로 라벨이 붙여집니다. "신화적"이라는 단어가 반복해서 등장하기도 합니다. 그리고 마지막 형용사인 "신화적"이 가장 위험해 보입니다. 왜냐하면 이 전시에 대한 유일한 감정이 단순한 과장으로 치부될 수 없기 때문입니다. 신화는 강력합니다. 그리고 이 정도 규모의 전시회에 있어, 그것이 만들어내고 유지하는 신화는 앞으로 수세대에 걸쳐 예술에 대한 글로벌 내러티브를 형성할 수 있는 능력을 가지고 있습니다.

형용사를 풀어내다

모던함: 파리의 모마를 설명하는 데 사용되는 가장 명백하게 터무니없는 형용사는 "포괄적이다"이다. 특히, 보도 자료에는 "모던함: 파리의 모마는프랑스에서의모던 아트 뮤지엄 소장품의첫 번째 포괄적 전시이다."라고 명시되어 있다. 그러나 사실, 이 전시는 상당히 방대하다—약 200개의 물체가 전시되고 있다—현재 모마의 전체 소장품 크기는 약 200,000개 물체이다. 따라서 이 전시는 모마가 소유한 것의 약 1/1000에 해당한다. 이는 전체 아카이브의 미세한 엿보기일 뿐이다. 왜 포괄적이라고 부르는가? 그 대답은 루이 비통 재단과 모마의 대표들이 포함된 선정 위원회가 그들이 선택한 미세한 수의 항목이 나머지 199,800개의 물체의 성격과 본질을 완전히 대표한다고 믿기 때문일 수 있다. 그러나 그것이 정말로 사실일까?

파리의 모마에 포함된 예술가 목록을 살펴보면, 전체 모마 컬렉션을 대표한다고는 할 수 없습니다. 그 컬렉션에는 75,000개 이상의 객체가 온라인에 보관되어 있습니다, 그래서 저는 이 전시회에 포함되지 않았지만 제가 가장 영향력 있는 현대 예술가 중 한 명으로 생각하는 세 명의 예술가를 찾기 위해 그 데이터베이스에서 빠른 텍스트 검색을 했습니다: 루이즈 부르주아, 안니 알버스, 그리고 헬렌 프랑켄탈러. 모마는 이 세 명의 예술가의 작품을 수백 점 소장하고 있습니다. 하지만 이상하게도 이 전시회에는 포함되어 있지 않습니다. 저는 또 다른 검색을 하면서 파리의 모마에 소수의 남성 다다이스트의 작품이 포함되어 있다는 것을 주목했습니다. 그래서 모마 아카이브에 영향력 있는 여성 다다이스트의 작품이 있는지 확인해 보았습니다. 한나 회흐와 소피 타우버 아르프의 작품이 10점 이상 있지만, 이 전시회에는 그들의 더 잘 알려진 남성 동료들만 포함되어 있습니다. 그렇다면 이 전시회가 포괄적이라고 할 수 있을까요? 거의 불가능합니다. 우리가 말할 수 있는 것은 큐레이터들이 유명한 예술가들의 작품을 엄선했다는 것입니다. 하지만 그것은 블록버스터라고 불리며, 역사나 모마 컬렉션의 포괄적인 대표라고 할 수는 없습니다.

Bruce Nauman – Human/Need/Desire, 1983. Neon tubing and wire with glass tubing suspension frames, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Emily and Jerry Spiegel, 1991 © 2017 Bruce Nauman/Artists Rights Society (ARS), New York

혁신의 어려움

파리의 MoMA 보도 자료에서 우리가 unpack해야 할 다음 형용사는 "혁신적"입니다. 이는 의미 있는 단어이며, 현대 미술에 대한 어떤 대화에서도 정당하게 자리 잡고 있는 단어입니다. 혁신은 독창성, 창의성, 실험, 때로는 천재성을 의미합니다. 그렇다면 이 전시회를 설명할 때 이 단어가 적절할까요? 우리가 이미 알고 있듯이, 예술가들은 가장 창의적이거나, 가장 독창적이거나, 가장 실험적이거나, 가장 큰 천재이기 때문에 선택된 것이 아닙니다. 소수의 예외(브라질의 구성주의자 리기아 클락을 잘 알려진 미니멀리스트 화이트 보이 클럽인 칼 안드레, 솔 르윗, 엘스워스 켈리, 프랭크 스텔라와 함께 포함하는 것과 같은) 외에는, 예술가들은 주로 이름 인지도를 기준으로 선택되었거나 현대 미술 역사라는 기존 내러티브에 맞기 때문입니다. 하지만 이것은 물론 새로운 것이 아닙니다. 이는 역사적 회고전을 위한 표준 큐레이터 전술입니다. 그리고 그것은 괜찮습니다. 하지만 혁신적이지는 않습니다. 다시 말해, 아마도 "혁신적"이라는 단어가 이 전시회를 설명하는 데 사용될 때, 그것은 전시 자체가 아니라 작업을 참조하는 것일 수 있습니다.

