Odważny kolor i geometria w malarstwie Gillian Ayres

Uznawana brytyjska artystka abstrakcyjna Gillian Ayres zawodowo tworzy sztukę od prawie 70 lat. Od momentu ukończenia Camberwell School of Art w Londynie w 1950 roku, nigdy nie odstąpiła od swojej jednej czystej pasji: malarstwa. Nawet w obliczu globalnych trendów takich jak sztuka konceptualna, sztuka performatywna, sztuka ziemi, sztuka instalacji i sztuka multimedialna, z których każda kwestionowała znaczenie jej pracy, Ayres pozostała wierna prostemu założeniu tworzenia obrazów za pomocą farby. Jej prace zawsze były abstrakcyjne, chociaż jej styl nieustannie ewoluował. Kiedy pytano ją o znaczenie jej dzieł lub co było impulsem do stworzenia konkretnej pracy, kieruje rozmowę z dala od słów. „To jest doświadczenie wizualne,” mówi, „nie literackie.”

Pewna szczurowatość

Kiedy mówi o swoich wczesnych dniach w szkole artystycznej, Gillian Ayres przyjmuje pewien przebiegły wyraz twarzy. Wspomina, że była całkowicie zniechęcona metodami nauczania wielu swoich profesorów. Ona i inni studenci musieli spędzać całe dni, koncentrując się na takich rzeczach jak wielokrotne rysowanie jednej części ciała modela lub szkicowanie jednej sceny przed londyńską kawiarnią. Postrzegała powtarzalność i nieustanną precyzję jako przyziemne. Pragnęła odkryć modernizm i sztukę abstrakcyjną, oraz tworzyć taki rodzaj sztuki, który sprawiłby, że poczuje się żywa, pełna energii i wolna.

Ona opisuje siebie w tamtych czasach jako subwersywną. Jednak powiedziała: „To nie jest ambicja, aby iść pod prąd. Nie sądzę, żeby istniała chęć bycia subwersywną. Myślę, że po prostu czuło się zgrzyt.” Ten zgrzyt został ostatecznie potwierdzony na początku lat 50., kiedy po raz pierwszy zetknęła się z pracą Jacksona Pollocka. Obrazy, które widziała, przedstawiały go pracującego na podłodze, manipulującego farbą w luźny, aktywny, żywy sposób, co ją zainspirowało, i od razu wiedziała, że chce być wolna w ten sposób. Do dziś Ayres uważa Pollocka za główne źródło inspiracji; nie dlatego, że kopiowała jego technikę, styl czy wygląd jego prac, ale raczej dlatego, że pokazał jej drogę do wyzwolenia się z klasycznego bałaganu.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Oil paint and household paint on hardboard. 84 x 60 in. © Gillian Ayres

Prawdziwe powołanie

Nowo umocniona, Ayres spędziła lata 50. rozwijając dynamiczny, żywiołowy styl abstrakcyjny. Chociaż jej prace przyniosły jej szacunek innych malarzy, a w niewielkim stopniu także publiczności, modernizm i abstrakcja wciąż nie były szeroko akceptowane w Wielkiej Brytanii. Wystawiała i sprzedała niewielką liczbę obrazów, ale sukces finansowy umknął jej. Dlatego z radością przyjęła ofertę tymczasowego stanowiska nauczyciela w Bath Academy of Art, szkole artystycznej znanej z postępowego podejścia. Ostatecznie pozostała w Bath przez siedem lat, a następnie przeniosła się, aby wykładać w Saint Martin's School of Art przez 12 lat, a potem kierować wydziałem malarstwa w Winchester School of Art przez trzy lata.

Podczas nauczania, Ayres nadal rozwijała swój styl. Eksperymentowała z kształtami biomorficznymi, badała różnorodne palety kolorów i wahała się między malarskimi, impasto dziełami a płaskimi powierzchniami. A jej reputacja jako buntowniczki rosła, gdyż nadal stanowczo opowiadała się za malarstwem, podczas gdy prawie wszyscy jej koledzy kierowali swoich uczniów w stronę innych, bardziej współczesnych mediów. Ale potem, pod koniec lat 70-tych, miała moment jasności. Po niemal śmierci z powodu ostrego zapalenia trzustki, zdała sobie sprawę, że mimo swojego sukcesu jako edukatorka, tak naprawdę chciała tylko malować. Szybko zakończyła swoją karierę akademicką i przeniosła się na wieś w Walii, aby w pełni poświęcić się swojej sztuce.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Oil on canvas. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

Kolor i kształt

Nowo poświęcona, Ayres zanurzyła się w swojej miłości do farby. Już wcześniej skłaniała się ku bardziej impasto, teksturowanemu stylowi, a teraz jej prace stały się jeszcze bardziej malarskie, bardziej dotykowe i bardziej bujne. Używała swoich nagich rąk do manipulowania farbą, łącząc się bezpośrednio, osobiście z powierzchniami. Jej obrazy z tego okresu wydają się być pierwotnymi miejscami rozrodu dla nowych relacji kolorystycznych i nie wyobrażonych kształtów. Niezliczone możliwości wybuchają z ekstatycznych kompozycji, osiągając w jakiś sposób harmonię mimo ich złożoności.

