Definindo a Abstração Lirica

Lyrical Abstraction é um termo aparentemente autoexplicativo, e ainda assim, por gerações, sua origem e significado foram debatidos. O colecionador de arte americano Larry Aldrich usou o termo em 1969 para definir a natureza de várias obras que ele havia recentemente adquirido e que, segundo ele, sinalizavam um retorno à expressão pessoal e à experimentação após o Minimalismo. Mas o crítico de arte francês Jean José Marchand usou uma variação do termo, Abstraction Lyrique, décadas antes, em 1947, para se referir a uma tendência emergente na pintura europeia semelhante ao Expressionismo Abstrato nos EUA. Ambas as utilizações do termo referiam-se a uma arte caracterizada por composições livres, emotivas e pessoais, sem relação com a realidade objetiva. Mas essas tendências podem ser rastreadas ainda mais longe, pelo menos até a primeira década do século XX e o trabalho de Wassily Kandinsky. Para descobrir as verdadeiras raízes e significado da Lyrical Abstraction, e para entender como interagir com suas tendências na arte, precisamos olhar para os primeiros dias da arte abstrata.

Colocando o Lírico na Lyrical Abstraction

Na década de 1910, vários grupos diferentes de artistas estavam experimentando a abstração, cada um a partir de uma perspectiva única. Artistas cubistas e futuristas trabalhavam com imagens do mundo real e as alteravam de formas conceituais para expressar ideias abstratas. Artistas suprematistas e construtivistas trabalhavam com formas reconhecíveis em sua arte, mas as usavam de maneiras ambíguas ou simbólicas, ou de forma a tentar transmitir universalidades. Mas outro grupo de artistas abordava a abstração de uma perspectiva completamente diferente das demais.

Epitomizado por Wassily Kandinsky, esse grupo abordava a abstração a partir da perspectiva de que não sabiam qual significado poderia haver no que pintavam. Esperavam que, simplesmente pintando livremente, sem noções preconcebidas de estética ou do mundo objetivo, algo desconhecido pudesse ser expresso por meio de seu trabalho. Kandinsky comparava suas pinturas a composições musicais, que comunicavam emoção de maneira completamente abstrata. Suas pinturas abstratas eram imaginativas, emotivas, expressivas, pessoais, apaixonadas e completamente subjetivas; em outras palavras, líricas.

Wassily Kandinsky - Composição 6, 1913. Óleo sobre tela. 76,8 × 118,1" (195,0 × 300,0 cm). Museu Hermitage, São Petersburgo

Lyrical Abstraction Pós-Guerra

A Lyrical Abstraction de Kandinsky contrastava com muitas das outras tendências da arte abstrata das décadas de 1920 e 30. Sua arte não estava especificamente associada a nenhuma religião, mas havia algo abertamente espiritual nela. Outros artistas associados a estilos como De Stijl, Arte Concreta e Surrealismo faziam arte secular que se prestava a interpretações objetivas e acadêmicas. Kandinsky buscava algo que nunca poderia ser totalmente definido ou explicado. Ele expressava sua conexão pessoal com os mistérios do universo de forma aberta. Era como se ele tivesse inventado uma espécie de Existencialismo espiritual.

O Existencialismo foi uma filosofia que ganhou destaque após a Segunda Guerra Mundial, quando as pessoas lutavam para entender o que percebiam como o sentido da vida sem sentido. Pensadores críticos não podiam acreditar que um poder superior pudesse existir e permitir o tipo de destruição que acabavam de testemunhar. Mas, em vez de se tornarem niilistas diante da aparente ausência de Deus, os existencialistas tentaram superar o sentido geral de falta de sentido da vida, buscando um significado pessoal. Como escreveu o autor existencialista Jean-Paul Sartre em seu livro O Ser e o Nada em 1943, “O homem está condenado a ser livre; ele é responsável por tudo o que faz.” A busca pelo que é essencialmente pessoal era fundamental para o Existencialismo, e também para o ressurgimento generalizado da Lyrical Abstraction após a Segunda Guerra Mundial.

Wassily Kandinsky - O Último Julgamento, 1912. Coleção particular

Por Outros Nomes

Ao longo das décadas de 1940 e 50, surgiram muitos movimentos de arte abstrata que, de uma forma ou de outra, envolviam a expressão pessoal subjetiva como base para expressar significado na arte. Abstraction Lyrique, Arte Informal, Tachismo, Arte Bruta, Expressionismo Abstrato, Arte de Campo de Cor e até mesmo arte conceitual e performática, todos, em certa medida, podem ser rastreados até a mesma busca existencial geral. Um dos críticos de arte mais influentes desse período, Harold Rosenberg, compreendeu isso quando escreveu, “Hoje, cada artista deve se empenhar em inventar a si mesmo... O significado da arte em nosso tempo flui dessa função de auto-criação.”

Mas, à medida que a cultura mudou com a próxima geração, muitas dessas tendências existenciais na arte caíram em desuso. E mais uma vez, uma abordagem desapaixonada, concreta e geométrica da arte abstrata, epitomizada pelo Minimalismo, tomou seu lugar. Mas nem todos os artistas abandonaram a tradição lírica. No final da década de 1960, a maré mudou novamente. Como apontado por Larry Aldrich, que reintroduziu o termo Lyrical Abstraction em 1969, “No início da última temporada, tornou-se evidente que na pintura havia um movimento afastando-se do geométrico, do contorno duro e do minimal, em direção a abstrações mais líricas, sensuais e românticas, em cores mais suaves e vibrantes... O toque do artista é sempre visível nesse tipo de pintura, mesmo quando as obras são feitas com pistolas de pintura, esponjas ou outros objetos.”

Jean-Paul Riopelle - Composição, óleo sobre tela, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Lyrical Abstraction Contemporânea

É evidente que, como frequentemente acontece com movimentos artísticos, as tendências que definem a Lyrical Abstraction precederam a criação do termo. Nas primeiras décadas do século XX, artistas como Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee e Wols foram os primeiros a incorporar tendências líricas na abstração. E décadas depois, artistas como Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages e Joan Mitchell deram continuidade a essas tendências. Então, no final dos anos 1960 e 70, artistas como Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko e dezenas de outros revitalizaram e ampliaram a relevância dessa posição.

Em 2015, uma das vozes mais fascinantes da Lyrical Abstraction contemporânea, o artista espanhol Laurent Jiménez-Balaguer, faleceu. Mas seus conceitos, teorias e técnicas continuam a se manifestar de formas poderosas hoje no trabalho de artistas como Margaret Neill, cujas composições instintivas de linhas líricas e entrelaçadas convidam o espectador a uma participação subjetiva de significado pessoal, e de Ellen Priest, cujo trabalho traz à vida sua conversa estética pessoal e contínua com a música jazz. O que une todos esses artistas em um vínculo comum é a busca fundamental da Lyrical Abstraction: expressar algo pessoal, subjetivo e emotivo, e fazê-lo de maneira poética e abstrata.

Ellen Priest - Estudo de dança do golfinho 15.

Imagem em destaque: Margaret Neil - Switchback (detalhe).
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio