파리의 MoMA - 루이 비통 재단 주최

이번 주 파리에서 현대 미술의 매우 주목받는 전시가 열렸으며, 많은 축하를 불러일으키고 있습니다. 하지만 아마도 이에 못지않게 우려도 함께 불러일으켜야 할 것입니다. Being Modern: MoMA in Paris는 뉴욕 현대미술관(MoMA) 소장품 약 200점을 선보입니다. 프랭크 게리(Frank Gehry)가 설계한 루이비통 재단 미술관에서 개최된 이번 전시는 MoMA의 주요 작품들이 프랑스에서 처음으로 대규모로 전시되는 자리입니다. 이 전시가 프랑스, MoMA, 그리고 현대 미술 전반에 있어 훌륭한 일로 찬사를 받는 이유는 쉽게 나열할 수 있습니다. 전시된 작가와 작품 목록은 1929년 설립 이래 오늘날까지 미술관의 역사를 아우르며, 지난 100년간 가장 유명한 예술가들이 다수 포함되어 있습니다. 따라서 영향력 있고 유명한 작품들을 한자리에서 볼 수 있는 기회는 가능한 모든 이가 놓치지 말아야 할 것입니다. 그러나 잠시만이라도 이 전시가 불안을 일으키는 이유, 즉 이 행사의 중요성에 대해 과장된 홍보가 지나치게 퍼지고 있다는 점을 진지하게 살펴볼 필요가 있습니다. 공식 보도자료는 언론에 의해 반복 인용되며 이 전시를 “선언적 전시”라고 부르고, MoMA를 세계에서 “가장 중요한 미술관 중 하나”라고 묘사합니다. 전시는 “혁신적”, “포괄적”, “비할 데 없는” 것으로 표현되며, 심지어 “신화적”이라는 단어도 자주 등장합니다. 그리고 이 마지막 형용사인 “신화적”이 가장 위험해 보입니다. 왜냐하면 이 전시에 관한 감정 중 단순한 과장이 아닌 진짜로 받아들여질 수 있는 유일한 것이기 때문입니다. 신화는 강력합니다. 그리고 이 정도 규모의 전시에서 만들어지고 유지되는 신화는 앞으로 수세대에 걸쳐 전 세계 미술에 관한 이야기를 형성할 수 있는 힘을 가집니다.

그 형용사들을 풀어보자

Being Modern: MoMA in Paris를 설명하는 데 가장 명백히 터무니없는 형용사는 “포괄적”입니다. 보도자료에는 “Being Modern: MoMA in Paris는프랑스에서 처음으로현대미술관 소장품의 포괄적 전시입니다.”라고 명시되어 있습니다. 하지만 사실, 전시가 상당히 규모가 있긴 해도—약 200점의 작품을 선보이지만—현재 MoMA 전체 소장품은 약 20만 점에 달합니다. 따라서 이 전시는 MoMA가 소장한 것의 약 천분의 일 정도만 보여주는 셈입니다. 전체 기록의 아주 작은 일부에 불과합니다. 왜 포괄적이라고 부르는 걸까요? 그 이유는 루이비통 재단과 MoMA 대표가 포함된 선정 위원회가 선택한 극소수의 작품들이 나머지 199,800점의 성격과 본질을 완전히 대표한다고 믿기 때문일 수 있습니다. 하지만 그게 과연 사실일까요?

MoMA in Paris에 포함된 작가 목록을 살펴보면, 전혀 MoMA 전체 소장품을 대표한다고 보기 어렵습니다. 그 소장품 중 75,000점 이상이 온라인으로 기록되어 있어, 저는 이 전시에 포함되지 않았지만 제가 생각하기에 가장 영향력 있는 현대 미술가 세 명을 빠르게 검색해 보았습니다: 루이즈 부르주아, 애니 알버스, 그리고 헬렌 프랭켄탈러. MoMA는 이 세 작가의 작품을 수백 점 소장하고 있지만, 이상하게도 이 전시에는 포함되지 않았습니다. 또 다른 검색을 해보니 MoMA in Paris에는 몇몇 남성 다다이스트 작품이 포함되어 있었습니다. 그래서 영향력 있는 여성 다다이스트 작품이 MoMA 기록에 있는지 확인해 보았습니다. 한나 회히(Hannah Höch)와 소피 타우버 아르프(Sophie Taeuber Arp)의 작품이 10점 이상 소장되어 있지만, 이 전시에는 그들의 더 잘 알려진 남성 동료들만 포함되어 있습니다. 그렇다면 이 전시를 포괄적이라고 할 수 있을까요? 전혀 그렇지 않습니다. 우리가 말할 수 있는 것은 큐레이터들이 유명 작가들의 작품만 선별했다는 것입니다. 하지만 그것은 블록버스터 전시일 뿐, 역사나 MoMA 소장품의 포괄적 대표라고 할 수 없습니다.

브루스 노먼 – Human/Need/Desire, 1983. 네온 튜브와 유리 튜브 서스펜션 프레임, 7′ 10 3/8″ x 70 1/2″ x 25 3/4″ (239.8 x 179 x 65.4 cm). 뉴욕 현대미술관 소장. 에밀리와 제리 스피겔 기증, 1991 © 2017 브루스 노먼/아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕

혁신의 어려움

다음으로 MoMA in Paris 보도자료에서 풀어야 할 형용사는 “혁신적”입니다. 이 단어는 의미가 깊으며 현대 미술에 관한 대화에서 당연히 포함되어야 할 말입니다. 혁신은 독창성, 창의성, 실험성, 때로는 천재성을 내포합니다. 그렇다면 이 전시를 설명하는 데 이 단어가 적절할까요? 이미 알다시피, 작가들은 가장 창의적이거나 독창적이거나 실험적이거나 천재적이기 때문에 선택된 것이 아닙니다. 소수 예외(브라질 구성주의자 리지아 클라크가 칼 안드레, 솔 르윗, 엘스워스 켈리, 프랭크 스텔라 등 잘 알려진 미니멀리스트 남성 작가들과 함께 포함된 경우)를 제외하면, 작가들은 주로 이름 인지도나 기존 현대 미술 역사 내러티브에 맞기 때문에 선택되었습니다. 하지만 이것은 새로울 것도 없습니다. 역사적 회고전에서 흔히 쓰이는 큐레이터의 전형적인 전략입니다. 그리고 그것은 괜찮습니다. 하지만 혁신적이지는 않습니다. 다만, 이 전시를 혁신적이라고 부를 때 전시 자체가 아니라 작품을 가리키는 것일 수도 있습니다.

그렇다면 전시에는 현대주의에서 가장 혁신적인 대표작들이 포함되어야 할 것입니다. 이를 분석하기 위해 전시된 추상 표현주의 작가 목록을 살펴보면, 잭슨 폴록과 윌렘 드 쿠닝이 포함되어 있습니다. 하지만 다른 작가들은 어디에 있을까요? 그 세대에서 가장 혁신적인 조각가인 루이즈 네벨슨은 어디에 있나요? 그녀의 작품은 MoMA에 있습니다. 왜 여기에는 포함되지 않았나요? 펄 파인이나 제이 디페오, 혹은 잭슨 폴록 작품이 포함되었다면, 폴록이 참석했던 뉴욕 워크숍을 가르친 유명 멕시코 벽화가 다비드 알파로 시케이로스는 왜 포함되지 않았나요? 시케이로스가 폴록의 상징적인 드립과 튀김 기법에 영향을 준 여러 방법을 처음 소개했습니다. 또는 여성 튀김 화가 자넷 소벨은 왜 없나요? 그녀도 시케이로스 워크숍에 참석했고, 폴록이 자신의 튀김 기법을 “혁신”하기 전에 그녀의 작업실을 방문했습니다. 시케이로스와 소벨의 작품은 MoMA 소장품에 있습니다. 이들이 빠진 것은 이 전시가 혁신에 관한 것이 아님을 보여줍니다. 이 전시는 단지 세대를 거쳐 역사로 둔갑한 반쪽 진실을 되풀이하는 것일 뿐입니다.