W około tym czasie Ayres zdała sobie sprawę, że nie ma już żadnego zainteresowania tonem. Nie chciała nic z przytłumionych odcieni ani niuansów w kolorze. Chciała intensywności. A wraz z jej skupieniem na żywych, czystych kolorach, zaczęła również skłaniać się ku bardziej figuralnemu użyciu kształtu, utwardzając swoje linie i pozwalając większym polom koloru zamieszkiwać jej kompozycje. W jej obrazach pojawił się poczucie spokojnej pewności siebie, być może związane z życiem spędzonym w ciągłej kontemplacji istotnej pracy, do której czuła się stworzona.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olej na płótnie. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Nowa geometria

W ciągu lat 90. i na początku 2000. Ayres nadal ewoluowała w kierunku rozpoznawalnych kształtów w swoich kompozycjach. Wskazówki dotyczące naturalnych obiektów pojawiają się i znikają, takie jak księżyc lub słońce, linia horyzontu, czy światowy zbiór kształtów przypominających ucztę na stole lub kwiaty na polu. Niektóre z jej kompozycji flirtują z kształtami geometrycznymi i wzorami, nawet jeśli tylko w fragmentach. Ale to wciąż nie jest tak bardzo realistyczna figura, która pojawiła się w jej najnowszych pracach, jak to, że jakby figuratywno-abstrakcyjny język wizualny się ugruntował, podobnie jak to, co materializowało się, gdy Matisse, w późniejszej fazie swojej kariery, opracował swoje ikoniczne hard-edge wycinanki.

Ten wizualny język szczególnie dobrze nadaje się do medium druku, które od dawna interesuje Ayres. W ostatnich latach cieszy się tworzeniem odbitek i drzeworytów w zimowych miesiącach w swoim studiu. Kolory w jej odbitkach są bardziej żywe i czyste niż kiedykolwiek, tworząc odważne relacje, które szokują oko swoją dynamiczną obecnością. Proces druku określa jako coś, co łączy się z dążeniem do reprodukcji. Ale pomimo swojej zasadniczo reprodukcyjnej jakości, ma tendencję do dodawania ręcznie malowanych elementów do wielu odbitek, które tworzy, co sprawia, że każde dzieło sztuki jest unikalne. Ta fuzja procesów mechanicznych i malarstwa ręcznego skutkuje warstwową mieszanką tekstur.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

Nieograniczona Innowacja

W epoce, w której technologia i praktyki multimedialne zdają się być na czołowej pozycji każdego targu sztuki i biennale, a prace wyraźnie społeczne, kulturowe i polityczne przyciągają uwagę mediów, osiągnięciem jest to, że Gillian Ayres nadal udowadnia, że malarstwo abstrakcyjne jest zawsze aktualne. Wytrzymała presję niezliczonych trendów, pozostając wierna swojej prostej miłości do koloru, kształtu, powierzchni i farby. W tradycji modernistycznych mistrzów, którzy ją inspirowali, takich jak Picasso, Matisse i Miro, Ayres wykazała wartość malarstwa, pokazując jednocześnie, jak proste i jak różnorodne może być.

A jednak, pomimo jej jednostronnej miłości do medium, jej wizja estetyczna i nawyki nieustannie się rozwijały. Pracowała różnorodnie z szeregiem różnych mediów malarskich, badając i przyjmując specyfikę każdego z nich. Rozszerzając swoją praktykę o procesy druku, przesuwała granice malarstwa, kiedy tylko mogła. Udowodniła, że jest osobą złożoną, a jednocześnie, redukując elementy malarstwa do koloru, kształtu i przestrzeni, nauczyła wiele pokoleń widzów, jak po prostu patrzeć. „Strasznie się martwię, w taki nerwowy sposób,” mówi. „Chcę coś znaleźć i chcę, aby moje obrazy były podnoszące na duchu, ale nie sądzę, żebym wiedziała, jak skończyć obraz, a nie wiem też, jak zacząć. Ludzie lubią rozumieć, a ja chciałabym, żeby tego nie robili. Chciałabym, żeby po prostu patrzyli."

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

Obraz wyróżniony: Gillian Ayres - Sun Up (szczegół), 1960. Olej na płótnie. © Gillian Ayres
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio