Odważny kolor i geometria w malarstwie Gillian Ayres

Znana brytyjska artystka abstrakcyjna Gillian Ayres tworzy profesjonalnie od niemal 70 lat. Od ukończenia Camberwell School of Art w Londynie w 1950 roku, nigdy nie zrezygnowała ze swojej jednej prawdziwej pasji: malarstwa. Nawet w obliczu światowych trendów takich jak sztuka konceptualna, performance, land art, instalacje czy sztuka multimedialna, które podważały znaczenie jej twórczości, Ayres pozostała wierna prostemu założeniu tworzenia obrazów za pomocą farby. Jej prace zawsze były abstrakcyjne, choć jej styl nieustannie się rozwijał. Zapytana o znaczenie swojego dorobku lub o impuls do powstania konkretnego dzieła, kieruje rozmowę z dala od słów. „To doświadczenie wizualne,” mówi, „nie literackie.”

Pewna nerwowość

Opowiadając o swoich początkach w szkole artystycznej, Gillian Ayres przybiera nieco przebiegły wyraz twarzy. Wspomina, że była całkowicie zniechęcona metodami nauczania wielu profesorów. Ona i inni studenci musieli spędzać całe dni na powtarzającym się rysowaniu jednej części ciała modela lub szkicowaniu jednej sceny przed londyńską kawiarnią. Postrzegała tę powtarzalność i niestrudzoną precyzję jako nudne. Pragnęła odkryć sztukę modernistyczną i abstrakcyjną, tworzyć dzieła, które sprawią, że poczuje się żywa, pełna energii i wolna.

Opisuje siebie z tamtych czasów jako buntowniczkę. Jednak powiedziała: „To nie była ambicja, by iść pod prąd. Nie sądzę, by była chęć bycia buntowniczą. Po prostu czuło się nerwowość.” Ta nerwowość została w końcu potwierdzona na początku lat 50., gdy po raz pierwszy zetknęła się z twórczością Jacksona Pollocka. Zdjęcia, na których widziała go pracującego na podłodze, swobodnie i żywo operującego farbą, zainspirowały ją i od razu wiedziała, że chce być wolna w ten sposób. Do dziś Ayres uważa Pollocka za główne źródło inspiracji; nie dlatego, że kopiowała jego technikę, styl czy wygląd jego prac, lecz dlatego, że pokazał jej drogę do wyjścia z klasycznego bałaganu.

Gillian Ayres - Destylacja, 1957. Farba olejna i farba domowa na płycie pilśniowej. 84 x 60 cali. © Gillian Ayres

Prawdziwe powołanie

Nowo odważona, Ayres spędziła lata 50. na rozwijaniu dynamicznego, żywego stylu abstrakcyjnego. Choć prace przyniosły jej szacunek innych malarzy, a w pewnym stopniu także publiczności, modernizm i abstrakcja wciąż nie były powszechnie akceptowane w Wielkiej Brytanii. Wystawiała i sprzedawała niewielką liczbę obrazów, ale sukces finansowy ją omijał. Z radością przyjęła więc tymczasową posadę nauczycielki w Bath Academy of Art, szkole artystycznej znanej z postępowego podejścia. Została tam siedem lat, potem wykładała przez 12 lat w Saint Martin's School of Art, a następnie przez trzy lata kierowała pracownią malarstwa w Winchester School of Art.

Podczas nauczania Ayres nadal rozwijała swój styl. Eksperymentowała z kształtami biomorficznymi, badała różne palety barw i wahała się między malarskimi, impastowymi pracami a płaskimi powierzchniami. Jej reputacja buntowniczki rosła, gdyż nadal zdecydowanie opowiadała się za malarstwem, podczas gdy niemal wszyscy jej koledzy kierowali studentów ku innym, bardziej współczesnym mediom. Jednak pod koniec lat 70. miała moment jasności. Po niemal śmierci z powodu ostrego zapalenia trzustki uświadomiła sobie, że mimo sukcesów jako nauczycielka, tak naprawdę chce tylko malować. Szybko zakończyła karierę akademicką i przeniosła się na wieś w Walii, by poświęcić się sztuce na pełen etat.

Gillian Ayres - Urok, 1963. Olej na płótnie. 152,4 x 152,4 cm. © Gillian Ayres

Kolor i kształt

Nowo oddana swojej pasji, Ayres całkowicie zanurzyła się w miłości do farby. Już wcześniej skłaniała się ku bardziej impastowemu, fakturowanemu stylowi, a teraz jej prace stały się jeszcze bardziej malarskie, dotykowe i bujne. Używała gołych rąk do manipulowania farbą, nawiązując bezpośredni, osobisty kontakt z powierzchniami. Jej obrazy z tego okresu wydają się pierwotnymi miejscami powstawania nowych relacji kolorystycznych i niewyobrażalnych kształtów. Niezliczone możliwości wybuchały z ekstrawaganckich kompozycji, osiągając harmonię mimo złożoności.