리크릿 티라바니야 – Untitled (the days of this society is numbered / December 7, 2012), 2014. 합성 폴리머 페인트와 신문지 위에 린넨, 87 x 84 1/2″ (221 x 214.6 cm). 뉴욕 현대미술관 소장. 드로잉 및 판화 위원회 기금, 2014. © 2017 리크릿 티라바니야 (왼쪽) 그리고 엘스워스 켈리 – Colors for a Large Wall, 1951. 캔버스에 유화, 64개 패널, 7′ 10 1/2″ x 7′ 10 1/2″ (240 x 240 cm). 뉴욕 현대미술관 소장. 작가 기증, 1969. © 2017 엘스워스 켈리 (오른쪽)

신화의 문제

전반적으로 MoMA in Paris를 설명하는 형용사 중 과장이 아닌 것은 “비할 데 없는” 하나뿐입니다. 이번이 프랑스에서 이렇게 많은 MoMA 작품이 동시에 전시되는 첫 번째 사례이기 때문입니다. 따라서 정의상 이 전시는 비할 데 없습니다. (하지만 그렇다고 평범하지 않다는 뜻은 아닙니다.) 그리고 보도자료에서 진실에 가까운 과장 문구는 MoMA가 세계에서 “가장 중요한 미술관 중 하나”라는 점입니다. 이 말은 명백한 사실입니다. MoMA가 부인할 수 없이 중요하다는 점은 여러 방식으로 증명할 수 있습니다. 이 기관이 다른 주요 미술 컬렉션에 미치는 영향력을 소장품 취득을 통해 측정할 수 있습니다. 결국, 얼마나 많은 미술 판매자가 자신이 대표하는 작가의 중요성을 설명할 때 그 작가가 어떤 미술관 소장품에 포함되어 있는지를 언급할까요? (답은 모두입니다.) 그리고 MoMA가 매년 받는 방문객 수(약 200만~300만 명), 연간 예산(약 1억 5천만 달러), 그리고 관장 연봉(2013년 기준 210만 달러)을 살펴볼 수 있습니다. 이 모든 지표는 MoMA가 전 세계적으로 막대한 영향력을 가진, 따라서 중요한 기관임을 보여줍니다.

그리고 마지막으로 이 전시와 함께 사용되는 형용사인 “신화적”에 대해 이야기해 보겠습니다. 권력의 궁극적 척도는 사람들이 무엇을 진실로 믿는지에 영향을 미치는 능력입니다. MoMA는 강력합니다. 신화를 계속 만들어내고 퍼뜨릴 수도 있고, 진실을 바로잡을 수도 있는 힘을 가지고 있습니다. 이번 전시를 통해 루이비통 재단과 MoMA는 현 상태를 유지하겠다는 의도를 발표했습니다. 네, 전시된 작품들은 웅장함으로 가득합니다. 하지만 그 웅장함이 진정한 가치에서 비롯된 것인지, 아니면 여러 세대에 걸쳐 과장되거나 심지어는 거짓말에 가까운 미술과 역사에 관한 이야기를 지속적으로 마케팅한 결과인지 얼마나 될까요? 진정으로 혁신적이고 독창적이며 현대적인 전시는 이 정도 규모의 전시를 통해 모더니즘에 관한 진실을 말하려는 시도일 것입니다. 피카소가 누구를 모방했는지 보여주고, 폴록이 누구에게서 영향을 받았는지 보여주고, 토착 예술가들, 여성 예술가들, 비백인 예술가들, 그리고 정규 교육을 받지 않은 예술가들이 슈퍼스타들에게 짓밟힌 이야기를 보여주는 것입니다. 그것이야말로 “혁신적”이고 “포괄적”이며 진정으로 “비할 데 없는” “선언적 전시”가 될 것입니다.

대표 이미지: 야요이 쿠사마 – Accumulation No. 1, 1962. 바느질한 천 인형, 페인트, 의자 술 장식 37 x 39 x 43″ (94 x 99.1 x 109.2 cm). 뉴욕 현대미술관 소장. 윌리엄 B. 재프와 에블린 A. J. 홀 기증(교환), 2012. © 2017 야요이 쿠사마

모든 이미지는 MoMA와 루이비통 재단 제공

필립 Barcio 작성