그렇다면 우리는 전시회에 현대주의의 가장 혁신적인 대표자들이 포함될 것으로 기대해야 합니다. 그것이 사실인지 분석하기 위해, 전시 중인 추상 표현주의자 목록을 살펴보세요. 잭슨 폴록이 포함되어 있으며, 윌렘 드 쿠닝도 포함되어 있습니다. 하지만 다른 이들은 어디에 있나요? 그 세대에서 가장 혁신적인 조각가인 루이즈 네벨슨은 어디에 있나요? 그녀의 작품은 MoMA에 있습니다. 왜 여기 포함하지 않나요? 펄 파인은 어디에 있나요? 제이 드페오는요? 솔직히 말해서, 잭슨 폴록의 작품을 포함할 거라면, 왜 뉴욕에서 워크숍을 가르쳤던 유명한 멕시코 벽화가 다비드 알파로 시케이로스를 포함하지 않나요? (폴록이 참석했던) 그 워크숍은 폴록이 그의 상징적인 드립과 스플래터 회화에 사용한 많은 기법을 처음 소개했습니다. 아니면, 왜 시케이로스의 워크숍에 참석했던 여성 스플래터 화가 자넷 소벨을 포함하지 않나요? 그녀의 스튜디오를 폴록이 방문했었고, 그는 자신의 스플래터 기법을 "혁신"하기 전에 그녀의 기법을 배웠습니다. 시케이로스와 소벨의 작품은 MoMA 컬렉션에 있습니다. 여기서 그들의 부재는 이 전시회가 혁신에 관한 것이 아님을 보여줍니다. 이는 단지 세대를 거쳐 역사로 둔갑한 표준 반진실의 반복일 뿐입니다.

Rirkrit Tiravanija – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. Synthetic polymer paint and newspaper on linen, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). The Museum of Modern Art, New York. Committee on Drawings and Prints Fund, 2014. © 2017 Rirkrit Tiravanija (Left) and Ellsworth Kelly – Colors for a Large Wall, 1951. Oil on canvas, sixty-four panels, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist, 1969. © 2017 Ellsworth Kelly (Right)

신화의 문제

전반적으로 파리의 MoMA를 설명하는 데 사용되는 유일한 형용사는 "비할 데 없는"입니다. 이는 MoMA의 작품이 동시에 프랑스에서 전시된 것이 처음이라는 점에서 정말로 비할 데 없는 일입니다. 그러니 정의상으로는 비할 데 없는 것이 맞습니다. (하지만 그렇다고 해서 그것이 일반적이지 않다는 의미는 아닙니다.) 그리고 보도 자료에서 사실에 가까운 유일한 과장된 표현은 MoMA가 세계에서 "가장 중요한 박물관" 중 하나라는 것입니다. 그 발언은 명백히 사실입니다. MoMA가 부인할 수 없이 중요하다는 것은 여러 가지 방법으로 입증할 수 있습니다. 우리는 이 기관이 세계의 다른 주요 미술 컬렉션에 미치는 영향력을 그 소장품으로 측정할 수 있습니다. 결국, 얼마나 많은 미술 판매자들이 그들이 대표하는 예술가가 어떤 박물관 소장품에 있는지를 언급함으로써 개인 수집가들에게 그 예술가의 중요성을 보여줍니까? (답은 모두 그렇습니다.) 그리고 우리는 MoMA가 매년 받는 방문객 수(약 200만에서 300만 명)를 측정할 수 있습니다. 그리고 우리는 박물관의 연간 예산(약 1억 5천만 달러)과 그 이사님의 연봉(2013년 기준 210만 달러)을 살펴볼 수 있습니다. 이러한 모든 지표는 MoMA가 실제로 막대한 글로벌 영향력을 가지고 있으며, 따라서 중요하다는 것을 나타냅니다.

그리고 이것은 이 전시회와 함께 사용되는 마지막 형용사인 "신화적인"으로 이어집니다. 힘의 궁극적인 척도는 사람들이 진실이라고 믿는 것에 영향을 미칠 수 있는 능력입니다. MoMA는 강력합니다. 그것은 신화를 계속 창조하고 전파할 수 있는 힘이 있거나, 사실을 바로잡을 수 있는 힘이 있습니다. 이번 전시회를 통해 Fondation Louis Vuitton과 MoMA는 현상 유지를 하겠다는 의도를 발표했습니다. 네, 전시된 작품들은 웅장함으로 가득 차 있습니다. 하지만 그 웅장함 중 얼마나 많은 부분이 진정한 가치와 관련이 있고, 얼마나 많은 부분이 세대에 걸쳐 예술과 역사에 대한 과장된 이야기들을 홍보해온 지속적인 마케팅 노력과 관련이 있을까요? 진정으로 혁신적이고 독창적이며 현대적인 것은 이 정도 규모의 전시회를 열어 모더니즘에 대한 진실을 이야기하려는 시도일 것입니다. 피카소가 누구를 모방했는지 보여주세요. 폴록이 누구를 베꼈는지 보여주세요. 우리가 모두 알고 사랑하는 슈퍼스타들에 의해 짓밟힌 토착 예술가들, 여성 예술가들, 비백인 예술가들, 그리고 훈련받지 않은 예술가들을 보여주세요. 그것이 제가 지지할 수 있는 "혁신적이고", "포괄적이며", 진정으로 "비할 데 없는" "선언 전시회"가 될 것입니다.

특집 이미지: 야요이 쿠사마 – 축적 No. 1, 1962. 바느질한 천, 페인트, 의자 프린지 37 x 39 x 43″ (94 x 99.1 x 109.2 cm). 현대 미술관, 뉴욕 윌리엄 B. 자페와 에블린 A. J. 홀의 기증 (교환에 의해), 2012. © 2017 야요이 쿠사마

모든 이미지는 MoMA와 Fondation Louis Vuitton의 제공입니다.

필립 Barcio