W tym czasie Ayres uświadomiła sobie, że nie interesuje jej już tonacja. Nie chciała stonowanych odcieni ani niuansów koloru. Pragnęła intensywności. Wraz z koncentracją na żywym, czystym kolorze zaczęła też skłaniać się ku bardziej figuratywnemu użyciu kształtu, utwardzając linie i pozwalając większym polom koloru zajmować jej kompozycje. W jej obrazach pojawiło się poczucie spokojnej pewności, być może związane z życiem spędzonym na ciągłej refleksji nad istotą pracy, do której czuła się powołana.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Olej na płótnie. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Nowa geometria

W latach 90. i na początku XXI wieku Ayres nadal rozwijała swój styl, coraz bardziej wprowadzając do kompozycji rozpoznawalne kształty. Pojawiają się i znikają sugestie naturalnych obiektów, takich jak księżyc czy słońce, linia horyzontu czy różnorodne kształty przypominające ucztę na stole lub kwiaty na łące. Niektóre kompozycje flirtują z geometrycznymi kształtami i wzorami, choć często tylko fragmentarycznie. Jednak w jej najnowszych pracach nie tyle pojawiła się realistyczna figura, ile raczej abstrakcyjny język wizualny o figuratywnym charakterze, podobny do tego, który rozwinął Matisse w późnym okresie swojej twórczości, tworząc ikoniczne cięcia hard-edge.

Ten język wizualny szczególnie dobrze nadaje się do technik graficznych, które od dawna interesują Ayres. W ostatnich latach z przyjemnością tworzyła odbitki i drzeworyty w zimowych miesiącach w swoim atelier. Kolory w jej grafikach są bardziej żywe i czyste niż kiedykolwiek, tworząc odważne zestawienia, które szokują oko swoją dynamiczną obecnością. Określa proces tworzenia grafik jako coś, co łączy się z potrzebą powielania. Mimo że ma on zasadniczo reprodukcyjny charakter, często dodaje do wielu odbitek elementy malowane ręcznie, czyniąc każde dzieło unikalnym. To połączenie procesów mechanicznych i malarstwa ręcznego daje warstwową mieszankę faktur.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Technika liftground i akwaforta z karborundem (węglik krzemu) oraz malarstwo ręczne na papierze. 68,6 x 78,7 cm. © Gillian Ayres

Nieograniczona innowacja

W czasach, gdy technologia i praktyki multimedialne zdają się dominować na każdej targach sztuki i biennale, a prace o wyraźnym charakterze społecznym, kulturowym i politycznym przyciągają większość uwagi mediów, osiągnięciem jest fakt, że Gillian Ayres nadal udowadnia, iż malarstwo abstrakcyjne jest zawsze aktualne. Przetrwała presję niezliczonych trendów, pozostając wierna swojej prostej miłości do koloru, kształtu, powierzchni i farby. W tradycji modernistycznych mistrzów, którzy ją inspirowali, takich jak Picasso, Matisse i Miro, Ayres pokazała wartość malarstwa, ukazując jednocześnie, jak proste i jak różnorodne może być.

A mimo swojej jednoznacznej miłości do medium, jej wizja estetyczna i nawyki nieustannie się rozwijały. Pracowała z różnymi technikami malarskimi, badając i przyjmując specyfikę każdego z nich. Rozszerzając swoją praktykę o techniki graficzne, poszerzała granice malarstwa, kiedy tylko mogła. Udowodniła, że jest złożona, a jednocześnie poprzez redukcję elementów malarstwa do koloru, kształtu i przestrzeni nauczyła wiele pokoleń widzów, jak po prostu patrzeć. „Bardzo się martwię, w nerwowy sposób,” mówi. „Chcę coś znaleźć, chcę, by moje obrazy były podnoszące na duchu, ale nie wiem, jak skończyć obraz, ani jak zacząć. Ludzie lubią rozumieć, a ja chciałabym, żeby nie chcieli. Chciałabym, żeby po prostu patrzyli.”

Gillian Ayres - Jezioro Finnegana, 2001. Technika liftground i akwaforta z karborundem (węglik krzemu) oraz malarstwo ręczne na papierze. 55,9 x 45,7 cm. © Gillian Ayres

Zdjęcie główne: Gillian Ayres - Wschód słońca (fragment), 1960. Olej na płótnie. © Gillian Ayres
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio